La Fondazione Teatro Valle Occupato non sarà riconosciuta, è questa la posizione del Prefetto di Roma. Eppure, il Teatro conquista all’estero il Premio Ecf. L’idiosincrasia delle istituzioni è un vizio tutto italiano che nasconde una visione retriva del diritto, come ci spiega Ugo Mattei.

Il drammaturgo argentino, già ospite a Udine per l’Ecole des Maîtres, torna nella città italiana per mettere in scena la sua ultima e destabilizzante “visione”. Scambiare opinioni con lui, è sempre un viaggio nel sapere e nel mondo di oggi. E anche di domani.

Con l’insediamento del nuovo direttore Roberto Alajmo e di Emma Dante, artista residente,lo Stabile siciliano si rimette in gioco per uscire dalla decadenza, in cui era sprofondato negli ultimi anni, e riconquistare credibilità e pubblico.

Molti, troppi sono ormai i premi teatrali. Se di per sé la cosa non stupisce e può essere considerata una ricchezza, vero è che spesso autorevolezza e credibilità vacillano, anche tra istituzioni “storiche” come l’Ubu.

Ricca di sollecitazioni, la stagione invernale parigina ha presentato grandi nomi della scena internazionale: Ostermeier, Braunschweig, Bondy e Barberio Corsetti. Grandi capolavori interrogano il mondo contemporaneo, tra comizi e rimpianti, tragedie pubbliche e vita privata, false confidenze e sposi in fuga.

Una panoramica sulla stagione della capitale berlinese, dove il pubblico si diverte con Herbert Fritsch alla Volksbühne, si fa spiazzare dai poliziotti di Castellucci alla Schaubühne e medita sui drammi della post-migrazione con Calis, di scena al Deutsches Theater.

Tra memoria e rimozione del passato, la Macedonia cerca un’identità e un posto nel mondo. A giocare un ruolo centrale in questo percorso ci pensano il Teatro Nazionale e quello indipendente, resistendo alle tentazioni nazionaliste, alla mancanza di risorse, ma contando su un inesauribile fervore creativo.

Nei territori occupati e nei campi profughi palestinesi fare teatro equivale a sfidare la guerra e a resistere, preservando la propria umanità. Ne sono prova vivente il Freedom Theatre di Jenin, lo Yes Theatre di Hebron e l’Al Harah di Beit Jala, con il suo recente Shakespeare’s Sisters.

Al festival romagnolo è protagonista la narrazione, tra workshop, spettacoli ed esperimenti, con artisti e operatori provenienti da tutta Italia.

Negli anni Novanta alcuni giovani autori promossero un cambiamento significativo nella drammaturgia britannica. Sarah Kane, Philip Ridley, Martin Crimp, Mark Ravenhill, e molti altri, sostituirono i dialoghi “educati” e il gelido understatement tipicamente british, con grida e violenza, situazioni estreme e feroci. Etichettato come in-yer-face, questo teatro trovò casa su alcuni palcoscenici, in primis quello del Royal Court, con nuovi drammaturghi, decisi a raccontare le crisi e i traumi della società nata a cavallo del secondo millennio. Che cosa resta di quell’esperienza?

Lo studioso Aleks Sierz, primo teorico del teatro in-yer-face, rievoca le origini e illustra gli sviluppi e le derive di una drammaturgia che, insofferente a perbenismo ed equilibrio, decise di sbattere letteralmente in faccia agli spettatori il degrado sociale prodotto dalla violenza economica.

Da oltre cinquant’anni alcuni dei principali teatri inglesi sostengono e producono la nuova drammaturgia, tra alti e bassi, sperimentazione e tradizione, con una certa attenzione al sociale e una recente apertura alla scena europea.

Un sistema teatrale dinamico e solido, quello d’Oltremanica, in cui l’intervento pubblico a sostegno della scrittura drammatica e dell’innovazione è stato sempre protagonista, pare ora messo alle strette dall’austerity del governo. Ma le reazioni non si sono fatte attendere.

Il drammaturgo e pedagogo Steve Waters racconta come avviene l’insegnamento della scrittura teatrale in Inghilterra e traccia un desolante – per noi – confronto con la situazione italiana.

Un drammaturgo, ormai affermato, racconta la determinante esperienza vissuta come scrittore-residente a Londra e riflette sul tentativo di riprodurne finalità e contenuti anche in Italia.

La nota traduttrice Alessandra Serra descrive la qualità della scrittura dei nuovi autori, sottolineandone i debiti, più o meno espliciti, con il drammaturgo premio Nobel.

Originari dell’India e dei Caraibi, gli autori figli dell’emigrazione hanno generato un teatro legato alla comunità di provenienza, ma anche capace di riflettere problematiche e trasformazioni dell’intera società inglese.

A quattrocentocinquant’anni dalla nascita, il Bardo è ancora vitale punto di riferimento e fonte di ispirazione per i drammaturghi che, negli ultimi tempi, amano dare voce a personaggi che così si rivelano non più “minori”.

Le spinte all’innovazione che arrivano dal Fringe di Edimburgo e dal faticoso lavoro delle numerose compagnie “di giro” stimolano la scrittura di nuovi testi e sanno anche rinnovare il gusto del pubblico, e non soltanto di quello londinese.

Dennis Kelly, Lucy Prebble, Alecky Blyte, Simon Stephens, Debbie Tucker Green e Mike Bartlett sono i nomi di spicco della drammaturgia del nuovo millennio, inevitabilmente segnata dal trauma dell’11 settembre e dalle tante crisi, economiche e ambientali, che hanno accompagnato questi difficili anni.

L’opera di scouting condotta da Barbara Nativi alla Limonaia e la sintonia mostrata dal Teatro dell’Elfo e da Fabrizio Arcuri, ma anche le tante produzioni dettate dalla moda più che da una reale affinità con l’attuale scena britannica.

Se non fosse una brava attrice – come in effetti è – la performer sarebbe una formidabile giornalista. I suoi spettacoli affrontano, con scienza e pathos, alcuni nodi dell’odierna società. E lei li racconta girando nei teatri del Nordest.

Artista fra i più eclettici, la sua Jo Strømgren Kompani ha all’attivo un centinaio di produzioni dal ’98 a oggi, ospitate nei più importanti festival internazionali. Fra coreografie, puppetry, prosa e cinema. In un approccio all’arte che unisce creatività e capacità imprenditoriale.

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Torna, con un occhio al teatro danza e alle performing arts, la piattaforma Nid, ospitata quest’anno dalla Fondazione Toscana Spettacolo: quattro intense giornate in cui le compagnie, selezionate e off, offriranno il meglio di sé ai programmatori di tutto il mondo.

Tra le meraviglie art nouveau della Jenůfa di Alvis Hermanis, strumenti che bruciano nel Feuersnot di Emma Dante, i trucchi video della rossiniana Pietra del paragone di Giorgio Barberio Corsetti, l’opera sembra finalmente riscoprire una profondità drammaturgica.

Premio Hystrio alla drammaturgia 2013
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Da Pasolini a Tahar Ben Jelloun e da Ingeborg Bachmann a Lucia Calamaro e alla fortunata collaborazione con Antonio Tagliarini, l’attrice trentina ha costruito intorno alla parola la qualità della propria presenza scenica in una costante ricerca della verità.

Che il legame fra luoghi ed eventi culturali fosse positivo lo si sapeva. Nella regione, però, è a tal punto una buona pratica, da risvegliare interi territori che sui festival costruiscono un possibile futuro: è il caso di Andria e di Trani, ma anche di Putignano e Taranto.

La Storia e la storia del teatro s’intrecciano al Festival d’Automne, che quest’anno ha dedicato un focus a Bob Wilson. Thomas Bernhard raccontato da Krystian Lupa, la Cambogia di Sihanouk al Théâtre du Soleil e il Medioevo cortese e passionale di George Benjamin tra gli eventi della rassegna.

Mentre la capitale tedesca rischia di perdere tutto il suo appeal di città culturale e underground nelle fauci dei grandi capitali, la Scena indipendente, che di questo appeal è fra i principali responsabili, è stanca delle briciole e presenta il conto.

Un’Antigone islamica, un Re Lear decisamente pulp, la storia del pluriomicida Pierre Riviére, ma anche il sangue (vero) di Angelica Liddel sono solo alcune delle immagini dell’edizione 2013 del festival polacco di stanza a Wroclaw.

Drammaturgo e intellettuale, Neziraj ha ben chiaro come debba svilupparsi la nascente cultura nazionale del piccolo Stato balcanico, in costante e critico dialogo tra le radici e il presente, facendo i conti con la paura dei fanatismi religiosi, neocolonialismo e ordinarie precarietà.

Per avvicinare una realtà teatrale geograficamente attigua, ma decisamente poco conosciuta il Festival Teatrale di Maribor è una buona occasione: quest’anno ospiti Slovenia, Croazia, Lituania, Ungheria e un focus sull’Olanda.

In una città che ristruttura tutti i suoi teatri, non sorprendono le code interminabili ai botteghini per il Festival Nazionale di Teatro, che offre il meglio della produzione locale: dalle grandi firme della regia, Andrei Şerban e Silviu Purcărete, al giovane Radu Afrim.

Nella giovane Repubblica Baltica, il teatro è sempre stato al centro della vita culturale, soprattutto a Vilnius. Prima per criticare l’ortodossia sovietica e poi,  dopo l’indipendenza, per affermare la propria identità. A metà degli anni ’80 Nekrošius si rivela sulle scene europee, ma è solo la punta dell’iceberg di una realtà estremamente ricca e vivace: Tuminas, Varnas, Vaitkus e Koršunovas i grandi nomi della regia, insieme a Ivaškevičius per la drammaturgia. Senza dimenticare le nuove leve, anche della scenografia e della danza, i festival e il ruolo fondamentale dell’Accademia Lituana di Musica e Teatro.

Il drammaturgo Marius Ivaškevièius, una delle star della scena lituana, racconta della passione dei suoi connazionali per il teatro: una sorta di “terapia”, ma anche un mezzo per riflettere sul proprio passato e immaginare un futuro migliore.

In un paese a lungo schiacciato da altre culture dominanti, la drammaturgia si è diffusa come importante veicolo di affermazione identitaria e di critica all’ortodossia sovietica. Parulskis, Ivaškevičius, Grajauskas, Keleras, Labanauskaitė e Černiauskaitė gli autori più affermati dopo l’indipendenza.

Il direttore Martynas Budraitis racconta l’evoluzione del tessuto teatrale lituano prima e dopo l’indipendenza: il rapporto tra spazi istituzionali e indipendenti, il decentramento e la promozione internaziona

Insieme a Nekrošius e Koršunovas è l’alfiere del teatro lituano nel mondo. La predilezione per i classici russi – Lermontov e Cechov in testa – è al centro del suo repertorio, il cui comune denominatore registico è un gusto romantico non privo di umorismo e ironia.

