Al principio del 2012, a Ravenna, si è tenuto un incontro pubblico con Hans-Thies Lehmann, massimo teorico del postdrammatico, Marco Martinelli e Gerardo Guccini, di cui qui proponiamo una sintesi. Secondo lo studioso tedesco, il superamento del dramma, anziché cancellarne le funzioni, le potenzia e rigenera dall’interno, consegnandoci nuove e rinnovate forme drammaturgiche.

Nati entrambi nel 1973, i due teatri furono per Milano gli attori di un profondo cambiamento culturale e sociale, innescato dagli esiti del ’68 e dal relativo immobilismo del teatro di quegli anni. Capace di parlare ai giovani nella loro stessa lingua (l’Elfo) o di riportare in sala la borghesia colta e illuminata (il Pier Lombardo), furono entrambi scintilla di una trasformazione di cui ancora si sentono gli effetti.

Uomo di lettere e d’azione, a cent’anni dalla nascita lo scrittore francese attende ancora un’analisi risolutiva del suo lavoro. E del ruolo avuto nel definire l’individualità dell’uomo all’interno dell’arte e della storia. Vita, opere e messinscene (italiane) del Nobel ’57, fra grandi romanzi e un teatro a tesi di quattro sole drammaturgie, profondamente politico, sempre in bilico fra Copeau e Artaud.

Con la ricostruzione 1:1 di una partita di calcio, ma anche degli eroi dei fumetti preferiti, di un celebre festival canoro anni ’70 e addirittura del decollo di un aereo, l’artista italo-svizzero affronta il tema della creazione condivisa, con il pubblico e con le comunità di riferimento.

Il Valle ha fatto scuola. Fra militanza e retorica, barricate e vetrine, il palcoscenico nel cuore di Roma ha (in)direttamente influenzato un movimento di occupazione dei teatri allargatosi in tutto il paese. Alla base, le istanze di un’intera categoria da sempre fragile e disattenta sui propri diritti. Nella pratica, la difficoltà di farsi reale alternativa a un sistema, pronto a fagocitare anche la sua componente più “extra-parlamentare”. Panoramica d’un fenomeno all’italiana. Fra differenze, potenzialità e obiettivi. Più o meno raggiunti.

C’è teatro nel televisivo? E quanta tv si ritrova invece sui palcoscenici? Rapporto molto (molto) più permeabile di quel che si può pensare, inizia ai tempi delle prime sit-com e si sviluppa fino alla rivoluzione dei reality. Tanto che forse perfino i coatti di Jersey Shore hanno qualcosa da insegnare.

Il Festival d’Automne ha cambiato direttore (il giovanissimo Emmanuel Demarcy-Mota) ma non l’ispirazione: l’apertura internazionale e l’attenzione alla creazione e al confronto.
L’edizione 41 ha portato in scena la nuova drammaturgia, dalla Scandinavia al Sud-America, e un ritratto di Maguy Marin, capofila della danza francese.

Una provocatoria sequenza di diorami con uomini che osservano sfacciati il pubblico, una Medea nera e arrabbiata, una delirante satira sul paternalismo degli aiuti umanitari: ecco il Continente nero visto dalle scene del festival tedesco.

 Guidato dall’urgenza della propria contemporaneità, il teatro lituano è percorso da un’intensa vitalità creativa che trova alcuni esponenti di spicco in Oskaras Koršunovas, Jonas Vaitkus, Artūras Areima, Vidas Bareikis e Gintaras Varnas.

L’esperienza di Koreja a Beirut ci racconta di una città fintamente riconciliata, dove sembra che l’unico valore guida rimasto sia il successo economico. Eppure alcuni avamposti culturali resistono, come i teatri Al Madina, Sun Flower e Monnot, custodi ed eredi della cinquantennale storia di sperimentatori che da Roger Assaf giunge a Rabih Mroué.

Quella di residenza è un’etichetta assai diffusa ma anche molto fraintesa. Cinque regioni italiane – Piemonte, Lombardia, Toscana, Puglia e Calabria – vantano sistemi residenziali organici, fatte salve le numerose differenze: organizzative, politiche, artistiche. Altre regioni ci hanno provato, altre vorrebbero provarci, altre ancora hanno ideato progetti innovativi e di successo. Ma residenze sono anche le molteplici e multiformi iniziative messe in atto da festival estivi desiderosi di esistere creativamente anche per il resto dell’anno, oppure da giovani e coraggiose compagnie che vogliono far vivere in maniera intelligente il territorio in cui sono nate e che non intendono abbandonare. L’Italia delle residenze, dunque, appare un paesaggio policromo, attraversato però dalla comune volontà di provare a scuotere il sistema teatrale esistente.

Le molteplici sfumature di un concetto le cui origini risalgono agli anni Settanta e che nel futuro potrebbe, se adeguatamente declinato, modificare in meglio il sistema teatrale italiano

Stalker Teatro, Tecnologia Filosofica, Santibriganti sono alcune delle residenze più antiche in Italia. La Regione pare intenzionata a cancellarle mentre il pubblico si tassa per garantirne la sopravvivenza: cronaca di un’esaltante avventura teatrale e “politica” destinata comunque a proseguire.

In una terra teatralmente avanzata come la Lombardia, è solo grazie a Fondazione Cariplo che si è potuto realizzare un sistema di residenze, mentre la Regione è sempre stata latitante. Il senso, la storia, le luci e le ombre di un progetto coraggioso che ha consentito la crescita di numerose compagnie giovani o emergenti.

Un sistema consolidato, fin dagli anni ’80, di realtà residenziali si trova oggi di fronte ai cambiamenti introdotti dalla nuova legge regionale, che potrebbero però diventare un’occasione di crescita.

L’amministrazione Vendola ha certamente favorito lo sviluppo di un territorio considerato culturalmente periferico che ha prodotto invece il virtuoso esempio di Teatri Abitati: ma è tutto oro quello che luccica?

In attesa di un’auspicata legge regionale, numerose sono le esperienze nate e cresciute senza un supporto regolare dalle istituzioni e dagli enti locali. Con una felice anomalia, le residenze sostenute da un’illuminata amministrazione comunale.

L’esperienza delle Officine culturali: sei anni di riflessione e di sperimentazione cui l’amministrazione regionale nn ha voluto garantire continuità. E oggi il territorio è di nuovo deserto.

Una terra aspra e artisticamente arretrata? Non proprio: le nuove residenze teatrali sono lì a dimostrarlo, pronte ad affrontare anche le difficoltà economiche.

Da Nord a Sud, dove le leggi regionali non prevedono sistemi residenziali veri e propri, sorgono esperienze ed esperimenti spontanei che cercano una loro via alla stabilità, con esiti molto diversi.

Valorizzare la sperimentazione, trasformare la popolazione in un pubblico fedele, coinvolgere le fasce deboli della società: ecco alcune delle funzioni delle residenze d’Oltralpe.

In Gran Bretagna nei teatri pubblici e d’innovazione è diffusa la figura del writer-in-residence, una prassi che fa crescere non soltanto attori e pubblico, ma anche i drammaturghi stessi.

 Innovatrice delle forme del teatro di narrazione, ha trovato nell’esempio della staffetta partigiana Ondina Peteani, protagonista di È bello vivere liberi! (Premio Scenario per Ustica 2009), le ragioni di una ricerca che prosegue nel nuovo La semplicità ingannata.

Le tre rassegne rivelano un’inesausta energia creativa, pronta a misurarsi con temi e linguaggi nuovi. In scena spettacoli dedicati a eroi mitici e popolari (Colapesce e Gilgamesh), a bambini da patologie (John Tammet, vincitore di Scenario Infanzia), a esseri che cercano se stessi.

Fra le ombre balinesi di I Watan Wija e i rifiuti riciclati da Rebekah Wild a Incanti 2012 è protagonista il racconto. Anche di Pip e Progetto Cantiere, due spazi produttivi quest’anno interamente dedicati alle fiabe di Jacob e Wilhelm Grimm.

[link_critiche]

L’americano Cedar Lake Contemporary Ballet e l’israeliana Batsheva Dance Company conquistano il pubblico con l’audacia dei temi affrontati e con la qualità dei loro danzatori: tra tutti, a scioccare, è Orbo novo di Cherkaoui dove la danza si avventura nel territorio impervio del corpo post-traumatizzato.

