Brecht e Weill, Brel e Ferré, Piazzolla e il suono del bandoneon, non c’è nulla che non si adatti alla sua duttilissima voce: cittadina del mondo, la cantante tedesca è al traguardo dei cinquant’anni, che festeggia a luglio.

Se per La tempesta erano gli attori della sceneggiata, per La fabbrica dei sogni sono gli abitanti del Dormitorio Pubblico di Napoli a guidare il percorso di costante contaminazione tra esistenza e arte che caratterizza la ricerca del regista napoletano, dai suoi primi passi con la Compagnia LiberaMente, fino alle attuali collaborazioni con lo Stabile e il Festival partenopeo.

Quando uno straordinario talento si unisce alla passione civile, il risultato è Fabrizio Gifuni. Dal talento nel “fare le voci” a Gadda, Pavese e Pasolini, passando per Orazio Costa e Massimo Castri, la lunga carriera dell’attore che voleva fare l’avvocato.

La stagione primaverile parigina favorisce il racconto di avventure umane, prima ancora che teatrali: il dramma dei migranti di Lampedusa e le frontiere incontaminate dello Yukon, evocate da Lina Prosa e Sarah Berthiaume, o ancora la tournée del Théâtre Aftaab, il “Sole” afghano che risplende grazie all’impegno di Ariane Mnouchkine.

Al traguardo del mezzo secolo, la rassegna sembra non voler correre rischi, puntando su grandi produzioni provenienti dagli organismi stabili delle principali città di lingua tedesca. Con un’unica eccezione, Hebbel am Ufer e lo spettacolo Disabled Theater.

La sinergia nata dal progetto europeo Playing Identities è fucina da alcuni anni di fecondi scambi di talenti, come testimonia la collaborazione tra Teatro Era di Pontedera e Teatro Nazionale rumeno di Cluj.

Stefania Del Bravo ci racconta come è riuscita a trasformare l’Istituto Italiano di Cultura, che dirige nella capitale scozzese, in punto informativo e vetrina per il teatro italiano presente al Fringe.

Un pullmann, 28 persone (artisti, critici e operatori) provenienti da 11 paesi europei, 3500 km in otto giorni, sulle strade del Vecchio Continente: questa, in sintesi, la singolare iniziativa itinerante voluta dalla European Theatre Convention, per promuovere il confronto e lo scambio interculturale.

Nel Venezuela nell’indimenticato Chavez il teatro è vissuto come divertimento elitario, sottoposto alle leggi del mercato. Chi la pensa diversamente ne sopporta il peso, come il Festival Internazionale di Teatro, ospitato nei cinque teatri di Caracas e finanziato unicamente dallo Stato di Miranda.

Confinato per secoli nel buio e nel silenzio della platea, il pubblico ha saputo conquistarsi, negli ultimi anni, un ruolo di primo piano nell’economia del sistema-teatro nazionale. Condizionando da vicino le politiche degli operatori e irrompendo nella creazione, programmazione, messinscena e critica degli spettacoli, anche grazie alle nuove opportunità offerte dal web. Conoscere da vicino il fenomeno è, per molti teatri, un modo per uscire dalla crisi e superare l’indifferenza della politica. Come chiede l’Europa.

Il coinvolgimento del pubblico, tanto a livello di condivisione delle politiche quanto di sviluppo delle estetiche, sembra essere, per molti teatri, la via maestra per uscire dalla crisi dei finanziamenti. A patto però di preservare quella che è, per Augè, l’essenza del “luogo teatro”: la relazione.

Dall’Atene del V secolo al Medioevo, dalle feste rinascimentali al teatro elisabettiano, dalla Commedia dell’Arte ai corrales spagnoli, dal teatro illuminista, romantico e poi naturalista, la storia dello spettacolo vive del dissidio insanabile tra quanto avviene sulla scena e ciò che succede in platea. Fino al Futurismo e alla rivoluzione delle avanguardie.

La messa a punto di efficaci strategie di promozione si fonda su un’osservazione partecipata della realtà del pubblico: conoscere a fondo chi consuma teatro e le sue esigenze aiuta ad ampliare le prospettive e a vincere il rischio di autoreferenzialità.

Nonostante la scientificità nella raccolta dei dati, le statistiche elaborate dall’Istat e dalla Siae non riescono ancora a dare una rappresentazione esaustiva dell’offerta teatrale in Italia, indispensabile per orientare le politiche di settore.

Per far fronte alla crisi dei finanziamenti pubblici, molti teatri investono in una nuova e più proficua relazione col proprio pubblico, sfruttando i ritrovati della tecnologia digitale e in linea con le direttive della Commissione Europea.

Fin dalla nascita negli anni Settanta, il teatro ragazzi mantiene un legame stretto con chi lo segue. Anche oggi, nonostante abbia in parte smarrito la carica innovativa, vanta significativi risultati al botteghino e rappresenta un target non trascurabile.

A Milano e a Roma le realtà che operano in zone decentrate e periferiche lavorano per il coinvolgimento del pubblico e il radicamento sul territorio, tra risorse esigue e politiche culturali discontinue.

La moltiplicazione dei target e l’introduzione della cultura d’impresa hanno reso necessario un radicale ripensamento del teatro pubblico italiano, in un’ottica di scambio, partecipazione e condivisione con lo spettatore.