Dopo la rivelazione sulle scene europee a metà degli anni ’80, oggi è considerato uno dei maestri della regia a livello mondiale. Con un teatro fatto di elementi primari, oggetti simbolici ed emozionanti partiture fisiche, Nekrošius ha sempre privilegiato la rilettura dei classici (Shakespeare, Cechov, Goethe, Dante) alla ricerca di categorie estetiche universali.

Dopo gli studi a San Pietroburgo, allora Leningrado, tra la fine degli anni ’60 e l’inizio dei ’70, non solo si afferma come uno dei registi più importanti della scena lituana, ma è stato ed è un riferimento fondamentale per la formazione di attori e registi, Koršunovas e Varnas tra i suoi allievi.

A Vilnius la mostra Illusionisti. Sulla scenografia e l’arte contemporanea evoca, attraverso parole, immagini, video e oggetti di scena, usati come installazioni, le suggestioni che alcuni spettacoli hanno creato nella memoria degli spettatori.

La vicinanza con gli spettatori, raccontare storie d’amore e di morte per parlare di teatro e dell’essere attori prima che personaggi. Poco più che quarantenne, con le sue riletture di Shakespeare, Gorkij e Cechov dalle forti valenze metateatrali, Koršunovas è attualmente il regista più inventivo della scena lituana.

Mentre Tuminas, Nekrošius e Koršunovas sono sempre più impegnati all’estero, le nuove generazioni cercano di colmare i vuoti della scena lituana. Emergono Ignatavičius, Areima e Barzdžiukaitė, allievi del primo, e Bareikis con il suo gruppo No Theatre.

Dal Teatro Drammatico Nazionale alla Tipografia delle Arti, dall’Okt di Koršunovas al Meno Fortas di Nekrošius passando per il Piccolo Teatro e il Teatro Drammatico Russo, è estremamente variegata e vivace la geografia degli spazi nella capitale lituana. Senza dimenticare i festival e altre città come Kaunas e Klaipėda.

Il Festival internazionale, che ha compiuto dieci anni, si conferma come la vetrina più importante del teatro lituano (Nekrošius, Koršunovas, Varnas) e fecondo spazio di confronto, aperto agli artisti internazionali più innovativi (Silis, Ross, Doiashvili, Emma Dante).

L’Accademia Lituana di Musica e Teatro prepara attori, danzatori e registi, ma anche operatori e critici. Lì hanno studiato o vi insegnano gli artisti più noti della scena nazionale. Fondata nel 1952 oggi è caratterizzata da una forte internazionalizzazione e da una febbrile creatività basata sull’interazione fra le diverse discipline.

Accanto all’istituzionale Teatro Nazionale dell’Opera e del Balletto, artisti come Andþelika Cholina, Gytis Ivanauskas e Birutë Letukaitë hanno fondato nuovi teatri e lavorano spesso mescolando attori, danzatori e musicisti.

1989, pochi mesi prima della Caduta del Muro, il pubblico italiano scopre Nekrošius. Un quindicennio dopo conoscerà la vocazione internazionale di Koršunovas.

TeatrOltre a Lamezia Terme, Segni d’Infanzia a Mantova e Zona Franca a Parma offrono quest’anno molte novità: dalle “magare” di Art Patachipi alle storie di carta di Riserva Canini e dal soldatino di piombo di Malorni e Pallara agli uccelli migratori di Luigi d’Elia.

Unire la riflessione teorica all’ironia e al gioco, il pensiero matematico al pop e alla cultura di massa, la grafica alla scrittura coreografica. La compagnia ferrarese gioca con la definizione stessa di spettacolo teatrale per imporre la propria originalità.

Addio al regista francese che, con le sue sorprendenti regie di Shakespeare, Marivaux e Koltés, ma anche delle opere di Berg e Wagner, ha segnato quarant’anni di teatro europeo.

 

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Si conclude l’anno del giubileo per il Maestro di Busseto e sui palcoscenici d’Europa le sue opere trovano mille diverse voci: l’Aida kitsch e pompier di Olivier Py a Parigi, il ritorno di una discutibile Traviata alla Scala, l’Attila dei Colla e un racconto in chiave edutainment firmato da Paolini e Brunello.

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A San Miniato Sgorbani, Guardigli, Cavosi, Scimone, Massini, Guidi e Borrelli raccontano il proprio lavoro nelle sessioni di Geografia della drammaturgia italiana, progetto triennale del Teatrino dei Fondi.

Matteo Antonaci, Nicola Arrigoni, Giedrë Bagdþiûnaitë, Elona Bajorinienë, Ramunë Balevièiûtë, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Stefania Bevilacqua, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Francesca Carosso, Tommaso Chimenti, Georgia Galanti, Francesca Gambarini, Lorenzo Garozzo, Maddalena Giovannelli, Toma Gudelytë, Nicole Horsten, Andrius Jevsejevas, Giedrë Kabaðinskienë, Filippa Ilardo, Giuseppe Liotta, Audronis Liuga, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Ramunë Marcinkevièiûtë, Antonella Melilli Rossi, Giulia Miniati, Giuseppe Montemagno, Anna Maria Monteverdi, Stefano Moretti, Alessio Negro, Emilio Nigro, Michele Pascarella, Gianni Poli, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Paolo Ruffini, Daiva Ðabasevièienë, Helmutas Ðabasevièius, Laura Santini, Francesca Serrazanetti, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Chiara Viviani, Giusi Zippo.

Negli ultimi anni in Italia sono stati riscoperti – e occupati – molti teatri destinati alla rovina così come tanti luoghi storici sono stati rifunzionalizzati e convertiti in spazi scenici. Un breve excursus tra alcuni casi paradigmatici che testimonia la necessità di un teatro più vivo e più vicino.

Ancora tempesta è il testo in cui lo scrittore austriaco evoca la saga della propria famiglia, sognandola.
Il croato Ivica Buljan lo ha messo in scena per il Teatro Stabile Sloveno e il Drama di Ljubljana.

Mentre il programma del Festival Internazionale sfida le compagnie di mezzo mondo a saggiare le evoluzioni cognitive prodotte da scienza e tecnologia, il Fringe continua a crescere: molto il teatro fisico e visuale e, fra i fil rouge tematici, le migrazioni, le diverse abilità e identità, sessuali e politiche.

Dalla circolazione delle lingue e degli artisti provenienti da Francia, Austria, Slovenia, Croazia, Italia (unici rappresentanti ricci/forte), Grecia, Irlanda, Spagna e Scandinavia, un esempio pratico della carta dell’identità europea.

Se non stupisce Shakespeare, nella stagione londinese, certo lo fa la “prospettiva militare” con cui viene letto il dramma di Otello. Intanto Simon Stephens cerca un nuovo punto di vista per Casa di bambola e il pubblico scopre Pirandello al National Theatre.

Dagli autobus alle piazze e dai supermarket alle autostrade, a San Paolo del Brasile il teatro può trasformare in scena l’intera città. Spensierato, sì, ma anche molto politico e resistente alla “barbarie”, all’abbandono dello Stato e allo strapotere della tv.

In una cultura spettacolarizzata, che vive il Carnevale come potente rito di massa, il teatro fatica a radicarsi: guardato con sospetto, esterofilo e lontano dal popolo, non riceve aiuti dallo Stato e cerca, grazie alla convinzione di alcuni artisti locali, di conquistarsi i propri spazi e un proprio pubblico.

Nel sistema produttivo fuori dall’Italia sembra più facile trovare spazio e consensi, per la regista barese, che dal 2001 gira il mondo raccontando storie come Bella e Bestia, La Regina delle Nevi e La principessa Sirena.

Nati a pochi mesi l’uno dall’altro, nel corso del fausto 1813, Giuseppe Verdi e Richard Wagner fondano la riflessione critica sul teatro musicale. Riflettere sui presupposti di estetiche contrastanti aiuta a comprendere la storia dell’interpretazione di opere che sollecitano consacrati templi della lirica (da Milano a Bayreuth) e ardimentose scene locali (da Parma e Verona a Lipsia), cinema, letteratura e teatro di figura. Così si animano i velluti delle sale, così scorre il Reno duecento anni dopo.

Dalle grandi voci degli anni Sessanta all’arrivo dirompente di Visconti, dalla complessità analitica delle regie di Strehler al teatro essenziale, intensamente poetico di Chéreau, ricordi e memorie di sessant’anni di spettacoli scaligeri, tra acuti e sfide, castelli e cattedrali, lanci di rapanelli e navi inghiottite nella notte.

Costretti a un notevole sforzo produttivo, in contrasto con le ristrettezze di bilancio, i teatri lirici italiani hanno reagito con scelte di programmazione e produzioni spesso prevedibili. In cauda una riflessione sul doppio evento.

Fonte d’interminabili controversie, l’interpretazione scenica del dramma musicale wagneriano è stata spesso falsata dai suoi migliori interpreti, a cominciare da Cosima Wagner, al festival di Bayreuth. Tra censure e divieti, eredi disinvolti e invenzioni immotivate, centotrent’anni di teatro wagneriano permettono una prima riflessione critica.

Per fare teatro occorrono uomini di teatro: in apparenza semplice, l’assunto verdiano serve a spiegare le ragioni di una drammaturgia che s’invera sulla scena. Testimone dell’evoluzione spettacolare di un secolo, l’Ottocento, che sperimenta nuove soluzioni per chiarire complesse dinamiche teatrali, Giuseppe Verdi interviene personalmente sulla dimensione scenica delle sue opere. Con esiti spesso sorprendenti, difficili da immaginare

Folgorato dalla ricercata mise en scène di Louis Palianti delle sue Vêpres siciliennes (1855), Giuseppe Verdi importa in Italia – grazie alla lungimiranza di Casa Ricordi – il modello delle “disposizioni sceniche”, che fissano l’articolazione dello spettacolo nei suoi tratti essenziali: «servire il dramma» e valorizzarne l’aspetto visivo.

Protagonista della vita teatrale parigina fin-de-siècle e direttore dell’Opéra-Comique, Albert Carré fissa la lezione scenica di alcuni capolavori di Verdi e Wagner: una Traviata giovanile riporta l’azione ai tempi del Secondo Impero, mentre Tristan und Isolde, all’indomani della Grande Guerra, rinnova la tradizione grazie a un uso innovativo delle luci.

Da Macerata a Bayreuth, dove sono andate in scena provocatorie riletture della drammaturgia dei due autori, il teatro di Verdi e Wagner riafferma una vis politica che divampa a contatto con le criticità del mondo contemporaneo: interprete privilegiato delle contraddizioni dell’Italia e della Germania di ieri e di oggi, o forse di sempre.