Se Akram Khan, Ohad Nahrin, Virgilio Sieni, Constanza Macras rappresentano l’eccellenza coreutica contemporanea, il festival romano non dimentica però le nuove forme, i giovani talenti protagonisti della sezione Dna e si conferma testimone di una scena in continuo movimento.

Oggi 36enne, il drammaturgo-attore-regista, ligure di nascita ma piemontese d’adozione, ripercorre le tappe della sua carriera: la formazione, i maestri, l’esperienza all’estero, i temi, i sogni e una visione, non certo accomodante, della drammaturgia italiana contemporanea.

[link_testi]

hanno collaborato: Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Francesca Carosso, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Roberta Ferraresi, Anna Forlati, Renato Gabrielli, Mimma Gallina, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Filippa Ilardo, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giorgia Marino, Antonella Melilli Rossi, Giulia Miniati, Giuseppe Montemagno, Alessio Negro, Roberta Nicolai, Emilio Nigro, Pier Giorgio Nosari, Renato Palazzi, Fausto Paravidino, Gianni Poli, Simona Polvani, Domenico Rigotti, Roberto Rinaldi, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Laura Santini, Francesco Tei, Franco Ungaro, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Gherardo Vitali Rosati, Chiara Viviani, Giusi Zippo.

Pioniere selvaggio di un teatro di cui è protagonista con i suoi magici cavalli, l’artista francese racconta il suo nuovo spettacolo, nato dall’incontro con il danzatore Morobushi e con I Canti di Maldoror di Lautréamont.

Isabella Ragonese, trent’anni, formazione teatrale e successo cinematografico è approdata di recente anche in tv. Ma il primo amore non si scorda mai…

Partendo da un lungo lavoro di interviste sul campo, Gigi Gherzi e Pietro Floridia compongono di emozioni, di storie. Per parlare di disagio ogni sera con il pubblico una mappa della città, di luoghi, e di normalità in metropoli sempre più competitive.

I protagonisti della giovane scena/37– Alla finale della 13a edizione del più importante premio dedicato alla giovane scena italiana spicca il tema della precarietà generazionale, ma anche le contaminazioni fra diversi linguaggi e l’impegno politico e civile. Vincono Infactory di Matteo Latino e Due passi sono di Carullo-Minasi. Ma è lo spirito – costruttivo, solidale ed entusiasta – che fa di questo progetto uno strumento di scandaglio unico nel panorama nazionale.

Malesseri esistenziali e incontri-scontri tra generazioni, popoli e sensibilità dominano il cartellone del più importante festival d’Oltralpe. Mouawad, Cassiers, Fisbach, Mitchell/Warner, Castellucci, De Keersmaker, Ouramdane, Le Roy e Stuart le star del teatro e della danza ospiti alla 65° edizione.

L’International Festival volge lo sguardo a Oriente ma pensando a Shakespeare. Al Fringe spopolano gli spettacoli low cost, i bilanci intimisti dieci anni dopo l’11 settembre e la nuova drammaturgia gallese.

Colonia, Mülheim, Düsseldorf e Bochum sono state sede della rassegna che, come i Theatertreffen berlinesi fanno per il teatro istituzionale, ha premiato le migliori produzioni off. Alta la qualità degli spettacoli in concorso, tra i quali hanno trionfato Conte d’Amour dei gruppi Institutet e Nya Rampen, Testament di She She Pop, The Host di Andros Zins-Browne e Cry me a river di Anna Mendelssohn.

Grazie a Nadj, Chéreau, Pollesch, Pommerat si respira l’aria del Vecchio Continente nel principale festival teatrale portoghese, quest’anno alla 28a edizione. Ma è lo sguardo verso l’America Latina, la curiosità per quel teatro vivo e davvero giovane, che lo rende speciale.

Alla sesta edizione dello Stage Festival, svoltosi nella capitale finlandese, spiccavano le presenze di Baryshnikov diretto da Krymov, del regista fiammingo Valentijn Dhaenens e del tunisino Fadhel Jaïbi che, con Amnésia, ha stregato il pubblico.

O’Neill, Williams, Miller, Albee e gli altri. Cosa ha significato l’arrivo dei loro testi nell’Italia del secondo dopoguerra? E cosa ne resta? Partendo dal centenario della nascita di Tennessee Williams, ripercorriamo luci e ombre, fortuna e sfortuna scenica di quella drammaturgia dai temi “forti”, spesso considerati scandalosi, che conquistò registi e attori del calibro di Luchino Visconti, Paolo Stoppa, Rina Morelli e Anna Magnani. Fino ad allargare lo sguardo a Mamet, Shepard, Kushner e agli autori degli ultimi vent’anni.

Da quando il made in Usa era garanzia di successo (e non solo a teatro) al lento declino della drammaturgia statunitense nella Penisola. Analisi di un fenomeno che non ha retto ai cambi generazionali nel sistema Italia, con l’arrivo degli Stabili, la prudenza produttiva, la necessità dei grandi nomi e il conflittuale rapporto con i classici. Sperando che, come già con Tony Kushner, qualche coraggiosa compagnia si accorga prima o poi della splendida contemporaneità di questi autori.

Dal secondo dopoguerra in poi nel nostro Paese si fa sempre più forte la curiosità verso il teatro americano. Dagli ormai classici O’Neill, Williams, Miller e Albee fino a Neil Simon, Mamet e Shepard: viaggio nelle più note messinscene realizzate in Italia.

Amori, odi e follie del teatro americano nell’Italia alle soglie del boom. Tra frigoriferi, fasciocomunisti e gite all’estero. Non oltre Lugano, of course.

Flavia Tolnay, recentemente scomparsa, gestiva un’agenzia teatrale che aveva iniziato la sua attività proprio con la drammaturgia americana, nel 1946. Tutelando i diritti per l’Italia di grandissimi autori, la Tolnay aveva visto passare per il suo ufficio gran parte dei nostri registi e attori. Ancora adesso la sua agenzia mantiene con Broadway un rapporto privilegiato.

Alla costante ricerca del conflitto, certo del fatto che solo sotto la tensione si nasconda la “verità” di un personaggio, Visconti scopre gli americani già durante il Fascismo per poi frequentarli a lungo. Sia al cinema che a teatro. Concentrando negli anni la sua ispirazione fra le decadenti tristezze di Williams e le esistenze tormentate di Miller. A margine di un sogno americano sempre (in)compiuto.

Williams tra censura e oblioTra Vecchio e Nuovo Continente, il destino di Tennessee Williams sembra mostrare due facce. Se in patria la sua opera è stata criticata, censurata e gradualmente accantonata, in Europa (Italia in testa) numerose e significative sono state le messinscene dei suoi testi prima e dopo la morte.

Da Pechino a Roma i suoi testi, universali e contemporanei, hanno saputo viaggiare nel tempo e nello spazio grazie alla capacità di contestualizzare i personaggi entro precise coordinate sociali, familiari e politiche, lasciando però emergere la realtà fantasmatica dei loro sogni, incubi, amori e desideri.

Figlio del secondo Novecento ma invecchiato in fretta (e male), l’autore americano ha trovato fortune alterne in Italia: amatissimo da dive un po’ agée ma snobbato dalle giovani compagnie, sfiorato dalla ricerca ma considerato sempre e comunque un grande classico. Con un’anomalia: la pluriennale esperienza di Ferdinando Bruni ed Elio De Capitani, arrivati a Williams attraverso Fassbinder e dal quel momento mai più abbandonato.

Un tram che si chiama desiderio di Williams aveva già stimolato sin dalla sua nascita l’interesse dei coreografi: geniale l’edizione firmata da John Neumeier, mentre più sbiadita quella di Valerie Bettis. Non altrettanta attenzione suscitarono invece i lavori degli altri grandi drammaturghi americani.

Personaggi, ambienti, suoni, problemi: sono questi gli elementi principali che il palcoscenico lirico riprende dalla drammaturgia americana di Miller, Williams, Wilder. Ma su questo canone si sviluppa anche una scrittura originale che, da Gertrude Stein a Gian Carlo Menotti, mette in scena la Glorious Nation.

Sembra esserci una frattura tra la generazione di Miller e Williams e quella che da Mamet e Shepard arriva a Kushner e Shawn. Forse perché la nuova drammaturgia americana sembra prediligere i modelli inglesi, da Beckett a Pinter.