Pietra miliare nella storia dell’interpretazione wagneriana, Der Ring des Nibelungen allestito a Bayreuth nel 1976 da Patrice Chéreau e Pierre Boulez reinterpreta il mito come summa delle esperienze storiche, filosofiche e musicali accumulate nel corso di un secolo convulso come il Novecento. Appunti sulla ricezione critica di una creazione leggendaria.

La traviata a Falstaff, le regie scaligere di Strehler dedicate a Verdi illuminano le messinscene shakespeariane, condotte in parallelo nella prosa. Mirabile sintesi, l’ultimo spettacolo dedicato al “Pancione”, tra le brume della Bassa padana, anticipa il crepuscolo di Don Giovanni, esaltando la complessa drammaturgia musicale dell’epilogo verdiano.

A duecento anni dalla nascita, Verdi e Wagner si sono contesi i palcoscenici di tutto il mondo, talvolta in cerca di letture innovative, più spesso di rassicuranti riprese dei grandi capolavori. Dalle macerie di Mirandola alle vette del Tirolo, dai grandi festival internazionali al minuscolo Teatro di Busseto, ecco il catalogo dei più importanti spettacoli del 2013.

A duecento anni dalla nascita, Verdi e Wagner si sono contesi i palcoscenici di tutto il mondo, talvolta in cerca di letture innovative, più spesso di rassicuranti riprese dei grandi capolavori. Dalle macerie di Mirandola alle vette del Tirolo, dai grandi festival internazionali al minuscolo Teatro di Busseto, ecco il catalogo dei più importanti spettacoli del 2013.

Le messinscene di Barberio Corsetti, Martone e Michieletto riaprono il dibattito sul teatro di regia e sulla legittimità di attualizzazioni che restituiscano dirompente impatto teatrale ad alcuni melodrammi dell’Ottocento. Con esiti diversi e contrastanti, Macbeth, Oberto e Un ballo in maschera rinnovano il canone dell’interpretazione scenica verdiana.

Dopo mezzo secolo di assenza, l’Opéra di Parigi e la Scala regolano i conti con il Ring des Nibelungen, messo in scena rispettivamente da Günter Krämer e Guy Cassiers. Al Teatro Massimo di Palermo, frattanto, Graham Vick è costretto a interrompere un interessante allestimento della saga, vittima dei tagli ai finanziamenti.

Da Nord a Sud Italia, una panoramica delle proposte più interessanti (anche se mancano le eccellenze) presenti nei principali festival dedicati al giovane pubblico: Giocateatro, Segnali, Una città per gioco, Palla al centro, I teatri del mondo e Maggio all’infanzia.

Spaesamento, precarietà, incertezza su presente e futuro. Sono i temi ricorrenti di questa edizione, tra i quali il monologo regna sovrano e il Sud è assente. Vincono i Fratelli Dalla Via e Collettivo InternoEnki, segnalazioni speciali per nO (Dance first. Think later) e Beatrice Baruffini.

Autore assai prolifico, fu famoso per la sua dura e feroce satira contro il conformismo e l’oppressione comunisti, negli anni Settanta e Ottanta. Fra i suoi testi più celebri La polizia, Il martirio di Piotr Obey, Il tacchino, Tango e, soprattutto, Emigranti.

Esordio d’attore, ma poi dedicatosi soprattutto alla regia, Lamberto Puggelli ha firmato, con rigorosa eleganza, numerosissime regie, dal Piccolo alla Scala. Fondamentale il suo lavoro con i giovani e per i giovani.

Scelte registiche di forte personalità (Livermore, Vick, Ponnelle) e riletture alla luce della Storia presente (Vacis,  Micheli) per un teatro d’opera non anacronistico.

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Brecht e Weill, Brel e Ferré, Piazzolla e il suono del bandoneon, non c’è nulla che non si adatti alla sua duttilissima voce: cittadina del mondo, la cantante tedesca è al traguardo dei cinquant’anni, che festeggia a luglio.

Se per La tempesta erano gli attori della sceneggiata, per La fabbrica dei sogni sono gli abitanti del Dormitorio Pubblico di Napoli a guidare il percorso di costante contaminazione tra esistenza e arte che caratterizza la ricerca del regista napoletano, dai suoi primi passi con la Compagnia LiberaMente, fino alle attuali collaborazioni con lo Stabile e il Festival partenopeo.

Quando uno straordinario talento si unisce alla passione civile, il risultato è Fabrizio Gifuni. Dal talento nel “fare le voci” a Gadda, Pavese e Pasolini, passando per Orazio Costa e Massimo Castri, la lunga carriera dell’attore che voleva fare l’avvocato.

La stagione primaverile parigina favorisce il racconto di avventure umane, prima ancora che teatrali: il dramma dei migranti di Lampedusa e le frontiere incontaminate dello Yukon, evocate da Lina Prosa e Sarah Berthiaume, o ancora la tournée del Théâtre Aftaab, il “Sole” afghano che risplende grazie all’impegno di Ariane Mnouchkine.

Al traguardo del mezzo secolo, la rassegna sembra non voler correre rischi, puntando su grandi produzioni provenienti dagli organismi stabili delle principali città di lingua tedesca. Con un’unica eccezione, Hebbel am Ufer e lo spettacolo Disabled Theater.

La sinergia nata dal progetto europeo Playing Identities è fucina da alcuni anni di fecondi scambi di talenti, come testimonia la collaborazione tra Teatro Era di Pontedera e Teatro Nazionale rumeno di Cluj.

Stefania Del Bravo ci racconta come è riuscita a trasformare l’Istituto Italiano di Cultura, che dirige nella capitale scozzese, in punto informativo e vetrina per il teatro italiano presente al Fringe.

Un pullmann, 28 persone (artisti, critici e operatori) provenienti da 11 paesi europei, 3500 km in otto giorni, sulle strade del Vecchio Continente: questa, in sintesi, la singolare iniziativa itinerante voluta dalla European Theatre Convention, per promuovere il confronto e lo scambio interculturale.

Nel Venezuela nell’indimenticato Chavez il teatro è vissuto come divertimento elitario, sottoposto alle leggi del mercato. Chi la pensa diversamente ne sopporta il peso, come il Festival Internazionale di Teatro, ospitato nei cinque teatri di Caracas e finanziato unicamente dallo Stato di Miranda.

Confinato per secoli nel buio e nel silenzio della platea, il pubblico ha saputo conquistarsi, negli ultimi anni, un ruolo di primo piano nell’economia del sistema-teatro nazionale. Condizionando da vicino le politiche degli operatori e irrompendo nella creazione, programmazione, messinscena e critica degli spettacoli, anche grazie alle nuove opportunità offerte dal web. Conoscere da vicino il fenomeno è, per molti teatri, un modo per uscire dalla crisi e superare l’indifferenza della politica. Come chiede l’Europa.

Il coinvolgimento del pubblico, tanto a livello di condivisione delle politiche quanto di sviluppo delle estetiche, sembra essere, per molti teatri, la via maestra per uscire dalla crisi dei finanziamenti. A patto però di preservare quella che è, per Augè, l’essenza del “luogo teatro”: la relazione.

Dall’Atene del V secolo al Medioevo, dalle feste rinascimentali al teatro elisabettiano, dalla Commedia dell’Arte ai corrales spagnoli, dal teatro illuminista, romantico e poi naturalista, la storia dello spettacolo vive del dissidio insanabile tra quanto avviene sulla scena e ciò che succede in platea. Fino al Futurismo e alla rivoluzione delle avanguardie.

La messa a punto di efficaci strategie di promozione si fonda su un’osservazione partecipata della realtà del pubblico: conoscere a fondo chi consuma teatro e le sue esigenze aiuta ad ampliare le prospettive e a vincere il rischio di autoreferenzialità.

Nonostante la scientificità nella raccolta dei dati, le statistiche elaborate dall’Istat e dalla Siae non riescono ancora a dare una rappresentazione esaustiva dell’offerta teatrale in Italia, indispensabile per orientare le politiche di settore.

Per far fronte alla crisi dei finanziamenti pubblici, molti teatri investono in una nuova e più proficua relazione col proprio pubblico, sfruttando i ritrovati della tecnologia digitale e in linea con le direttive della Commissione Europea.

Fin dalla nascita negli anni Settanta, il teatro ragazzi mantiene un legame stretto con chi lo segue. Anche oggi, nonostante abbia in parte smarrito la carica innovativa, vanta significativi risultati al botteghino e rappresenta un target non trascurabile.

A Milano e a Roma le realtà che operano in zone decentrate e periferiche lavorano per il coinvolgimento del pubblico e il radicamento sul territorio, tra risorse esigue e politiche culturali discontinue.

La moltiplicazione dei target e l’introduzione della cultura d’impresa hanno reso necessario un radicale ripensamento del teatro pubblico italiano, in un’ottica di scambio, partecipazione e condivisione con lo spettatore.

Nell’evoluzione dello spazio teatrale e nel mutare delle tipologie architettoniche si va alla ricerca di un nuovo rapporto tra scena e platea: dai primi tentativi settecenteschi, fino alle più recenti sperimentazioni, il filo conduttore è la trasformazione della relazione con lo spettatore.

A fronte della crisi della regia, del teatro pubblico e della critica, sono sempre più numerosi gli spettacoli che stimolano (e ottengono) la partecipazione del pubblico.

Il pubblico 2.0 va alla ricerca di una sempre maggiore vicinanza all’attore: si moltiplicano gli spettacoli per pochi o per un solo spettatore e fioriscono esperienze che coinvolgono una fruizione sensoriale.

Chi ha maturato una lunga esperienza come critico e operatore sa che un festival può avere un ruolo importante nel sistema teatrale italiano: promuovere giovani artisti, costruire un rapporto più diretto con il pubblico e creare una relazione con il territorio su cui si insedia.

Nonostante la relazione e l’incontro con gli spettatori siano momenti fondanti per il teatro sociale, questo settore fatica a uscire dalla nicchia dell’autoreferenzialità per raggiungere platee ampie e variegate.

Museificazione e rinnovamento, strategie commerciali e inedite forme di comunicazione: il melodramma attraversa una delicata fase di transizione, si reinventa «moderno e popolare» e cerca nuovi fruitori nelle generazioni più giovani.

Da Bèjart in poi, passando per i festival estivi e le nuove compagnie di ricerca, la danza ha saputo sempre rinnovarsi, ogni volta intercettando un pubblico diversificato.

Preparata dalle correnti dada e neodada, la performance inverte i termini della creazione artistica, aprendosi a un confronto diretto e non mediato col pubblico.

Esiste ormai uno scollamento evidente tra lettori-spettatori e critica. Le cause sono molteplici e le responsabilità da ripartire (quasi) equamente. Per la seconda categoria, però, urge una riflessione su temi troppo spesso ignorati, come deontologia professionale e spirito di servizio.

Nelle maggiori città del Vecchio Continente, i teatri cercano strategie per coinvolgere il pubblico. E se a Berlino e a Parigi puntano alla varietà dell’offerta, Londra, Mosca e Barcellona affrontano la crisi attraverso una buona politica dei prezzi.

Dalla ricca panoramica sulle produzioni per bambini di Maggio all’Infanzia e Puglia Showcase Kids emerge l’esplicita tendenza delle compagnie ad affrontare temi “tabù”: se per il Teatro delle Briciole sono i vecchi, per Sud Costa Occidentale è l’omosessualità.

Il binomio Mozart-Daponte trova nuovo vigore a Parigi e a Bruxelles, con le regie di Braunschweig e Haneke. Se Don Giovanni è visto dagli occhi (invidiosi) di Leporello, nel Così fan tutte di Haneke è l’eccesso della Ragione a ridurre gli uomini in macerie.

Inscindibile binomio, con Dario Fo Franca Rame ha condiviso tutto: passione politica, lavoro, amore, palcoscenico, accuse e censure, assumendo il ruolo pragmatico e intraprendente nella coppia più nota del teatro italiano.

Ci ha lasciato una grande interprete, che ha segnato, col suo carisma, 60 anni di spettacolo, volto e voce dei maggiori drammaturghi classici e moderni, da Bontempelli e Betti a Brusati, Beckett e Albee, fino al “suo” Brancati.

Fu convinta a entrare in Accademia da De Lullo e divenne parte fondamentale del sodalizio trentennale della Compagnia dei Giovani, distinguendosi nel repertorio classico, ma soprattutto contemporaneo, da Pirandello a Fabbri (che per lei scrisse La bugiarda) e Patroni Griffi.

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Di casa a Bruxelles con la sua Compagnia Rosas, la danzatrice allieva di Béjart, è in arrivo a Torino Danza. Nelle sue coreografie la musica, da Bach a Steve Reich, e i movimenti si fondono in una raffinata partitura.

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Arrivato da pochi anni in Europa, il regista giapponese ha recentemente presentato a Parigi la sua versione del cechoviano Tre sorelle. Un teatro testuale, dove storie e sentimenti sono evocati e mai raccontati e dove allo spettatore è lasciato il compito di “sentire” l’accadere delle cose.

Una vocazione e una scelta caparbia, quella di essere attrice. Arianna Scommegna sembra non temere alcuna sfida: che sia Giulietta o Mater Strangosciàs, la barbona Piera o una Molli Bloom meneghina, l’attrice sa donare ai suoi personaggi una costante, generosa intensità.

Conquista definitivamente la tv nel 1986 con Zelig e non la lascia più. Un po’ snobbato dal teatro, in realtà il cabaret ne conserva i tratti più popolari, come lo sberleffo e il regionalismo, che con l’etere sembrano sposarsi a meraviglia.

Londra. Anche se non manca la danza, Mime 2013 è il trionfo del (nuovo) circo, dalle acrobazie di Zimmermann & de Perrot ai due cardinali di Stan’s Café, che raccontano tutta la Bibbia senza parlare, alla musica suonata con le palline da tennis di Compagnie 111.

Scenari bellici sulle rive della Senna, nei primi mesi invernali. Un grande successo ha salutato la riscoperta della drammaturgia di Ferdinand Bruckner, mentre due autori anglofoni, Harwood e Crimp, si soffermano sugli orrori e le tragiche conseguenze di un conflitto e Pommerat racconta quando si esaurisce l’amore.

Il gotha del teatro internazionale si è riunito al Teatro d’Arte di Mosca per celebrare i 150 anni dalla nascita del grande riformatore russo, raccontando e analizzando il suo lavoro e la sua eredità. Unica parola d’ordine: vietato mitizzare.

Under the radar, Coil Festival e la vetrina di Apap sono solo alcuni dei molti appuntamenti teatrali che catturano i newyorkesi nel mese di gennaio: in 24 ore su 24 di spettacoli e incontri, 3500 artisti e operatori si confrontano con il pubblico e i distributori durante spettacoli e show case.

Nel suo nuovo spettacolo, Minsk 2011, il Belarus Free Theatre racconta la dittatura di Lukashenko attraverso il prisma della sessualità e delle cicatrici lasciate sul corpo degli oppositori.

Pur con enormi contraddizioni, gli iraniani manifestano la propria voglia di futuro anche attraverso il teatro. In occasione del Fajr International Festival di Tehran le sei sale del City Theatre si riempiono all’inverosimile, nonostante il ferreo controllo della censura e della polizia segreta.

Un sottile filo rosso si srotola lungo la storia dei palcoscenici, di volta in volta nascosto, sussurrato, esposto, inflazionato: il sesso. Ogni secolo a declinarlo secondo pruriti e ispirazioni, scandali e censure. Analisi di uno dei temi più caldi di sempre, cercando di definirne importanza e riflessi su artisti, critica e pubblico. Nessuno escluso. In un viaggio che muove dai riti dionisiaci per arrivare all’oggi, passando attraverso pantomime settecentesche e avanguardie di inizio Novecento. Insomma, tutto quello che volevate sapere sul sesso (a teatro) ma non avete mai osato chiedere.

Nel 2001 debutta XXX. E la gente scopre il porno a teatro. Merito de La Fura dels Baus, dalla Catalogna al resto del mondo a colpi di scandali e provocazioni. Da qui comincia il nostro viaggio nelle alcove teatrali, con una chiacchierata hystrionica in compagnia di Alex Ollé, all’epoca insieme a Carlos Padrissa regista di quello che sarebbe diventato lo spettacolo più visto della Fura.

“Scuola di trasgressione” agli occhi della censura elisabettiana, il teatro ha attraversato i millenni cercando di gestire l’unico chiodo fisso che non l’ha mai abbandonato: il sesso. Di volta in volta declinato in metafore, lirismi, perifrasi e quant’altro, per aggirare censure e consuetudini sociali. A parte qualche orgetta settecentesca, un corpo poco vissuto ma molto discusso. Arriverà poi il Novecento a riequilibrare le cose.

Dalla Signora delle camelie alle porno-riscritture di Joe D’Amato. O, se si preferisce, dalle farse di Feydeau a Cicciolina in Parlamento. Il Novecento è il Partito dell’Amore per il teatro: liberi tutti, che ognuno si sfoghi come gli pare. E fra tradizione e avanguardie, tematiche identitarie e provocazioni, non mancano gli spunti a un palcoscenico profondamente mutato. E in mutazione. Dove irrompono i meticciati artistici e le performance.

Di Cauteruccio al Teatro delle Apparizioni, passando per Motus, Accademia degli Artefatti, Fanny & Alexander, Frattaroli e altri, un excursus alla fine del millennio dove labili e perturbanti si fanno i confini fra teatro, danza e performance, anche nel declinare la presenza in scena del corpo e del sesso.

Da Cauteruccio al Teatro delle Apparizioni, passando per Motus, Accademia degli Artefatti, Fanny & Alexander, Frattaroli e altri, un excursus alla fine del millennio dove labili e perturbanti si fanno i confini fra teatro, danza e performance, anche nel declinare la presenza in scena del corpo e del sesso.

Da Amanda Lear e Frank-n-Furter, al labirinto delle etichette LGBT, queer, transgender, butch, drag king: quanto è cambiato il punto di vista sul pianeta trans e i suoi protagonisti.

Teatro specchio della società? Forse. Ma non sempre. Si vedano gli inossidabili sentimenti omofobi che tuttora permeano pensieri politici italioti e titoli in cronaca (nera). Più avanti di secoli il palcoscenico. Dove omosessualità è normalità. Spunto come un altro di ispirazioni e messinscene. Con un elenco lungo così di talenti e spettacoli.

Acconci, Schwarzkogler, Orlan, Grigorescu, Abramovic e altri. La sessualità nelle performing arts degli anni Sessanta e Settanta era usata come grimaldello per scardinare l’ideologia imperante. Oggi, nell’era del virtuale, pare essersi trasformata soprattutto in operazione di marketing o speculazione intellettuale.

Preceduti dallo scandalo (occasionale) di Mysteries and Smaller Pieces, furono Antigone, Paradise Now e Sette meditazioni sul Sadomasochismo Politico a scatenare arresti, censure e sospensione degli spettacoli. Perché i loro nudi in scena – simbolo di libertà, erotismo, sopruso – erano rivoluzionari rispetto al potere e alla morale dominanti.

Dalle donne amerindie, che vivono l’amore senza paturnie cattoliche, alle posizioni politiche dei monologhi successivi (anni Settanta). In mezzo, la lucida analisi sulla cultura popolare che porterà al Mistero Buffo. Cronaca di un Premio Nobel e consorte alle prese con l’uso distorto che da sempre il potere fa del sesso.

Politica, certo. Ma anche sesso, tanto tanto sesso. Il genere comico con la lingua più lunga del mondo, non si è mai tirato indietro nell’utilizzarla per castigare politici e società civile. Dai classici ginnasiali a Luttazzi, dai toscanacci alle metafore da prima serata della Littizzetto, breve ritratto hot della satira italiana. E dei suoi pruriti.

I primi topless teatrali e baci saffici che ancora fanno scalpore. Spregiudicate regie liriche e i figli dei fiori con il loro peace&love. Campionario semiserio di poppe celebri e scandali di contrabbando. Ché il teatronon si è mai fatto mancare niente. O quasi. In attesa che qualcuno si ricordi che siamo nell’era dell’acquario.

Sono le avanguardie d’inizio Novecento a sdoganare la passione più sensuale sui palcoscenici coreutici. Poi arriverà il nudo, più o meno strumentale. Con Maurice Béjart a divenire paladino dell’eros declinato in gesto e movimento. Ma forse molto (molto) prima, perfino la biblica Maria quando danzava, lo faceva con ben poco mistici ardori…

Nato per cantare l’amore e la fedeltà, il melodramma ben presto si avventura su terreni ben più scabrosi, ora occultando, ora apertamente svelando irresistibili seduzioni e travolgenti amplessi. Dal Seicento di Monteverdi ai giorni nostri di Boesmans e Adès.

C’è Italo Calvino, nel dna di Stefano Mazzotta ed Emanuele ciannamea, ma anche Merce Cunningham e la “pugliesità” di Mappugghje. La loro drammaturgia del corpo procede “per  sottrazione” e mira alla massima chiarezza ed essenzialità.

Zona Franca a chiudere il 2012, Visioni di futuro, visioni di teatro ad aprire il 2013: le due rassegne emiliane hanno messo in evidenza un panorama di teatro ragazzi particolarmente attento alla ricerca e al rinnovamento della tradizione.

Aveva una rara dedizione al proprio lavoro e un piglio da capocomica: mai stanca, si metteva continuamente alla prova, recitando con maestri quali Visconti, Sepe, Sciaccaluga, Strehler, Ronconi, De Capitani e alternando grandi figure tragiche come Fedra, Medea, madre Coraggio ai musical e alle commedie all’italiana.