Da Kazan a Lumet, molti sono stati i registi cinematografici affascinati dalle nuove storie americane di Tennessee Williams, dominate da passioni, follia e torbidi legami familiari. Fino ad arrivare a Mamet e Shepard che, nati come drammaturghi, si sono saputi reinventare come sceneggiatori e registi di cinema.

Tradizione e innovazione, invenzioni e (ab)uso di tecnologia al centro della 50esima edizione del prestigioso festival di teatro di figura. Tra gli ospiti, l’Illustre Famille Burattini, i pupazzi di Duda Paiva e i pupi di Mimmo Cuticchio, i giochi d’ombre di Rouge 28, Philippe Genty e Miet Warlop, Figuren Theater Tübingen/Bagages de Sable e la compagnia belga Non Nova.

Il bullismo per gli adolescenti, i desideri e il coraggio delle scelte per i più piccoli, i 150 anni dell’Unità d’Italia, la diversità, i rapporti tra adulti e bambini, i grandi classici: è ampio ed eterogeneo il ventaglio di temi emersi dalle numerose rassegne, ma pochi sono stati gli spettacoli di rilievo.

Da sempre impegnato a valorizzare prestigiose fonti letterarie, il melodramma fa oggi i conti anche con precedenti cinematografici e teatrali illustri, che ne arricchiscono le prospettive interartistiche. Viaggio nella drammaturgia musicale contemporanea, dalla Venezia di Visconti al Postino di Catán, passando per Gertrude Stein e Heiner Müller.

[link_critiche]

Fin dalla sua nascita, nel 1950, l’ente altoatesino ha mirato a promuovere i migliori drammaturghi contemporanei italiani e stranieri. Da Thomas Bernhard a Paravidino, fino a Il ritorno di Carlotta Clerici, in tournée da novembre con la regia di Marco Bernardi.
[link_testi]

[link_testi]

Con la collaborazione di Laura
Bevione, Fabrizio Sebastian
Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio
Finamore, Simone Nebbia,
Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Giovanni Ballerini, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Masolino d’Amico, Renzo Francabandera, Gigi Gherzi, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Stanley E. Gontarski, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, SergioLo Gatto, Stefania Maraucci, Federica Mazzocchi, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Mautizio Porro, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Urbano, Cristina Valenti, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Betty Zanotelli, Giusi Zippo.

La fuga dal Libano, gli studi teatrali, la fondazione di due compagnie, una in Francia e l’altra in Canada. Nuova star della scena internazionale, Mouawad è drammaturgo e romanziere, attore e regista, capocomico e sceneggiatore di film tratti dalle sue pièce.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

l’Unità d’Italia, occasione o pretesto? Spettacoli, convegni, festival, ma anche lirica, teatro ragazzi e laboratori per attori. Tra rassegne ufficiali (Firenze e Torino) e non, ecco una carrellata delle principali iniziative sparse nella penisola per celebrare i centocinquant’anni dell’Unità d’Italia.

50 compagnie, 72 anni, 75 titoli. Il drammaturgo americano ci parla di Italia, Europa, Medio Oriente. Un orizzonte worldwide. Come le dimensioni del suo teatro.

Il debutto di Paravidino alla Comédie Française, con La malattia della famiglia M., propone grovigli sentimentali e dinamiche familiari in evoluzione: come dimostrano anche Alain Françon, che mette in scena Feydeau per raccontare la crisi dell’istituto del matrimonio, e Christoph Marthaler, che riprende Kát’a Kabanová, raggelante affresco del dissidio tra condizione femminile e convenzioni sociali.

Una stagione di gran classe quest’inverno nella capitale russa: in scena, tutti degni della massima attenzione, spettacoli di Fokin, Fomenko, Nekrosius, Krymov, Karbauskis e tanti altri.

Dmitri Krymov e il suo Laboratorio “creativo”: ritratto di un regista “anomalo” in occasione di una retrospettiva di cinque suoi spettacoli andati in scena a Tallinn l’inverno scorso.

La scena e la drammaturgia messicana mostrano oggi una grande effervescenza, spesso senza dimenticare le proprie radici precolombiane. I giovani affollano le sale che programmano testi contemporanei e i nuovi autori si fanno conoscere attraverso rassegne specializzate, tavole rotonde e traduzioni.

La generazione dei trentenni, cresciuta con internet e facebook fra periodi di libertà (pochi) e di oscurantismo, è vivacissima e orientata a un teatro politico che sfida la censura.

Questa volta parliamo di noi. Vogliamo cercare di capire se siamo una specie in via di estinzione o di trasformazione, mentre assistiamo impotenti alla diminuzione di spazi editoriali, lettori e prestigio. Con anziani maestri che non si sono rivelati tali, una generazione di mezzo scavalcata dalla storia, le nuove leve perse nei meandri del web. Il dossier vuole scattare una fotografia sullo stato dell’arte fra excursus storici, inchieste, riflessioni critiche e autocritiche. A questo proposito proponiamo un decalogo dei diritti e dei doveri del critico. Perché sentiamo forte l’urgenza di ritrovare una deontologia professionale e una libertà di giudizio che oggi appare perduta e compromessa.

Da Jannacci a Debord, passando per i routiniers senza più passione (né salvezza): ritratto di un mestiere anacronistico a cui forse piace esserlo, frustrato da faccine e pallini, ma dimentico troppo spesso della propria missione. Ovvero, scrivere di teatro, non farlo. Che forse la soluzione è la più semplice: tornare a essere se stessi.

Scuole di pensiero, militanze, date spartiacque, dibattiti culturali: il Novecento in Italia è segnato dal confronto critico in ambito teatrale (ma non solo). Con una professione che si fa grande e diviene simbolo di fermento intellettuale all’interno di una società civile desiderosa di analizzare il processo creativo e provarsi nella dialettica. Fra le intrusioni della politica e il ricordo dei protagonisti, un excursus storico in cerca di maestri ed eredità.

Assediata dalla concorrenza di Internet, poco assistita dai lettori, sempre più la critica teatrale viene emarginata dai quotidiani nazionali. Un fenomeno che interessa solo tangenzialmente le realtà locali, ma che va a incidere sul profilo e le competenze delle nuove generazioni di professionisti. Uno sguardo dal “di dentro”, attraverso l’opinione di chi ogni giorno in redazione ha a che fare (suo malgrado) con la grassa cucina della carta stampata.

Una rassegna delle possibilità formative specialistiche, per chi volesse intraprendere la carriera di critico, rivela un’assenza pressoché totale di strutture di alta specializzazione nel nostro Paese.

Da quando ancora si dettavano le recensioni ai dimafonisti al termine degli spettacoli alla critica negli Anni Zero, dominata dai modelli socio-economici del web e da una nuova comunicazione che non ama gli intermediari, al limite qualche consigliere dai gusti affini ai nostri. Riflessione su un mestiere ormai estinto, gravido di ricordi e povero di prospettive.

Non è solo l’ambito teatrale a rischiare l’estinzione. La critica vive uno stato d’abbandono in tutti i settori artistici, a conferma della disabitudine sociale alla riflessione e al confronto dialettico, alimentata (per assurdo) dai primi organi d’informazione: i giornali. Una chiacchierata informale con alcune firme illustri del panorama critico italiano legato al mondo dello spettacolo. Un coro di lamenti e di grigie prospettive, con un’eccezione…

Un coro generale di lamenti, spesso sacrosanti, su un’oggettiva decadenza dell’habitat naturale in cui la critica dovrebbe svolgere la sua professione, tra spazi ridotti a francobolli, disinteresse delle redazioni, compensi ridicoli e competenze bistrattate. Per altri aspetti verrebbe da dire «chi è causa del suo mal pianga se stesso…», perché la categoria non è comunque esente da responsabilità: settarismo, deontologia professionale latitante, perdita di credibilità, scarso spirito autocritico e non volontà di garantire un ricambio generazionale. Il web, amato e odiato, potrebbe essere un’àncora di salvezza, ma bisogna imparare a usarlo con criterio. Questo emerge da tre domande chiave rivolte a un “campione transgenerazionale” di critici.

Ma troppo vecchi per condividere certi nuovi entusiasmi. La generazione dei Novanta si è fatta grande, si è lasciata alle spalle le risatine di benvenuto, ma occupa ben poche poltrone: gli arzilli settantenni hanno spaccato tutto (o quasi), le nuove generazioni giocano con i cocci. Quale futuro?