Il regista toscano ha segnato la storia del teatro italiano dell’ultimo Novecento, anche come pedagogo di intere generazioni di attori. Da autentico psicanalista della scena, ha portato ai livelli più alti e profondi l’analisi registica sui testi. Fra i suoi “pazienti” Pirandello (odioso), Goldoni (ipocrita), Pasolini (detestabile), ma anche i più amati Ibsen, Schnitzler, Marivaux ed Euripide.

Colto, raffinato, curioso, Ettore Capriolo ha saputo trasmettere l’amore per il teatro non solo attraverso la sua preziosa attività di studioso e traduttore, ma anche in veste di pedagogo poco convenzionale e molto anticonformista.

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Scritto per il Ballhaus Naunynstrasse di Berlino, nel 2012, Maledetta primavera è un canto per voce sola di donna, che esprime tutti i timori sull’esito delle lotte per la democrazia combattute nei paesi arabi.
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Al principio del 2012, a Ravenna, si è tenuto un incontro pubblico con Hans-Thies Lehmann, massimo teorico del postdrammatico, Marco Martinelli e Gerardo Guccini, di cui qui proponiamo una sintesi. Secondo lo studioso tedesco, il superamento del dramma, anziché cancellarne le funzioni, le potenzia e rigenera dall’interno, consegnandoci nuove e rinnovate forme drammaturgiche.

Nati entrambi nel 1973, i due teatri furono per Milano gli attori di un profondo cambiamento culturale e sociale, innescato dagli esiti del ’68 e dal relativo immobilismo del teatro di quegli anni. Capace di parlare ai giovani nella loro stessa lingua (l’Elfo) o di riportare in sala la borghesia colta e illuminata (il Pier Lombardo), furono entrambi scintilla di una trasformazione di cui ancora si sentono gli effetti.

Uomo di lettere e d’azione, a cent’anni dalla nascita lo scrittore francese attende ancora un’analisi risolutiva del suo lavoro. E del ruolo avuto nel definire l’individualità dell’uomo all’interno dell’arte e della storia. Vita, opere e messinscene (italiane) del Nobel ’57, fra grandi romanzi e un teatro a tesi di quattro sole drammaturgie, profondamente politico, sempre in bilico fra Copeau e Artaud.

Con la ricostruzione 1:1 di una partita di calcio, ma anche degli eroi dei fumetti preferiti, di un celebre festival canoro anni ’70 e addirittura del decollo di un aereo, l’artista italo-svizzero affronta il tema della creazione condivisa, con il pubblico e con le comunità di riferimento.

Il Valle ha fatto scuola. Fra militanza e retorica, barricate e vetrine, il palcoscenico nel cuore di Roma ha (in)direttamente influenzato un movimento di occupazione dei teatri allargatosi in tutto il paese. Alla base, le istanze di un’intera categoria da sempre fragile e disattenta sui propri diritti. Nella pratica, la difficoltà di farsi reale alternativa a un sistema, pronto a fagocitare anche la sua componente più “extra-parlamentare”. Panoramica d’un fenomeno all’italiana. Fra differenze, potenzialità e obiettivi. Più o meno raggiunti.

C’è teatro nel televisivo? E quanta tv si ritrova invece sui palcoscenici? Rapporto molto (molto) più permeabile di quel che si può pensare, inizia ai tempi delle prime sit-com e si sviluppa fino alla rivoluzione dei reality. Tanto che forse perfino i coatti di Jersey Shore hanno qualcosa da insegnare.

Il Festival d’Automne ha cambiato direttore (il giovanissimo Emmanuel Demarcy-Mota) ma non l’ispirazione: l’apertura internazionale e l’attenzione alla creazione e al confronto.
L’edizione 41 ha portato in scena la nuova drammaturgia, dalla Scandinavia al Sud-America, e un ritratto di Maguy Marin, capofila della danza francese.

Una provocatoria sequenza di diorami con uomini che osservano sfacciati il pubblico, una Medea nera e arrabbiata, una delirante satira sul paternalismo degli aiuti umanitari: ecco il Continente nero visto dalle scene del festival tedesco.

 Guidato dall’urgenza della propria contemporaneità, il teatro lituano è percorso da un’intensa vitalità creativa che trova alcuni esponenti di spicco in Oskaras Koršunovas, Jonas Vaitkus, Artūras Areima, Vidas Bareikis e Gintaras Varnas.

L’esperienza di Koreja a Beirut ci racconta di una città fintamente riconciliata, dove sembra che l’unico valore guida rimasto sia il successo economico. Eppure alcuni avamposti culturali resistono, come i teatri Al Madina, Sun Flower e Monnot, custodi ed eredi della cinquantennale storia di sperimentatori che da Roger Assaf giunge a Rabih Mroué.

Quella di residenza è un’etichetta assai diffusa ma anche molto fraintesa. Cinque regioni italiane – Piemonte, Lombardia, Toscana, Puglia e Calabria – vantano sistemi residenziali organici, fatte salve le numerose differenze: organizzative, politiche, artistiche. Altre regioni ci hanno provato, altre vorrebbero provarci, altre ancora hanno ideato progetti innovativi e di successo. Ma residenze sono anche le molteplici e multiformi iniziative messe in atto da festival estivi desiderosi di esistere creativamente anche per il resto dell’anno, oppure da giovani e coraggiose compagnie che vogliono far vivere in maniera intelligente il territorio in cui sono nate e che non intendono abbandonare. L’Italia delle residenze, dunque, appare un paesaggio policromo, attraversato però dalla comune volontà di provare a scuotere il sistema teatrale esistente.

Le molteplici sfumature di un concetto le cui origini risalgono agli anni Settanta e che nel futuro potrebbe, se adeguatamente declinato, modificare in meglio il sistema teatrale italiano

Stalker Teatro, Tecnologia Filosofica, Santibriganti sono alcune delle residenze più antiche in Italia. La Regione pare intenzionata a cancellarle mentre il pubblico si tassa per garantirne la sopravvivenza: cronaca di un’esaltante avventura teatrale e “politica” destinata comunque a proseguire.

In una terra teatralmente avanzata come la Lombardia, è solo grazie a Fondazione Cariplo che si è potuto realizzare un sistema di residenze, mentre la Regione è sempre stata latitante. Il senso, la storia, le luci e le ombre di un progetto coraggioso che ha consentito la crescita di numerose compagnie giovani o emergenti.

Un sistema consolidato, fin dagli anni ’80, di realtà residenziali si trova oggi di fronte ai cambiamenti introdotti dalla nuova legge regionale, che potrebbero però diventare un’occasione di crescita.

L’amministrazione Vendola ha certamente favorito lo sviluppo di un territorio considerato culturalmente periferico che ha prodotto invece il virtuoso esempio di Teatri Abitati: ma è tutto oro quello che luccica?

In attesa di un’auspicata legge regionale, numerose sono le esperienze nate e cresciute senza un supporto regolare dalle istituzioni e dagli enti locali. Con una felice anomalia, le residenze sostenute da un’illuminata amministrazione comunale.

L’esperienza delle Officine culturali: sei anni di riflessione e di sperimentazione cui l’amministrazione regionale nn ha voluto garantire continuità. E oggi il territorio è di nuovo deserto.

Una terra aspra e artisticamente arretrata? Non proprio: le nuove residenze teatrali sono lì a dimostrarlo, pronte ad affrontare anche le difficoltà economiche.

Da Nord a Sud, dove le leggi regionali non prevedono sistemi residenziali veri e propri, sorgono esperienze ed esperimenti spontanei che cercano una loro via alla stabilità, con esiti molto diversi.

Valorizzare la sperimentazione, trasformare la popolazione in un pubblico fedele, coinvolgere le fasce deboli della società: ecco alcune delle funzioni delle residenze d’Oltralpe.

In Gran Bretagna nei teatri pubblici e d’innovazione è diffusa la figura del writer-in-residence, una prassi che fa crescere non soltanto attori e pubblico, ma anche i drammaturghi stessi.

 Innovatrice delle forme del teatro di narrazione, ha trovato nell’esempio della staffetta partigiana Ondina Peteani, protagonista di È bello vivere liberi! (Premio Scenario per Ustica 2009), le ragioni di una ricerca che prosegue nel nuovo La semplicità ingannata.

Le tre rassegne rivelano un’inesausta energia creativa, pronta a misurarsi con temi e linguaggi nuovi. In scena spettacoli dedicati a eroi mitici e popolari (Colapesce e Gilgamesh), a bambini da patologie (John Tammet, vincitore di Scenario Infanzia), a esseri che cercano se stessi.

Fra le ombre balinesi di I Watan Wija e i rifiuti riciclati da Rebekah Wild a Incanti 2012 è protagonista il racconto. Anche di Pip e Progetto Cantiere, due spazi produttivi quest’anno interamente dedicati alle fiabe di Jacob e Wilhelm Grimm.

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L’americano Cedar Lake Contemporary Ballet e l’israeliana Batsheva Dance Company conquistano il pubblico con l’audacia dei temi affrontati e con la qualità dei loro danzatori: tra tutti, a scioccare, è Orbo novo di Cherkaoui dove la danza si avventura nel territorio impervio del corpo post-traumatizzato.

Se Akram Khan, Ohad Nahrin, Virgilio Sieni, Constanza Macras rappresentano l’eccellenza coreutica contemporanea, il festival romano non dimentica però le nuove forme, i giovani talenti protagonisti della sezione Dna e si conferma testimone di una scena in continuo movimento.

Oggi 36enne, il drammaturgo-attore-regista, ligure di nascita ma piemontese d’adozione, ripercorre le tappe della sua carriera: la formazione, i maestri, l’esperienza all’estero, i temi, i sogni e una visione, non certo accomodante, della drammaturgia italiana contemporanea.

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hanno collaborato: Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Francesca Carosso, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Roberta Ferraresi, Anna Forlati, Renato Gabrielli, Mimma Gallina, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Filippa Ilardo, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giorgia Marino, Antonella Melilli Rossi, Giulia Miniati, Giuseppe Montemagno, Alessio Negro, Roberta Nicolai, Emilio Nigro, Pier Giorgio Nosari, Renato Palazzi, Fausto Paravidino, Gianni Poli, Simona Polvani, Domenico Rigotti, Roberto Rinaldi, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Laura Santini, Francesco Tei, Franco Ungaro, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Gherardo Vitali Rosati, Chiara Viviani, Giusi Zippo.

Pioniere selvaggio di un teatro di cui è protagonista con i suoi magici cavalli, l’artista francese racconta il suo nuovo spettacolo, nato dall’incontro con il danzatore Morobushi e con I Canti di Maldoror di Lautréamont.

Isabella Ragonese, trent’anni, formazione teatrale e successo cinematografico è approdata di recente anche in tv. Ma il primo amore non si scorda mai…

Partendo da un lungo lavoro di interviste sul campo, Gigi Gherzi e Pietro Floridia compongono di emozioni, di storie. Per parlare di disagio ogni sera con il pubblico una mappa della città, di luoghi, e di normalità in metropoli sempre più competitive.

I protagonisti della giovane scena/37– Alla finale della 13a edizione del più importante premio dedicato alla giovane scena italiana spicca il tema della precarietà generazionale, ma anche le contaminazioni fra diversi linguaggi e l’impegno politico e civile. Vincono Infactory di Matteo Latino e Due passi sono di Carullo-Minasi. Ma è lo spirito – costruttivo, solidale ed entusiasta – che fa di questo progetto uno strumento di scandaglio unico nel panorama nazionale.

Malesseri esistenziali e incontri-scontri tra generazioni, popoli e sensibilità dominano il cartellone del più importante festival d’Oltralpe. Mouawad, Cassiers, Fisbach, Mitchell/Warner, Castellucci, De Keersmaker, Ouramdane, Le Roy e Stuart le star del teatro e della danza ospiti alla 65° edizione.

L’International Festival volge lo sguardo a Oriente ma pensando a Shakespeare. Al Fringe spopolano gli spettacoli low cost, i bilanci intimisti dieci anni dopo l’11 settembre e la nuova drammaturgia gallese.

Colonia, Mülheim, Düsseldorf e Bochum sono state sede della rassegna che, come i Theatertreffen berlinesi fanno per il teatro istituzionale, ha premiato le migliori produzioni off. Alta la qualità degli spettacoli in concorso, tra i quali hanno trionfato Conte d’Amour dei gruppi Institutet e Nya Rampen, Testament di She She Pop, The Host di Andros Zins-Browne e Cry me a river di Anna Mendelssohn.

Grazie a Nadj, Chéreau, Pollesch, Pommerat si respira l’aria del Vecchio Continente nel principale festival teatrale portoghese, quest’anno alla 28a edizione. Ma è lo sguardo verso l’America Latina, la curiosità per quel teatro vivo e davvero giovane, che lo rende speciale.

Alla sesta edizione dello Stage Festival, svoltosi nella capitale finlandese, spiccavano le presenze di Baryshnikov diretto da Krymov, del regista fiammingo Valentijn Dhaenens e del tunisino Fadhel Jaïbi che, con Amnésia, ha stregato il pubblico.

O’Neill, Williams, Miller, Albee e gli altri. Cosa ha significato l’arrivo dei loro testi nell’Italia del secondo dopoguerra? E cosa ne resta? Partendo dal centenario della nascita di Tennessee Williams, ripercorriamo luci e ombre, fortuna e sfortuna scenica di quella drammaturgia dai temi “forti”, spesso considerati scandalosi, che conquistò registi e attori del calibro di Luchino Visconti, Paolo Stoppa, Rina Morelli e Anna Magnani. Fino ad allargare lo sguardo a Mamet, Shepard, Kushner e agli autori degli ultimi vent’anni.

Da quando il made in Usa era garanzia di successo (e non solo a teatro) al lento declino della drammaturgia statunitense nella Penisola. Analisi di un fenomeno che non ha retto ai cambi generazionali nel sistema Italia, con l’arrivo degli Stabili, la prudenza produttiva, la necessità dei grandi nomi e il conflittuale rapporto con i classici. Sperando che, come già con Tony Kushner, qualche coraggiosa compagnia si accorga prima o poi della splendida contemporaneità di questi autori.

Dal secondo dopoguerra in poi nel nostro Paese si fa sempre più forte la curiosità verso il teatro americano. Dagli ormai classici O’Neill, Williams, Miller e Albee fino a Neil Simon, Mamet e Shepard: viaggio nelle più note messinscene realizzate in Italia.

Amori, odi e follie del teatro americano nell’Italia alle soglie del boom. Tra frigoriferi, fasciocomunisti e gite all’estero. Non oltre Lugano, of course.

Flavia Tolnay, recentemente scomparsa, gestiva un’agenzia teatrale che aveva iniziato la sua attività proprio con la drammaturgia americana, nel 1946. Tutelando i diritti per l’Italia di grandissimi autori, la Tolnay aveva visto passare per il suo ufficio gran parte dei nostri registi e attori. Ancora adesso la sua agenzia mantiene con Broadway un rapporto privilegiato.

Alla costante ricerca del conflitto, certo del fatto che solo sotto la tensione si nasconda la “verità” di un personaggio, Visconti scopre gli americani già durante il Fascismo per poi frequentarli a lungo. Sia al cinema che a teatro. Concentrando negli anni la sua ispirazione fra le decadenti tristezze di Williams e le esistenze tormentate di Miller. A margine di un sogno americano sempre (in)compiuto.

Williams tra censura e oblioTra Vecchio e Nuovo Continente, il destino di Tennessee Williams sembra mostrare due facce. Se in patria la sua opera è stata criticata, censurata e gradualmente accantonata, in Europa (Italia in testa) numerose e significative sono state le messinscene dei suoi testi prima e dopo la morte.

Da Pechino a Roma i suoi testi, universali e contemporanei, hanno saputo viaggiare nel tempo e nello spazio grazie alla capacità di contestualizzare i personaggi entro precise coordinate sociali, familiari e politiche, lasciando però emergere la realtà fantasmatica dei loro sogni, incubi, amori e desideri.

Figlio del secondo Novecento ma invecchiato in fretta (e male), l’autore americano ha trovato fortune alterne in Italia: amatissimo da dive un po’ agée ma snobbato dalle giovani compagnie, sfiorato dalla ricerca ma considerato sempre e comunque un grande classico. Con un’anomalia: la pluriennale esperienza di Ferdinando Bruni ed Elio De Capitani, arrivati a Williams attraverso Fassbinder e dal quel momento mai più abbandonato.

Un tram che si chiama desiderio di Williams aveva già stimolato sin dalla sua nascita l’interesse dei coreografi: geniale l’edizione firmata da John Neumeier, mentre più sbiadita quella di Valerie Bettis. Non altrettanta attenzione suscitarono invece i lavori degli altri grandi drammaturghi americani.

Personaggi, ambienti, suoni, problemi: sono questi gli elementi principali che il palcoscenico lirico riprende dalla drammaturgia americana di Miller, Williams, Wilder. Ma su questo canone si sviluppa anche una scrittura originale che, da Gertrude Stein a Gian Carlo Menotti, mette in scena la Glorious Nation.

Sembra esserci una frattura tra la generazione di Miller e Williams e quella che da Mamet e Shepard arriva a Kushner e Shawn. Forse perché la nuova drammaturgia americana sembra prediligere i modelli inglesi, da Beckett a Pinter.

Da Kazan a Lumet, molti sono stati i registi cinematografici affascinati dalle nuove storie americane di Tennessee Williams, dominate da passioni, follia e torbidi legami familiari. Fino ad arrivare a Mamet e Shepard che, nati come drammaturghi, si sono saputi reinventare come sceneggiatori e registi di cinema.

Tradizione e innovazione, invenzioni e (ab)uso di tecnologia al centro della 50esima edizione del prestigioso festival di teatro di figura. Tra gli ospiti, l’Illustre Famille Burattini, i pupazzi di Duda Paiva e i pupi di Mimmo Cuticchio, i giochi d’ombre di Rouge 28, Philippe Genty e Miet Warlop, Figuren Theater Tübingen/Bagages de Sable e la compagnia belga Non Nova.

Il bullismo per gli adolescenti, i desideri e il coraggio delle scelte per i più piccoli, i 150 anni dell’Unità d’Italia, la diversità, i rapporti tra adulti e bambini, i grandi classici: è ampio ed eterogeneo il ventaglio di temi emersi dalle numerose rassegne, ma pochi sono stati gli spettacoli di rilievo.

Da sempre impegnato a valorizzare prestigiose fonti letterarie, il melodramma fa oggi i conti anche con precedenti cinematografici e teatrali illustri, che ne arricchiscono le prospettive interartistiche. Viaggio nella drammaturgia musicale contemporanea, dalla Venezia di Visconti al Postino di Catán, passando per Gertrude Stein e Heiner Müller.

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Fin dalla sua nascita, nel 1950, l’ente altoatesino ha mirato a promuovere i migliori drammaturghi contemporanei italiani e stranieri. Da Thomas Bernhard a Paravidino, fino a Il ritorno di Carlotta Clerici, in tournée da novembre con la regia di Marco Bernardi.
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Con la collaborazione di Laura
Bevione, Fabrizio Sebastian
Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio
Finamore, Simone Nebbia,
Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Giovanni Ballerini, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Masolino d’Amico, Renzo Francabandera, Gigi Gherzi, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Stanley E. Gontarski, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, SergioLo Gatto, Stefania Maraucci, Federica Mazzocchi, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Mautizio Porro, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Urbano, Cristina Valenti, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Betty Zanotelli, Giusi Zippo.

La fuga dal Libano, gli studi teatrali, la fondazione di due compagnie, una in Francia e l’altra in Canada. Nuova star della scena internazionale, Mouawad è drammaturgo e romanziere, attore e regista, capocomico e sceneggiatore di film tratti dalle sue pièce.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

l’Unità d’Italia, occasione o pretesto? Spettacoli, convegni, festival, ma anche lirica, teatro ragazzi e laboratori per attori. Tra rassegne ufficiali (Firenze e Torino) e non, ecco una carrellata delle principali iniziative sparse nella penisola per celebrare i centocinquant’anni dell’Unità d’Italia.

50 compagnie, 72 anni, 75 titoli. Il drammaturgo americano ci parla di Italia, Europa, Medio Oriente. Un orizzonte worldwide. Come le dimensioni del suo teatro.

Il debutto di Paravidino alla Comédie Française, con La malattia della famiglia M., propone grovigli sentimentali e dinamiche familiari in evoluzione: come dimostrano anche Alain Françon, che mette in scena Feydeau per raccontare la crisi dell’istituto del matrimonio, e Christoph Marthaler, che riprende Kát’a Kabanová, raggelante affresco del dissidio tra condizione femminile e convenzioni sociali.

Una stagione di gran classe quest’inverno nella capitale russa: in scena, tutti degni della massima attenzione, spettacoli di Fokin, Fomenko, Nekrosius, Krymov, Karbauskis e tanti altri.

Dmitri Krymov e il suo Laboratorio “creativo”: ritratto di un regista “anomalo” in occasione di una retrospettiva di cinque suoi spettacoli andati in scena a Tallinn l’inverno scorso.

La scena e la drammaturgia messicana mostrano oggi una grande effervescenza, spesso senza dimenticare le proprie radici precolombiane. I giovani affollano le sale che programmano testi contemporanei e i nuovi autori si fanno conoscere attraverso rassegne specializzate, tavole rotonde e traduzioni.