Nata e cresciuta con Internet al proprio fianco, la giovane generazione della critica teatrale combatte una silenziosa lotta per riformare la professione (quasi) più antica del mondo. Pochi i maestri, tante le scuole di pensiero: a unirli l’amore incondizionato per le arti performative. Mentre si tenta di mettersi in luce, fra scetticismi e luoghi comuni.

Indagando sullo stato della professione, abbiamo interrogato artisti e operatori su qualità e difetti di noi stessi, in un cortocircuito emotivo che abbiamo preteso il più franco e spregiudicato possibile. Ne è uscito un quadretto di sana disperazione, fra chi ci dà per morti e chi infierisce sul cadavere, chi ci vede in via d’estinzione (come i panda) e qualche raro ottimista. Ovviamente per tutti (o quasi) rimaniamo necessari. Almeno finché c’è vita. Un ringraziamento a tutti coloro che hanno risposto, in rigoroso ordine alfabetico. Ma un ringraziamento anche a chi abbiamo rincorso senza risultato: tutta esperienza.

Viaggio nelle capitali del teatro, per osservare come la stampa si occupa di critica e cultura teatrale. Ne viene fuori un ritratto dalle molte anime, dove alla bulimia produttiva di Parigi si affianca il blasone delle firme inglesi; alla solidità tedesca i localismi spagnoli o la complessità della realtà russa. Con però una sensazione complessiva: a fianco della crisi, è il rispetto per la professione (e il lettore) a muovere ancora le scelte editoriali. Almeno Oltralpe.

Videoproiezioni, spettacoli interattivi e personaggi digitali sono al centro delle produzioni di quelle compagnie (la pratese Tpo su tutte) che hanno fatto della tecnologia la parola d’ordine per rinnovare il teatro destinato ai più piccoli.

I protagonisti della giovane scena/36 – I difficili esordi, il successo improvviso e quasi inaspettato, i nuovi progetti. Dalla bocciatura alla “Paolo Grassi” e al Premio Scenario al debutto al Théâtre de la Ville di Parigi, l’irresistibile ascesa di uno dei gruppi più interessanti del panorama italiano contemporaneo.

[link_critiche]

Hanno collaborato: Laura Bevione, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Stefano Bartezzaghi, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Enrico Castellani, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Fabrizio Fiaschini, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Katia Ippaso, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Anna Pérez Pagès, Oliviero Ponte di Pino, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

[link_testi]

A giugno si apre la settima edizione del premio Hystrio alla vocazione. On-line trovi il bando di iscrizione e tutte le modalità per partecipare.

Esploso negli anni Novanta come vero e proprio genere, affonda le sue radici nei due decenni precedenti, a partire dalle esperienze di Fo e Scabia – Comune denominatore, pur nella diversità degli esiti, è la capacità di metabolizzare il vissuto e la Storia, di tradurre in pratiche inventive l’imprinting narrativo dell’infanzia e di coniugare identità personale e repertori preesistenti – I “tormentati” percorsi di Baliani, Curino e Paolini a partire dagli anni Ottanta, la scelta di teatralizzare la propria realtà di Celestini ed Enia negli anni Novanta, fino alla nascita del nuovo performer epico.

Lavoro, emigrazione, vita contadina, impegno civile, memoria, animazione sociale, teatro ragazzi e un certo tipo di cabaret o di teatro-canzone sono temi e generi a cui si lega il “teatro di narrazione” – Spesso affonda le sue radici nella tradizione regionale e nei suoi dialetti, dando voce a intere comunità o a singoli narratori – Ecco una mappa geografica, non esaustiva ma certo esauriente, per segnalare, oltre chi ha raggiunto una visibilità a livello nazionale, anche altri artisti e realtà che compongono il variegato mondo di questo genere teatrale

Per molti narr-attori l’avventura del teatro cominciò grazie a Mistero buffo, i cui meccanismi, a loro volta, derivavano dai racconti dei “fabulatori” conosciuti da Fo durantre l’infanzia e dal recupero della giullarata medievale.

La nave fantasma di Giovanni Maria Bellu e Renato Sarti

Dall’autoformazione con il Tag Teatro alla lunga esperienza con Teatro Settimo, dalla riscoperta delle radici venete con Meneghello e poi con i Bestiari all’autobiografia generazionale degli Album, il percorso che condurrà Paolini al suo ormai celebre Vajont è un costante work in progress difficilmente etichettabile, così come il suo teatro di narrazione, esplorato di volta in volta in forme diverse in I-TIGI canto per Ustica e Parlamento chimico fino al recente Il sergente-dedicato a Mario Rigoni Stern

Il lavoro sulla propria memoria psicofisica, la traduzione delle emozioni in immagini e azioni, le micropartiture fisiche, l’adesione empatica ai personaggi, la capacità di sospendere lo spazio e il tempo con lo stupore e l’incantamento sono alla base delle invenzioni affabulatorie dell’autore-attore di Kohlhaas

La scrittura narrativa della Curino nasce dalla drammaturgia di gruppo degli spettacoli di Laboratorio Teatro Settimo – L’improvvisazione d’attore e d’autore, il testo come luogo abitato da molti personaggi, il montaggio di diverse fonti letterarie, verbali e figurative sono alla base di Passione, la sua prima prova da “solista”, così come successivamente di Olivetti e di L’età dell’oro

L’antica arte siciliana, anomala forma di “teatro di narrazione”, rivive negli spettacoli di Mimmo Cuticchio come strumento di tradizione, ma anche di nuove mitologie (il calcio), di cronaca (l’uccisione di Borsellino) o innestato in altri generi (la lirica) – La trasmissione pedagogica e l’importanza di saper “rubare” il mestiere, come in un certo senso ha fatto Davide Enia raccontando la Palermo devastata dai bombardamenti in maggio ’43 e quella euforica del Mundial 1982 in Italia-Brasile 3 a 2

Dell’autore-narratore romano, Premio Hystrio alla drammaturgia 2004, pubblichiamo cinque lettere tratte dal volume Fabbrica – Da queste partiamo per ricostruire, dalla sua stessa voce, il metodo di lavoro utilizzato, dalla raccolta dei materiali per arrivare alla messinscena e, infine, alla scrittura

[link_testi]

L’espressione “troppi Pirandello”, così come si dice “troppi Shakespeare”, ha un senso e una giustificazione se ci si riferisce alla pletora di allestimenti di maniera delle sue opere, ricalcati senza inventiva su stereotipi, che trascurano ancora oggi di scavare nei sottotesti o, all’opposto, che alterano intenzioni e significati – Andare oltre il pirandellismo significa, oggi, indagare sui rapporti fra Pirandello e la psicanalisi, e sugli aspetti visionari e onirici del suo teatro

Morto a soli trent’anni, l’attore, regista e scrittore di Castellammare di Stabia ha coniugato nei suoi testi suggestioni folcloriche e immaginario antropologico, ricchezza della parola dialettale e piattezza della lingua dei mass media, portando in superficie gli aspetti più torbidi e oscuri della vita e della cultura o sottocultura del capoluogo campano, quelli dominati dall’irrazionale, dalla follia e dalla morte

Negli ultimi anni, con l’esplosione di questo genere di spettacolo, sono sorte diverse scuole di formazione per interpreti di musical, diverse l’una dall’altra ma quasi tutte di ispirazione anglofona. Le fucine sembrano trovarsi prevalentemente nel Nord Italia. A Bologna ha sede l’istituzione più nota e importante, segue Milano, e quindi alcune esperienze a Roma e in Toscana

Susan Sontag è morta il 28 dicembre a New York all’età di 71 anni. Era da tempo malata di leucemia. Autrice di saggi e sceneggiature cinematografiche, romanzi e pièces teatrali (Alice a letto nel 1993 e Donna del mare nel 1997), è stata anche regista di film e spettacoli (Come tu mi vuoi, con Adriana Asti, nel 1980, e Aspettando Godot, a Sarajevo, nel 1993), oltre che acuta commentatrice delle problematiche contemporanee e impegnata politicamente in difesa dei diritti umani. Poche e assolute le sue “passioni teatrali”, da Peter Brook a Grotowski, l’ultima delle quali per il Teatro e delle Albe di Ravenna (Hystrio 2.2002). A Marco Martinelli, autore e regista del gruppo, abbiamo chiesto di ricordarla