La generazione dei trentenni, cresciuta con internet e facebook fra periodi di libertà (pochi) e di oscurantismo, è vivacissima e orientata a un teatro politico che sfida la censura.

Questa volta parliamo di noi. Vogliamo cercare di capire se siamo una specie in via di estinzione o di trasformazione, mentre assistiamo impotenti alla diminuzione di spazi editoriali, lettori e prestigio. Con anziani maestri che non si sono rivelati tali, una generazione di mezzo scavalcata dalla storia, le nuove leve perse nei meandri del web. Il dossier vuole scattare una fotografia sullo stato dell’arte fra excursus storici, inchieste, riflessioni critiche e autocritiche. A questo proposito proponiamo un decalogo dei diritti e dei doveri del critico. Perché sentiamo forte l’urgenza di ritrovare una deontologia professionale e una libertà di giudizio che oggi appare perduta e compromessa.

Da Jannacci a Debord, passando per i routiniers senza più passione (né salvezza): ritratto di un mestiere anacronistico a cui forse piace esserlo, frustrato da faccine e pallini, ma dimentico troppo spesso della propria missione. Ovvero, scrivere di teatro, non farlo. Che forse la soluzione è la più semplice: tornare a essere se stessi.

Scuole di pensiero, militanze, date spartiacque, dibattiti culturali: il Novecento in Italia è segnato dal confronto critico in ambito teatrale (ma non solo). Con una professione che si fa grande e diviene simbolo di fermento intellettuale all’interno di una società civile desiderosa di analizzare il processo creativo e provarsi nella dialettica. Fra le intrusioni della politica e il ricordo dei protagonisti, un excursus storico in cerca di maestri ed eredità.

Assediata dalla concorrenza di Internet, poco assistita dai lettori, sempre più la critica teatrale viene emarginata dai quotidiani nazionali. Un fenomeno che interessa solo tangenzialmente le realtà locali, ma che va a incidere sul profilo e le competenze delle nuove generazioni di professionisti. Uno sguardo dal “di dentro”, attraverso l’opinione di chi ogni giorno in redazione ha a che fare (suo malgrado) con la grassa cucina della carta stampata.

Una rassegna delle possibilità formative specialistiche, per chi volesse intraprendere la carriera di critico, rivela un’assenza pressoché totale di strutture di alta specializzazione nel nostro Paese.

Da quando ancora si dettavano le recensioni ai dimafonisti al termine degli spettacoli alla critica negli Anni Zero, dominata dai modelli socio-economici del web e da una nuova comunicazione che non ama gli intermediari, al limite qualche consigliere dai gusti affini ai nostri. Riflessione su un mestiere ormai estinto, gravido di ricordi e povero di prospettive.

Non è solo l’ambito teatrale a rischiare l’estinzione. La critica vive uno stato d’abbandono in tutti i settori artistici, a conferma della disabitudine sociale alla riflessione e al confronto dialettico, alimentata (per assurdo) dai primi organi d’informazione: i giornali. Una chiacchierata informale con alcune firme illustri del panorama critico italiano legato al mondo dello spettacolo. Un coro di lamenti e di grigie prospettive, con un’eccezione…

Un coro generale di lamenti, spesso sacrosanti, su un’oggettiva decadenza dell’habitat naturale in cui la critica dovrebbe svolgere la sua professione, tra spazi ridotti a francobolli, disinteresse delle redazioni, compensi ridicoli e competenze bistrattate. Per altri aspetti verrebbe da dire «chi è causa del suo mal pianga se stesso…», perché la categoria non è comunque esente da responsabilità: settarismo, deontologia professionale latitante, perdita di credibilità, scarso spirito autocritico e non volontà di garantire un ricambio generazionale. Il web, amato e odiato, potrebbe essere un’àncora di salvezza, ma bisogna imparare a usarlo con criterio. Questo emerge da tre domande chiave rivolte a un “campione transgenerazionale” di critici.

Ma troppo vecchi per condividere certi nuovi entusiasmi. La generazione dei Novanta si è fatta grande, si è lasciata alle spalle le risatine di benvenuto, ma occupa ben poche poltrone: gli arzilli settantenni hanno spaccato tutto (o quasi), le nuove generazioni giocano con i cocci. Quale futuro?

Nata e cresciuta con Internet al proprio fianco, la giovane generazione della critica teatrale combatte una silenziosa lotta per riformare la professione (quasi) più antica del mondo. Pochi i maestri, tante le scuole di pensiero: a unirli l’amore incondizionato per le arti performative. Mentre si tenta di mettersi in luce, fra scetticismi e luoghi comuni.

Indagando sullo stato della professione, abbiamo interrogato artisti e operatori su qualità e difetti di noi stessi, in un cortocircuito emotivo che abbiamo preteso il più franco e spregiudicato possibile. Ne è uscito un quadretto di sana disperazione, fra chi ci dà per morti e chi infierisce sul cadavere, chi ci vede in via d’estinzione (come i panda) e qualche raro ottimista. Ovviamente per tutti (o quasi) rimaniamo necessari. Almeno finché c’è vita. Un ringraziamento a tutti coloro che hanno risposto, in rigoroso ordine alfabetico. Ma un ringraziamento anche a chi abbiamo rincorso senza risultato: tutta esperienza.

Viaggio nelle capitali del teatro, per osservare come la stampa si occupa di critica e cultura teatrale. Ne viene fuori un ritratto dalle molte anime, dove alla bulimia produttiva di Parigi si affianca il blasone delle firme inglesi; alla solidità tedesca i localismi spagnoli o la complessità della realtà russa. Con però una sensazione complessiva: a fianco della crisi, è il rispetto per la professione (e il lettore) a muovere ancora le scelte editoriali. Almeno Oltralpe.

Videoproiezioni, spettacoli interattivi e personaggi digitali sono al centro delle produzioni di quelle compagnie (la pratese Tpo su tutte) che hanno fatto della tecnologia la parola d’ordine per rinnovare il teatro destinato ai più piccoli.

I protagonisti della giovane scena/36 – I difficili esordi, il successo improvviso e quasi inaspettato, i nuovi progetti. Dalla bocciatura alla “Paolo Grassi” e al Premio Scenario al debutto al Théâtre de la Ville di Parigi, l’irresistibile ascesa di uno dei gruppi più interessanti del panorama italiano contemporaneo.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Stefano Bartezzaghi, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Enrico Castellani, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Fabrizio Fiaschini, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Katia Ippaso, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Anna Pérez Pagès, Oliviero Ponte di Pino, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

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Passaggio di testimone alla guida di uno dei progetti più coraggiosi e innovativi nel panorama teatrale italiano di questi anni, un’occasione per compiere un primo bilancio e rilanciare verso il futuro, in bilico tra radicamento nel territorio e respiro nazionale.

Recensione de “Il signor di Pourceaugnac” da Molière. Produzione Punta Corsara, Napoli. Napoli Teatro Festival.

In dieci anni ha già collezionato un’infinità di premi e lavorato con alcuni dei maestri della scena internazionale come Eimuntas Nekrosius, Luca Ronconi e Peter Stein. Poi c’è il cinema, il sogno di un Amleto e la volontà di non fermarsi mai. Con Russo Alesi inauguriamo una serie di ritratti degli attori più talentuosi delle ultime generazioni.

Icona dell’“artista maledetto”, Genet è presente sulla scena italiana a partire dai primi anni Settanta: da Trionfo a Latella, un viaggio tra le alterne fortune di una delle figure-chiave della drammaturgia del secondo Novecento a cento anni dalla sua nascita.

Debutto estivo al MittelFest di Cividale, e repliche autunnali, per il copione psicotico di Will Eno. Un piacere morboso, attraverso il quale raccontare autismi, traumi, rapporti andati a male.

Da Stalin a Putin, per rimanere nell’ultimo secolo, Mosca non ha mai smesso di investire sul teatro. L’offerta è eterogenea e strabiliante, essenzialmente fondata sul repertorio. A parte i luoghi mitici, come il Bolshoj e il Teatro d’Arte, è irrinunciabile la visita al Laboratorio di Fomenko. Ma, volendo, ci sono anche altre sale storiche, magari un po’ polverose, e una rete di piccolissimi e coraggiosi teatri, mega sale da musical e teatri per bambini. Insomma, un paradiso assoluto per gli appassionati.

Pur nell’eccessiva quantità di titoli proposti, sia al Fringe che al festival ufficiale, è possibile individuare dei percorsi tematici, come le riscritture di Shakespeare e il disagio giovanile.

Nonostante il cambio di direttore, alcuni ospiti internazionali di rilievo e il trasferimento in prestigiosi teatri nel cuore della città, il festival londinese continua a deludere.

Da Papperlapapp di Marthaler al Riccardo II di Sastre, passando per gli spettacoli di Kriegenburg, Orsoni, Quesne, Richter-van Dijk, Huysman, Lagarde e Feutrier, una discesa agli inferi del rapporto tra individuo e potere, desiderio di fuga e prigionia, smarrimenti esistenziali e incapacità di incidere sul presente.

Nonostante le forme di epurazione a cui il governo cinese sottopone anche le tradizioni culturali, il Festival dello Shotön rimane per il popolo tibetano il momento più importante in cui celebrare la fusione tra ritualità religiosa e arte scenica.

Il nuovo direttore Kee Hong Low ha intenzione di trasformare la più importante vetrina teatrale del sud-est asiatico, fino a oggi concentrata sulle importazioni di lusso, in un laboratorio di interpretazioni contemporanee delle forme tradizionali del teatro orientale.

Falsificazioni argentine, nuda danza canadese e tre anziane regine della scena lusitana: nata ventisette anni fa sull’Atlantico, fedele ancora al suo progetto sperimental-popolare, la manifestazione non vuole saperne di trasformarsi in un festival-mercato.

Che cosa è oggi la regia? È viva, è morta o in che cosa si sta trasformando? Il panorama dei registi italiani del terzo millennio è estremamente eterogeneo per formazione, estetiche, poetiche e riferimenti culturali. Alla ricerca di filiere, somiglianze e differenze, ci siamo soffermati sulle ultime due generazioni senza pretese di catalogazione storiografica, ma con il desiderio di scattare qualche istantanea di un universo in costante mutazione. A futura memoria.

Un viaggio negli ultimi decenni del Novecento alla scoperta delle radici registiche del nuovo millennio tra persistenze del passato e nuovi linguaggi, pratiche di gruppo e individuali, drammaturgie verbali e performance.

I “giovani quarantenni” del teatro italiano hanno dimostrato in questi anni di rispondere in maniera diversa agli interrogativi posti dalla regia nel terzo millennio. Dove estetiche performative e sensibilità collettiviste (o libertarie?) faticano a essere comuni denominatori di pratiche lavorative spesso ancora molto distanti. E in costante mutazione.

Iconoclasti come tutti i giovani, insofferenti a ruoli e gerarchie, i nuovi talenti della scena italiana appaiono come una costellazione senza etichette. A unirli solo il desiderio di superare le grammatiche tradizionali, quasi sempre in favore della creazione collettiva. Alcune considerazioni ai margini dei palcoscenici estivi. Con un’unica certezza: la morte (prematura?) del teatro di regia.

Una galassia multiforme, individuale o di gruppo, diversa per poetiche, estetiche, metodi di lavoro e punti di riferimento: abbiamo cercato di metterla a fuoco, nella sua stimolante eterogeneità, sottoponendo alcuni registi e gruppi delle ultime due generazioni tre domande cruciali. Interviste a cura di Laura Bevione, Albarosa Camaldo, Claudia Cannella e Diego Vincenti

Piene di idee: così si propongono le ultime generazioni di registi lirici, finalmente consapevoli della necessità di interpretare la drammaturgia musicale delle opere e perciò capaci di intervenire sui testi, quando ragioni teatrali lo impongano: con esiti talora sorprendenti, in un repertorio che spazia dai primi esperimenti tardo-rinascimentali alle creazioni contemporanee.

Dalle Colline Torinesi a Taormina, da Teatro a Corte a Castel dei Mondi, dal Mittelfest al Napoli Teatro Festival, passando per Verona, Bassano, D ro, Volterra, Monticchiello, Spoleto e tanti altri.
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Finalista Extracandoni, 2007 Segnalato al Premio Tuttoteatro.com – Dante Cappelletti 2007 Premio Legambiente 2008
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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebast ian Caleffi, Claudia Cannella, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Sandro Avanzo, Giovanni Ballerini, Elena Basteri, Fabio Battistini, Laura Bevione, Ottavia Bruno, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Tino Caspanello, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Joey Guidone, Katia Ippaso, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Andrea Nanni, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Renato Palazzi, Gianni Poli, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Giordano Sangiovanni, Simone Soriani, Massimiliano Speziani, Francesco Tei, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo

dossier: Teatro e nuovi media / Ritratti: Oskaras Korsunovas e Wajdi Mouawad / Teatromondo : Berlino, Parigi, Londra e Dublino / Critiche: le recensioni della prima parte della stagione e molto altro…

A centocinquant’anni dalla nascita, Mosca lo ha celebrato con un mese di spettacoli. Ma la sua opera oggi ancora ci riguarda? Più che mai, sostiene Anatolij Smeljanskij, direttore del Teatro d’Arte (Mxat), che ne ripercorre la storia all’interno della celebre istituzione.

Scrittore, sceneggiatore, drammaturgo, critico teatrale: a cent’anni dalla nascita, tutti ne citano i folgoranti aforismi, ma sembrano caduti nel dimenticatoio il suo eroico disincanto e la sua leggendaria capacità di analisi, non solo della scena, ma anche della vita culturale italiana.

Un autore che, soprattutto a Roma, macina successi da molte stagioni. La ricetta? «Faccio un onesto teatro popolare, raccontando storie su temi che mi stanno a cuore, come la diversità, la compassione o l’avidità, spesso con la mediazione della comicità e dell’ironia».

È il teatro, più delle altre arti, a rappresentare attualmente la cultura lituana all’estero. Rimasto luogo di confronto e aggregazione anche durante il periodo sovietico, può vantare oggi una proposta artistica variegata, che spazia dalla prosa alla danza, dall’opera al teatro di burattini, senza dimenticare la presenza di artisti ormai di calibro internazionale come Nekrosˇius, Tuminas e Korsˇunovas.

Tre generazioni di grandi attrici sui palcoscenici parigini: Leslie Caron, Isabelle Huppert, Greta Scacchi e Audrey Tautou trionfano al fianco di celebri attori, da Lambert Wilson ad Andrzej Chyra. Per portare sulle scene le inquietudini di eroine di ieri e di oggi, da Ibsen a Sondheim.

Recensione de Dett o Molière, testo e regia di Marco Martinelli. Prod. le manège.mons/Centre Dramatique, MONS (Belgio) – Teatro delle Albe/Ravenna Teatro, RAVENNA – La Rose de Vents Scène Nationale Lille Métropole, VILLENEUVE D’ASCQ (Francia) – Maison de la Culture de TOURNAI (Belgio).

Recensione de LES NAUFRAGÉS DU FOL ESPOIR (AURORES), una creazione collettiva di Hélène Cixous e del Théâtre du Soleil,liberamente ispirata da Les Naufragés du “Jonathan”di Jules Verne. Regia di Ariane Mnouchkine, realizzatada Everest Canto de Montserrat. Prod. Théâtre du Soleil, PARIGI.

Nato nel 1963 nella Germania dell’Est, ottiene il primo successo a Berlino nel 1992 con un Woyzeck. Lavora successivamente a Hannover, Vienna, Amburgo e Monaco per poi ritornare a Berlino al seguito di Ulrich Khuon, nuovo direttore del Deutsches Theater. Qui, in qualità di regista residente, ha presentato nel corso della stagione diversi spettacoli tra cui Cuore di tenebra, Il Principe di Homburg e Il misantropo.

Tra le numerose iniziative culturali in coincidenza con i cinquant’anni dell’indipendenza delle colonie africane dalla Gran Bretagna, a Londra vanno in scena i testi dei giovani autori Bola Agbaje e Inua Ellams e l’ultimo lavoro di Peter Brook.

Recensione de THREE SISTERS, di Anton Cechov. Regia di Sean Holmes & Filter. Prod. Lyric Hammersmith & Filter, LONDRA.

Recensioni de GHOSTS, di Henrik Ibsen. Traduzione di Frank McGuinnes. Prod. Duchess Theatre, Londra, e di HEDDA, di Henrik Ibsen. Traduzione e regia di Terje Tveit. Prod. Ibsen Stage Company, LONDRA.

Dopo l’avvento rivoluzionario del teatro di regia, esiste ancora, oggi, un teatro del Grande Attore? E, prima di allora, quale realtà artistica celavano le etichette – stereotipate – di “mattatori” e “divine”? Ricostruendo il passato, ma anche parlando con e dei protagonisti del presente, abbiamo cercato di individuare traiettorie, prospettive e metamorfosi della tradizione attorale italiana.

Un glossario minimo dell’attore italiano da fine Ottocento ai giorni nostri tratto dai fondamentali scritti di Claudio Meldolesi.

Se, negli anni ’10, il teatro offriva ancora una patente di legittimità alle protagoniste della neonata cinematografia italiana, il passare degli anni rafforzò autonomia e indipendenza delle dive del cinema.

Contraddittoria, combattente, provocatoria, agile e potente: Eleonora Duse sfugge a ogni definizione e occupa un posto solitario ed esclusivo nella storia del teatro del Novecento.

 

Grandi attrici e femministe hanno spesso condiviso idee e battaglie, fondendo così arte e politica. Dalla antesignane Pezzana, Ristori e Duse ai movimenti post-sessantotteschi.

Mario Maramotti, memoria storica della scena italiana e per anni “patron” del milanese Teatro San Babila, ripercorre la sua vita dietro le quinte tra aneddoti e ricordi, ironia e signorilità. Un singolare itinerario, in ordine alfabetico, tra prime donne e mostri sacri, da Albertazzi a Zacconi passando per Memo Benassi, Glauco Mauri, Valeria Moriconi e tanti altri.

 

Una passerella tra i grandi interpreti di un genere teatrale in continua trasformazione che, adattandosi alle mode, è ancora apprezzato. Un secolo di risate, dai nonsense di Petrolini fino a Fiorello, stella del varietà dei nostri giorni.

Tre casi a sé capaci di smuovere le folle e riempire teatri e palasport: Dario Fo con l’impegno politico, Vittorio Gassman per la fascinosa personalità scenica, Carmelo Bene per la unicità nel trasformare i classici.

Ardite sperimentatrici e ballerine alla ricerca della naturalità, originali distruttori dell’accademia e moderne pop star, rifugiati politici e sublimi divinità, i danzatori protagonisti del Novecento combinano esistenze tormentate e punteggiate da mille scandali con un’ineguagliabile genialità, capace di sovvertire i canoni e di rivoluzionare per sempre il modo di pensare e di praticare la danza.

 

Fiori e gioielli, poemi e capricci, stadi e… Tutto è concesso ai divi del belcanto, dalla Malibran alla Callas, da Duprez a Pavarotti. A costo di interpretazioni audaci e innovative o, peggio, lontane dalle prescrizioni musicali degli autori.

Avanspettacolo e varietà, ma anche denuncia politica e raffinato teatro di parola: il one man (woman) show rifugge generalizzazioni e definizioni troppe rigide per riaffermare il potere evocativo dell’arte dell’attore.

Quali sono le caratteristiche del mattatore e della divina del nuovo millennio? Se definirle con esattezza risulta impossibile, meglio tentare un catalogo, variegato e necessariamente asistematico, dei protagonisti più o meno giovani della scena italiana.

Abbiamo svolto un’inchiesta sottoponendo le stesse tre domande ad alcuni grandi attori e attrici per capire cosa significhi oggi appartenere a tale categoria e quali siano i rapporti con il regista e con il pubblico. Tra chi si schermisce e chi si celebra, diamo voce ai diretti interessati mentre calcano sempre con successo le scene nostrane.

Bando di concorso

I protagonisti della giovane scena/35 – Capofila di una nuova generazione, il collettivo fiorentino racconta il presente demistificandone la violenza e il cinismo con un linguaggio che coniuga rigore formale e gusto dello sberleffo, riuscendo a coinvolgere pubblici diversi per età e formazione, tanto che un Teatro Stabile produce il loro ultimo spettacolo ispirato a Darwin.

Pro & Contro: Dettagli e 20 novembre di Lars Norén/Dodin & Shakespeare/Cleopatràs, regina di Brianza/La scuola delle mogli secondo Malosti/Turturro incontra Calvino/Laura Curino e Il signore del cane nero/Vetrano e Randisi Giganti pirandelliani/Hermanis e Le signorine di Wilco/Latella sulle Nuvole, con Don Chis iotte e il dottor Sacks/Doppio Clementi a Roma/Gifuni è l’Ingegner Gadda/Isa Danieli, vibrante Ecuba/Belle Bandiere e Teatro Biondo: due Mirandoline alla prova
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Testo finalista al Premio Riccione 2009
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La scrittura del drammaturgo (e attore) pugliese, fondatore con Michele Sinisi di teatro minimo, mette sotto la lente d’ingrandimento, con ironia nera, una realtà spesso popolata di piccoli mostri inconsapevoli delle conseguenze delle proprie azioni.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Claudia Cannella, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Simone Nebbia.