Nella capitale francese portano una ventata d’umanesimo teatrale il Cechov tragico e leggero del grande maestro russo Petr Fomenko recitato dalla sua straordinaria compagnia e Pessah di Laura Forti, testo che racconta, intrecciando con scrittura felice grande storia e storia privata, la cena di una famiglia il giorno della Pasqua ebraica – E al Théâtre du Rond-Point, nuova dimora degli autori contemporanei, un’interessante Dis à ma fille que je pars en voyage della drammaturga Denise Chalem

In questa cittadina non molto lontana da Bratislava, si svolge un festival di grande interesse che a spettacoli polacchi, cechi, ungheresi, rumeni, russi affianca produzioni occidentali: un cartellone di qualità che predilige testi contemporanei o riletture audaci dei classici e alla cui stesura contribuisce una commissione internazionale di selezione

Nati dieci anni fa all’interno dell’università di Pisa in piena occupazione, il gruppo ha da subito un natura contestatrice che riversa in una rilettura parodistica dei classici del teatro. I loro primi spettacoli sono caratterizzati da un taglio farsesco, da un ritmo indiavolato, da personaggi “fissi” che, in parte, riflettono tratti autobiografici. Dopo una fase in cui viene privilegiato il rapporto con i luoghi della propria città, con Orfeo, il respiro del 2002, si avvia una nuova ricerca stilistica che,pur non rinnegando il comico, si avvicina al tragico

Prime quattro tappe di una stagione ricca, coraggiosa e di respiro internazionale promossa dal Teatro Municipale – Tigers in the tea house della grande coreografa californiana, sono seguiti Tanzgeschichten di Raimund Hoghe, la nuova versione di Les porteuses de mauvaises nouvelles di Wim Vandekeybus e Impromptus di Sasha Waltz

[link_critiche]

Fra le altre le recensioni a l’autobiografia di Sandro Lombardi, Gli anni felici edita da Garzanti; ai nuovi saggi di Roberto Alonge (Donne Terrifiche e fragili maschi dedicato a d’Annunzio e Pirandello – Laterza – e Goldoni. Dalla commedia dell’arte al dramma borghese – Garzanti-); e inoltre Resti di scena di Paolo Ruffini – Edizioni Interculturali – e il 27 volume del Patalogo della Ubulibri.

Rivalutata l’opera e la personalità del primogenito del grande scrittore siciliano, che si firmava col nome d’arte di Stefano Landi, grazie a Sara ed Enzo Zappulla che, accanto ai testi teatrali, pongono una ricostruzione documentaria di pagine dimenticate della scena italiana

Paola Abenavoli, Carmelo Alberti, Marco Andreoli, Valentina Bertolino, Laura Bevione, Fabrizio Caleffi, Danilo Caravà, Ascanio Celestini, Anna Ceravolo, Rita Charbonnier, Carlotta Clerici, Concetta D’Angeli, Renzia D’Incà, Alessandra Faiella, Loredana Faraci, Fabrizio Fiaschini, Emanuela Garampelli, Gastone Geron, Gigi Giacobbe, Gerardo Guccini, Giuseppe Liotta, Stefania Maraucci, Michela Marelli, Massimo Marino, Antonella Melilli, Simona Morgantini, Andrea Nanni, Dimitri Papanikas, Alfio Petrini, Gianbattista Pinna, Gianni Poli, Oliviero Ponte di Pino, Eliana Quattrini, Olindo Rampin, Domenico Rigotti, Simone Soriani, Francesco Tei, Elisabetta Torselli, Simonetta Trovato, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Giusi Zippo

Dopo aver girato l’Europa delle scuole dalla Francia alla Russia, ed esserci spinti fino in Cina e negli Stati Uniti, approdiamo finalmente in Italia. Come introduzione uno scritto di Orazio Costa, allievo di D’Amico e di Copeau, un maestro dimenticato, unico in Italia che abbia elaborato una pedagogia teatrale.

 

Da sempre  insegnante e coordinatore della Scuola di Teatro del Piccolo di Milano, che ha contribuito a creare insieme a Strehler, è stato allievo di Orazio Costa, come del resto Luca Ronconi al cui fianco oggi lavora.

Le più importanti scuole  legate ai Teatri stabili: dalla più antica di Genova a quella di Torino fondata da Ronconi.

In molte scuole di teatro italiane trovano posto corsi tenuti da insegnanti provenienti dalla Russia. Che segni lasciano sugli aspiranti attori?

Alla fine degli anni Sessanta vengono messi in crisi insegnamenti e saperi tradizionali, il nuovo sapere rifugge la scuola. Negli anni Ottanta appare una generazione senza maestri che ribadisce il primato dell’esperienza e la conseguente scelta di campo della ricerca personale o di gruppo.

La commissione Cultura della Camera propone un progetto di legge quadro la cui efficacia appare ridotta da un vizio di forma, la ricerca di compromessi a tutti i costi, e da un affastellarsi confuso di norme e procedure che rivelano il permanere di vecchi interessi consociativi accanto alla proiezione nel futuro di regole e principi ancorati al passato. Scarsa incidenza riformatrice per quanto concerne i finanziamenti e la definizione delle competenza tra Stato e Regioni

Riceviamo e pubblichiamo due diverse reazioni ad articoli riguardanti la gestione dei Teatri Stabili. Luca De Fusco, direttore dello Stabile del Veneto e presidente dell’Associazione Nazionale Teatri d’Arte Drammatica, ci scrive in merito al pezzo di Mimma Gallina Una nomina frettolosa fatta da pochi (Hystrio 3.2004), mentre a nome di Pietro Carriglio, direttore del Teatro Biondo e del Teatro Massimo di Palermo, è l’atto di citazione per diffamazione in merito all’articolo di Simonetta Trovato, Carriglio: oltre il Massimo consentito (Hystrio 2.2004).

Ispirato ai racconti dello scrittore giapponese Murakami, The Elephant Vanishes diretto da Simon McBurney del gruppo inglese Complicite con gli attori del Setagaya Public Theater di Tokyo apre una finestra ironica sul senso di alineazione del presente

La scena tedesca contemporanea al centro del festival di quest’anno con gli spettacoli di forte denuncia politica e sociale di Thomas Ostermeier, René Pollesch, Saha Waltz e Costanza Macras

I temi legati ai conflitti in corso nel mondo hanno prevalso un po’ ovunque al Fringe, festival che si conferma un’occasione unica per conoscere le tendenze della nuova drammaturgia di lingua inglese

Esplode il talento dell’artista inglese. Conquista il cinese Shen Wei

Il Woyzeck di Wilson a Parigi – Candelaio secondo Ronconi – Branciaroli fa Ruzante – Madame De Sade seduce Castri – Pro & Contro: Il gabbiano di Nekrosius – Il ritorno di Ambleto – Marthaler, Castorf e Arias a Roma – Il Festival dei Teatri d’Europa a Palermo
[link_critiche]

 

[link_critiche]

 

[link_critiche]

 

[link_critiche]

Santeramoe Sinisi, i fondatori del gruppo pugliese, scoprono la loro vocazione teatrale nelle parrocchie dei loro paesi in provincia di Bari. Dopo un iniziale periodo di emigrazione romana, la decisione di tornare a casa e dare insieme vita al Teatro Minimo

Fra i primi ad occuparsi di teatro e handicap, Enzo Toma nei suoi spettacoli per ragazzi affronta senza reticenza argomenti come la morte, la malattia, la sessualità. E per questo sono pochi i teatri disposti a ospitarlo

Nei suoi lavori predilige vicende scottanti di oggi come il caso delle trasfuzioni infettate di Aids o temi insoliti come il desiderio ossessivo della bellezze, storie tragiche ma rappresentate con pungente ironia

Fra le nuove uscite il volume di Franco Perrelli, Echi nordici di grandi attori italiani, le Memorie di un artista drammatico di Antonio Colomberti curato da Alberto Bentoglio; inoltre L’ultimo nastro di Beckett e altri travestimenti di Osvaldo Guerrieri e il libro di Massimo Marino Lo sguardo che racconta.

Testo vincitore del Premio Vallecorsi 2004
[link_testi]

Prevale ai vertici governativi e negli stessi operatori la convinzione che una normativa di settore sia superflua – Una stagione mediocre cominciata nell’incertezza per il nodo irrisolto delle competenze Stato-Regioni – In forse il criterio della programmazione triennale – Ritorno al regime delle circolari ministeriali?

Il direttore del Teatro Stabile di Bolzano racconta a Hystrio una vicenda di ordinario malcostume teatrale, che la dice lunga su quanto sia ingiustamente penalizzante produrre e promuovere la drammaturgia italiana contemporanea

Progetto “città invisibili”, drammaturgia e regia Fabrizio Pallara. Prod. Il palloncino rosso – Università Roma Tre, Roma

Rossini Opera Festival, Pesaro: Il turco in Italia di Gioacchino Rossini. Regia di Guido De Monticelli; Macerata Opera, Macerata: L’elisir d’amore, di Gaetano Donizetti. Regia di Saverio Marconi.

L’aldilà è il tema di noBody, il nuovo, folgorante spettacolo di Sasha Waltz – Lia Rodrigues e Catherine Diverrès, rispettivamente con Formas breves e San, rendono omaggio a Oskar Schlemmer

VOLTES re-création. Coreografie di Catherine Diverrès. Prod. Centre Choréographique National de Rennes et de Bretagne.

Il Nederlands Danse Theater con le coreografie del maestro praghese a Verona e la Bill T. Jones Dance Company in tournée da Ravenna a Palermo sono stati i due appuntamenti più significativi delle nostre rassegne estive. Al Mittelfest Endstation Zaspa, di Avi Kaiser e Double points: One & Two, regia, coreografia e musiche di Emio Greco e Pieter C. Scholte, a Oriente Occidente, Rovereto.

Controversa accoglienza per il testo del norvegese Jon Fosse, The Girl on the Sofa, messo in scena da Ostermeier nella sezione ufficiale – La tradizione perduta del varietà nello spettacolo degli scozzesi Grid Iron – Al Fringe, due opere dei giovani Neilson e Greig, e This is a Chair della Churchill

Alla Festa internazionale del circo contemporaneo, giunta con successo alla 2a edizione, si intrecciano nel nome di quel nouveau cirque che, al di là delle polemiche, rappresenta, almeno in Italia, una delle più importanti novità spettacolari di questi ultimi anni

Rwanda 94, di Marie-France Collard, Jacques Delcuvellerie, Yolande Mukagasana, Jean-Marie Piemme, Mathias Simons. Regia di Jacques Delcuvellerie. Prod. Groupov, Bruxelles.

Metamorfosi, da Le Metamorfosi di Ovidio. Regia e scene di Giorgio Barberio Corsetti. Prod. La Biennale di Venezia, Teatro di Roma, Fattore K, Les Colporteurs.

Sogno di una notte di mezza estate, di Marco Martinelli da Shakespeare. Drammaturgia e regia di Marco Martinelli. Prod. La Biennale di Venezia – Ravenna Festival – Santarcangelo dei Teatri (RI) – Teatro delle Albe/Ravenna Teatro.

Gli spettacoli dei festival tra la primavera e l’estate: Il gioco del teatro (Torino), Segnali (Pavia-Vigevano), Maggio all’infanzia (Gioia del Colle), Generazioni (Cascina), Una città per gioco (Vimercate), Angeli a sud (Napoli), Colpi di scena (Faenza-Brisighella-Casola Valsenio-Bologna), I teatri del mondo (Porto S. Elpidio), Festival Alba (Alba Adriatica). Arrivano dal mare (Cervia).

Per questo nostro itinerario – che si prospetta ricco di tappe – nelle scuole di teatro in Europa (ma non solo), abbiamo scelto di partire dalla Francia. Terra di grandissimi maestri, di attori e registi-pedagoghi – e, naturalmente, pensiamo a Copeau, a Jouvet, a Dullin, a Lecoq -, che non hanno mai disgiunto il loro fare teatro da una continua opera di riflessione sul protagonista assoluto di quest’arte – infine, sul suo senso stesso – vale a dire l’attore. E dunque hanno sentito il lavoro di insegnamento nella scuola, si trattasse della propria (il Vieux Colombier per Copeau) o di una antica istituzione come il Conservatorie (per Jouvet), come una necessità vitale, la sorgente di ogni possibile reinvenzione del teatro. Scrisse Antoine Vitez, «la Scuola è il più bel teatro del mondo». Ed è proprio con una scelta di brani di Vitez, forse l’ultimo dei grandi registi francesi ad avere tenuto sempre saldamente i piedi nella scuola (insegnò in quella di Lecoq, poi al Conservatoire e infine alla Scuola del Teatro Nazionale di Chaillot da lui diretto), che apriamo la prima puntata del dossier, una messa a fuoco di due fra le istituzioni formative per l’attore più importanti di Francia. Le annotazioni di Vitez, nella loro determinata asciuttezza, pur risalendo, alcune, a oltre trent’anni fa, contengono affermazioni che appaiono ancor oggi dirompenti. Prima fra tutte il rifiuto di qualsiasi forma di utilitarismo, che lo porterà a rivendicare come irrinunciabile principio pedagogico l’inutilità della scuola rispetto a qualsiasi idea di specializzazione professionale: «Una scuola di teatro non è un luogo dove vi si mette un buon piccolo mestiere fra le mani»; perché «l’esercizio disinteressato è il solo lavoro utile (ma riguarda solo il teatro?)».

Conosciuta come la scuola parigina della rue Blanche, dal 1997 si è trasferita su una collina di Lione in un modernissimo edificio circondato dal verde – Sei i dipartimenti per formare attori, scenografi, costumisti, tecnici della luce e del suono, amministratori dello spettacolo

Le sue origini risalgono al 1795, ma è nel dopoguerra che ha assunto l’aspetto attuale – Vi hanno insegnato Louis Jouvet, Antoine Vitez, Bernard Dort – Ancora oggi il suo prestigio è legato al valore dei professori, scelti fra gli artisti più importanti della scena francese e internazionale, che avviano gli allievi a pratiche ed estetiche sceniche molto diverse fra loro

Gli spettacoli dedicati ai bambini dai sei mesi ai due-tre anni sono un genere diffuso da tempo in Francia e che ora sta suscitando attenzione anche in Italia

Compagnia pioniera del teatro multiculturale in Italia, divide la sua attività tra produzione di spettacoli, organizzazione di corsi, laboratori e di un festival delle migrazioni – Il principio fondante: la contaminazione pacifica delle culture è un arricchimento

Renzia D’Incà, Il gioco del sintomo, crudeltà e poesia- teatro e disagio mentale, Maria Pacini Fazzi editore, Lucca, 2002

Il nome del gruppo fiorentino – “chincaglieria”, “emporio”, in albanese – bene esprime la sua eterogenea composizione (attori, danzatori, architetti e videomaker) e la difficoltà di classificare in un ambito definito le sue creazioni, frutto di elaborazioni di materiali di disparata provenienza

Bakunin e Herzen sono tra i protagonisti di Voyage, Shipwreck, Salvage, la nuova trilogia di Tom Stoppard presentata al National Theatre

La compagnia di Elisabeth LeCompte, Kate Valk e Willem Dafoe prende il nome dalla strada in cui si trova la loro sede, il Performing Garage, mitico luogo dell’avanguardia teatrale – L’ultimo spettacolo, To You, The Birdie!, ispirato a Racine, continua la strada di una rielaborazione radicale dei testi classici iniziata negli anni Ottanta

A parte il caso di The Guys della giornalista Anne Nelson, che mette in scena il racconto drammatico di un pompiere sopravvissuto, sono poche le voci di artisti che hanno cercato di dare una risposta non celebrativa a Ground Zero

Era lo Strehler della scena privata: come tale fu considerato un nemico del teatro dell’impegno in tempi di discriminazioni ideologiche – Giudizio riduttivo, e ingiusto: non trascurò i classici, fece conoscere autori d’avanguardia, fu un talent scout di prim’ordine

Tra gli altri: Amor nello specchio a Ferrara nella regia di Ronconi – Sotterraneo di Remondi e Caporossi – Siegfried di Wagner a Catania per la regia di Lievi
[link_critiche]

Considerato l’elevatissimo numero di autori che hanno aderito al gruppo Scrittori per la pace, Hystrio ha deciso di pubblicare cinque testi, creando un “equilibrio geografico” fra le tre sedi (Roma, Bologna e Milano) che hanno ospitato le serate relative a questa iniziativa.
Jihad di Raffaella Battaglini, Visioni di una battaglia in corso di Remo Binosi, California di Edoardo Erba, 25 Aprile di Luigi Gozzi, Fondamentalisti di Roberto Traverso.
[link_testi]

Premio Hystrio 2002 – Scrittori per la Pace
[link_testi]

Premio Hystrio 2002 – Scrittori per la Pace
[link_testi]

I nomi degli autori che hanno aderito a Scrittori per la pace/Teatro civile e quelli dei registi, attori, musicisti che hanno partecipato all’iniziativa.
[link_testi]

Premio Hystrio 2002 – Scrittori per la Pace
[link_testi]

Premio Hystrio 2002 – Scrittori per la Pace
[link_testi]

Premio Hystrio 2002 – Scrittori per la Pace
[link_testi]

Premio Vallecorsi 2002
[link_testi]

La giuria del Premio Vallecorsi (Umberto Benedetto presidente, Giovanni Antonucci, Andrea Bisicchia, Antonio Calenda, Nando Gazzolo, Gastone Geron, Valeria Moriconi, Ugo Pagliai, Carlo Maria Pensa, Luigi Squarzina) promosso dalla Ansaldo-Breda costruzioni ferroviarie di Pistoia ha proclamato vincitore della cinquantunesima edizione il commediografo Gabriele Bonazzi di Bologna, autore di Turn over, assegnando il secondo premio a Gianmarco Montesano di Roma per Eroe e il terzo premio a Mario Bagnara di Genova per L’uomo di Arimatea. Ha inoltre attribuito segnalazioni di merito a Franco Vassalli per Processo a Kafka, a Mario Ventura per Tommaso Moro e a Cesare Belsito per Un amore imperfetto.
[link_testi]

Hanno collaborato: Sergio Basso, Raffaella Battaglini, Marco Bernardi, Laura Bevione, Remo Binosi,Gabriele Bonazzi, Ivana Bosso, Fabrizio Caleffi, Laura Caretti, Danilo Caravà, Tatiana Chemi, Carlotta Clerici, Ombretta De Biase, Rudy De Cadaval, Renzia D’Incà, Pierachille Dolfini, Edoardo Erba, Emanuela Garampelli, Francesca Gentile, Gastone Geron, Gigi Giacobbe, Roberto Giambrone, Pierfrancesco Giannangeli, Luigi Gozzi, Simona Maggiorelli, Paolo Maier, Stefania Maraucci, Massimo Marino, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simona Morgantini, Andrea Nanni, Alessandra Nicifero, Pier Giorgio Nosari, Vincenzo Maria Oreggia, Alfio Petrini, Angelo Pizzuto, Domenico Rigotti, Marilena Roncarà, Maggie Rose, Carla Rubbi, Andrea Rustichelli, Matteo Settegrana, Cora Sironi, Francesco Tei, Roberto Traverso, Nicola Viesti.

La cronaca, le foto dei partecipanti, i premiati e la mostra di giovani fotografi di scena

Diario semiserio della terza edizione milanese del Premio Hystrio alla Vocazione per giovani attori

Giovani fotografi ritraggono il giovane teatro contemporaneo

Dall’Ungheria alla Slovenia; dalla Cecoslovacchia al Montenegro, dalla Bulgaria alla Croazia, dalla Romania alla Bielorussia: il festival friulano ha aperto una preziosa finestra sui Paesi dell’Est

Il direttore artistico Carlo Bruni e la regista e attrice Teresa Ludovico fanno un bilancio dell’attività della compagnia e si preparano a portare i loro spettacoli nei cinque continenti

Nel Novecento i grandi innovatori del teatro sono stati spesso anche – e soprattuto – dei pedagoghi. Qual è stato e qual è, in Italia, il rapporto fra le accademie o le scuole di recitazione e le teorie (e le pratiche) sull’arte dell’attore elaborate dai Maestri del secolo appena trascorso? Cerchiamo di capirlo dando la parola a insegnanti e artisti che si sono dedicati, in modi anche molto diversi fra loro, alla formazione teatrale. Dopo Lecoq visto dalla sua allieva, Alessandra Galante Garrone, incontriamo Alessandro Fersen che ci parla del suo rapporto con Stanislavskij e delle sue personali tecniche psicosceniche elaborate nello Studio fondato a Roma nel 1957

Fili sottili, ma tenaci, uniscono il teatro sperimentale alle forme dello spettacolo popolare. Le esperienze più avanzate degli ultimi decenni ne hanno enormemente ampliato la sfera d’influenza, riappropriandosi di una serie di materiali, linguaggi e codici che erano stati semplicemente accantonati, uscendo dall’ufficialità dell’edificio teatrale e dalle secche della convenzione, combinandosi con discipline contigue come la danza. Il risultato è una sintesi originale, che alle definizioni del passato sostituisce la dimensione live come sostanza pervasiva e conturbante.In questi anni, Hystrio ha cercato di documentare – e recuperare – una visione a 360 gradi delle arti performative che paradossalmente, forse proprio perché ormai evidente, rischia oggi di non essere appieno valorizzata anche da quanti, spettatori, artisti e critici, vi sono quotidianamente immersi. Il presente dossier, dedicato al Nuovo Circo, vuole aggiungere un nuovo capitolo a questa esplorazione.Intanto, continuano a moltiplicarsi gli appuntamenti con l’ultima frontiera della ricerca circense e giunge al debutto il primo spettacolo italiano ispirato al Nuovo Circo. L’augurio è che ciò possa stimolare a una nuova riflessione sul teatro. Questo dossier è il nostro contributo.

Dal tedesco circo Roncalli nato nel 1977 per ridare vita ai numeri dimenticati dei piccoli circhi parigini dell’età d’oro, al Cirque du Soleil che accoglie maestri russi, francesi e cinesi di acrobatica, campioni olimpionici, coreografi di danza contemporanea, musicisti e drammaturghi d’avanguardia in spettacoli iper-tecnologici, le radici di una nuova forma di spettacolo che mischia i diversi linguaggi artistici

Un teatro di strada vitale e una danza contemporanea in pieno sviluppo hanno favorito, negli anni ’80, la nascita del fenomeno nouveau cirque – La sperimentazione continua di artisti come Bidon, Dromesko, Kudlak e Bartabas

Attorno a tre circhi di assoluto livello, L’Americano di Enis Togni, il Medrano dei Casartelli-De Rocchi e il Moira Orfei di Walter Nones, si sono moltiplicate imprese di basso livello che hanno contribuito a disaffezionare il pubblico – È cresciuto invece moltissimo l’interesse per l’arte della pista da parte di uomini del teatro e della cultura, e grazie all’intuito di alcuni operatori culturali anche in Italia si affacciano le prime compagnie di nouveau cirque

Fondato agli inizi degli anni ’80 in Quebec da alcuni ragazzi di origine borghese che importano dalla Francia l’estetica del teatro-circo, il Soleil con i suoi spettacoli follemente barocchi, tecnologicamente avanzati e fortemente influenzati dalle immagini surreali dei video-clip, è arrivato a vendere 20 milioni di biglietti in tutto il mondo

È negli anni ’20, a Mosca, che avviene la rottura dell’orizzonte chiuso e familiare del mondo circense con la creazione della Scuola delle Arti del Circo e del Varietà

Riconosciuto come uno dei più interessanti talenti del teatro inglese anni ’90 e noto in Italia per le messinscene di Shopping and Fucking e, recentemente, di Bagaglio a mano, il giovane autore ci parla del suo metodo di lavoro e delle modalità che regolano la vita professionale dei drammaturghi d’Oltre Manica – Canzoni e un cast numeroso per il suo nuovo testo sulle molly houses nella Londra del ’700

Al Bam di New York il testo di Strindberg, recitato in svedese, in un clima tecnologicamente surreale

AMLETO, di William Shakespeare. Adattamento e regia di Peter Brook. Prod. Théâtre Bouffes du Nord, Parigi.

Ristorante immortale, creato ed interpretato da Paco Gonzalez, Bjorn Leese, Ilka Vierkan, Hajo Schuler, Michael Vogel. Prod. Compagnia Schuler & Vogel, Bochum. Cookin’, Prod. Brodway Asia Company, New York.

Gli ultimi due lavori della Kane, Crave e 4.48 Psychosis, al Royal Court – Fiona Shaw diretta da Deborah Werner affronta l’infanticida di Euripide

Nata quattro anni fa su iniziativa di un gruppo di donne intraprendenti, la rassegna offre uno spaccato della nuova scena magiara

I fondatori del gruppo napoletano, Francesco Saponaro, Antonio Marfella, Alfonso Postiglione e Peppino Mazzotta, sono animati da un autentico spirito collettivo che li porta a scambiarsi continuamente i ruoli di regista, attore e drammaturgo. A unirli è l’amicizia d’antica data, l’ironia pungente e la passione comune per l’indagine nella storia del nostro secolo e per l’impegno civile e politico

Una carriera lunghissima sui palcoscenici, al cinema, alla televisione, da figlio d’arte alla comicità passando per Pirandello, Martoglio, Capuana, i classici, i contemporanei e, all’ultimo, Camilleri

Pro & Contro: L’agenda di Seattle de L’impasto; Ronconi e De Capitani: quattro gemelli milanesi – Il ritorno del Principe Costante – Minetti: un nuovo Bernhard per Tedeschi
[link_critiche]

Tutte le news dall’Italia e dal mondo, i corsi, i premi teatrali

Pubblichiamo di seguito gli interventi di Valeria Ottolenghi e Ugo Ronfani, usciti sul Giornale dello Spettacolo, relativi all’ultimo incontro dell’Associazione Nazionale dei Critici di Teatro

[link_testi]

Giuliana Abbiati, Paola Abenavoli, Giovanni Acerboni, Cristina Argenti, Nicola Arrigoni, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Magda Biglia, Fabrizio Caleffi, Danilo Caravà, Mirella Caveggia, Paola Cinque, Carlotta Clerici, Gigi Cristoforetti, Raffaele De Ritis, Renzia D’Incà, Pierachille Dolfini, Alessandra Galante Garrone, Gastone Geron, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Stefania Maraucci, Massimo Marino, Aurora Marsotto, Antonella Melilli, Francesco Mocellin, Simona Morgantini, Laura Musso Santini, Alessandra Nicifero, Pier Giorgio Nosari, Valeria Ottolenghi, Angelo Pizzuto, Gianni Poli, Carlo Randazzo, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Rosaria Ruffini, Andrea Rustichelli, Sandro Saffeni’s, Alessandro Serena, Francesco Tei, Elio Traina, Giovanna Verna, Emilio Vita.

Le foto dei partecipanti, i vincitori, i partecipanti e le scuole di teatro rappresentate

Cronaca delle audizioni: i tre giorni “di fuoco” di partecipanti e giurati

I Premi della rivista Hystrio ad artisti giovani ma già affermati della scena italiana (categorie interprete, regista, drammaturgia, altre muse) sono stati quest’anno così attribuiti. Premio Hystrio all’interpretazione a Kim Rossi Stuart. Premio Hystrio alla regia a Marco Martinelli. Premio Hystrio alla drammaturgia a Francesco Silvestri Premio Hystrio Altre Muse a Stefano Giunghi

Hanno composto la giuria del Premio Hystrio alla Vocazione: Ugo Ronfani (presidente), Liselotte Agus, Andrea Bisicchia, Giulio Bosetti, Antonio Calenda, Gaetano Callegaro, Corrado d’Elia, Nanni Garella, Sergio Maifredi, Egisto Marcucci, Antonio Syxty, Claudia Cannella (segretaria)

Colui che negli anni Ottanta era ancora considerato un drammaturgo involuto, antiteatrale, sostanzialmente estraneo alla nostra tradizione e al nostro gusto, è stato l’autore straniero e contemporaneo più rappresentato della stagione – Dai primi allestimenti dello Stabile di Bolzano con Galavotti e Schirinzi alle recenti interpretazioni della Nuti, della Moriconi, della Vukotic, di Orsini, Tedeschi e Popolizio – Dopo Ritter Dene eVoss di Cecchi una “via italiana” a Bernhard e, oggi, un dilemma: chi preferire, il sarcastico riformatore del mondo o il solitario drammaturgo del “pensiero del fallimento”?

L’ingiusto processo subito da una bambina di sette anni nel felice romanzo d’esordio di Patrizia Zappa Mulas ambientato fra le pareti di una scuola elementare

Luca Ronconi precisa come sarà il nuovo corso al Piccolo, Andrée Ruth Shammah sogna una sua Città del Teatro e il Comune di Milano detta nuove regole per i teatri convenzionati

Marionette e burattini suggeriscono oggi nuove chiavi di lettura con cui affrontare i problemi fondamentali della scena – La rottura degli schemi tradizionali da parte delle nuove generazioni di teatranti e marionettisti, da Carmelo Bene a Barberio Corsetti e Lepage, da Robert Wilson alla Societas Raffaello Sanzio

Nuovi fermenti nel teatro di figura americano grazie alla fondazione istituita da Jim Henson, il creatore dei Muppets – L’arte astratta di Twist ispirata a Kandinskij e la storia vista dalle donne della Skipitares

L’esilio negli Urali dei burattinai russi ai tempi di zar Obraztsov – Le marionette passionali del georgiano Rezo Gabriadze e un piccolo teatro d’ombre moscovita a conduzione familiare

Microviaggio agli albori dell’animazione, sorella mediatica del teatro di figura – Esordi, personaggi, scuole, nazioni del mondo di cartone

Negli ultimi anni ai due teatri istituzionali di Lubiana e di Maribor si sono aggiunte decine di compagnie indipendenti di marionette – Un panorama vivace anche grazie ai numerosi festival

L’antica arte popolare del teatro di figura arabo ritrova vita grazie alla compagnia egiziana Il Laboratorio di el-Geretly e al drammaturgo marocchino Tayyeb Siddiqi

Risale al XV secolo l’arte tuttora viva del bunraku – Rapporto dialettico fra voce musica e animazione a vista per la messa in scena di testi spettacolari che si sono tramandati da maestro ad allievo

Da Goethe a Rilke, da Hoffmann a Collodi, da Craig a Vitez: piccola antologia di brani dedicati a marionette e burattini

Il festival accoglie a Mosca le migliori compagnie di teatro, danza, opera e animazione del paese – Dalla Vittoria sul sole, celebre pièce futurista rimessa in scena con ironia dal giovane Ponomarev allo shakespeariano Racconto d’inverno con la magnifica compagnia del Malyj di Pietroburgo diretta dall’inglese Donellan

Il Théâtre du Nord-Ouest è gestito da due anni dalla Compagnie de l’Elan senza sovvenzioni statali e rifiutando qualsiasi logica commerciale – Una posizione etico-ideologica forte e un costante riferimento a Stanislavskij alla base dell’impegno del direttore Jeener nella realizzazione di grandi cicli monotematici

Il Piccolo Teatro ha organizzato una serie di iniziative, tra cinema arte e teatro, sulle nuove generazioni della cultura britannica in occasione dell’allestimento diTracce di Anne, testo di Martin Crimp mai rappresentato in Italia e diretto dalla giovane Katie Mitchell

Recentemente è venuto alla luce un testo destinato alla danza – Virgilio Sieni mette in scena Il fiore delle mille e una notte e Davide Bombana firma Teorema per il Maggio Fiorentino

Lirica: Mazepa, Il barbiere di Siviglia, Die Frau ohne Schatten – Nati ieri: gli spettacoli dei giovani gruppi – Amleto: il secondo “sogno” di Tiezzi e la riscrit- tura in siciliano di Lenz e Scaldati – Savinio secondo Ronconi – Gli spettacoli della stagione – Teatroragazzi: Vetrina Europa a Parma
[link_critiche]

Farsa tragicomica in due atti e quattro quadri
[link_testi]

Chiara Angelini, Nicola Arrigoni, Laura Bevione, Emanuela Binello, Fabrizio Caleffi, Nicoletta Campanella, Laura Caretti, Mirella Caveggia, Doretta Cecchi, Carlotta Clerici, Fabio de Agostini, Pierachille Dolfini, Brunella Eruli, Eva Franchi, Michele Galli, Franco Garnero, Gastone Geron, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Cristina Gualandi, Maria Chiara Italia, Stefano Jacini, Giuseppe Liotta, Ilaria Lucari, Lucia Lugaresi, Edi Majaron, Massimo Marino, Laura Meini, Antonella Melilli, Simona Morgantini, Alessandra Nicifero, Pier Giorgio Nosari, Valeria Ottolenghi, Eliana Quattrini, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Monica Ruocco, Bonaventura Ruperti, Aleksandr Sokoljanskij, Francesco Tei, Giovanna Verna.