Nell’evoluzione dello spazio teatrale e nel mutare delle tipologie architettoniche si va alla ricerca di un nuovo rapporto tra scena e platea: dai primi tentativi settecenteschi, fino alle più recenti sperimentazioni, il filo conduttore è la trasformazione della relazione con lo spettatore.

A fronte della crisi della regia, del teatro pubblico e della critica, sono sempre più numerosi gli spettacoli che stimolano (e ottengono) la partecipazione del pubblico.

Il pubblico 2.0 va alla ricerca di una sempre maggiore vicinanza all’attore: si moltiplicano gli spettacoli per pochi o per un solo spettatore e fioriscono esperienze che coinvolgono una fruizione sensoriale.

Chi ha maturato una lunga esperienza come critico e operatore sa che un festival può avere un ruolo importante nel sistema teatrale italiano: promuovere giovani artisti, costruire un rapporto più diretto con il pubblico e creare una relazione con il territorio su cui si insedia.

Nonostante la relazione e l’incontro con gli spettatori siano momenti fondanti per il teatro sociale, questo settore fatica a uscire dalla nicchia dell’autoreferenzialità per raggiungere platee ampie e variegate.

Museificazione e rinnovamento, strategie commerciali e inedite forme di comunicazione: il melodramma attraversa una delicata fase di transizione, si reinventa «moderno e popolare» e cerca nuovi fruitori nelle generazioni più giovani.

Da Bèjart in poi, passando per i festival estivi e le nuove compagnie di ricerca, la danza ha saputo sempre rinnovarsi, ogni volta intercettando un pubblico diversificato.

Preparata dalle correnti dada e neodada, la performance inverte i termini della creazione artistica, aprendosi a un confronto diretto e non mediato col pubblico.

Esiste ormai uno scollamento evidente tra lettori-spettatori e critica. Le cause sono molteplici e le responsabilità da ripartire (quasi) equamente. Per la seconda categoria, però, urge una riflessione su temi troppo spesso ignorati, come deontologia professionale e spirito di servizio.

Nelle maggiori città del Vecchio Continente, i teatri cercano strategie per coinvolgere il pubblico. E se a Berlino e a Parigi puntano alla varietà dell’offerta, Londra, Mosca e Barcellona affrontano la crisi attraverso una buona politica dei prezzi.

Dalla ricca panoramica sulle produzioni per bambini di Maggio all’Infanzia e Puglia Showcase Kids emerge l’esplicita tendenza delle compagnie ad affrontare temi “tabù”: se per il Teatro delle Briciole sono i vecchi, per Sud Costa Occidentale è l’omosessualità.

Il binomio Mozart-Daponte trova nuovo vigore a Parigi e a Bruxelles, con le regie di Braunschweig e Haneke. Se Don Giovanni è visto dagli occhi (invidiosi) di Leporello, nel Così fan tutte di Haneke è l’eccesso della Ragione a ridurre gli uomini in macerie.

Inscindibile binomio, con Dario Fo Franca Rame ha condiviso tutto: passione politica, lavoro, amore, palcoscenico, accuse e censure, assumendo il ruolo pragmatico e intraprendente nella coppia più nota del teatro italiano.

Ci ha lasciato una grande interprete, che ha segnato, col suo carisma, 60 anni di spettacolo, volto e voce dei maggiori drammaturghi classici e moderni, da Bontempelli e Betti a Brusati, Beckett e Albee, fino al “suo” Brancati.

Fu convinta a entrare in Accademia da De Lullo e divenne parte fondamentale del sodalizio trentennale della Compagnia dei Giovani, distinguendosi nel repertorio classico, ma soprattutto contemporaneo, da Pirandello a Fabbri (che per lei scrisse La bugiarda) e Patroni Griffi.

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Di casa a Bruxelles con la sua Compagnia Rosas, la danzatrice allieva di Béjart, è in arrivo a Torino Danza. Nelle sue coreografie la musica, da Bach a Steve Reich, e i movimenti si fondono in una raffinata partitura.

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Ha debuttato nel 1947 al Piccolo Teatro e nello stesso teatro è stato incoronato da un Premio Ubu nel 2011. Attore fra i prediletti da Visconti, Strehler e Patroni Griffi, ha cominciato a recitare nei campi di prigionia tedeschi durante la seconda guerra mondiale.

Interprete e regista, fra i principali promotori del Festival di Avignone, Vilar fu direttore del Théâtre National Populaire dal 1951 al 1963. Diceva che il teatro è un servizio pubblico come il gas, la luce, l’acqua; mise in scena, secondo l’idea di regia critica, i grandi classici e i contemporanei, e formò una generazione di grandi attori, tentando la strada di un teatro d’arte universale e popolare.

Tre decenni di vita e d’arte, un importante traguardo per la compagnia cagliaritana di Giancarlo Biffi, Pierpaolo Piludu e Alessandro Lay: la centralità dell’attore, l’interesse per la narrazione orale, per le “lingue” intese come linguaggio scenico sono il fulcro di una ricerca che guarda alla realtà presente senza perdere la propria specifica di teatro popolare.

Renato Cuocolo e Roberta Bosetti vivono e lavorano insieme dal 1996. Le loro performance partono sempre dall’esperienza autobiografica dei luoghi in cui si svolgono (case, alberghi) e delle storie, perché raccontando sé l’attore cerca l’empatia col pubblico e mostra ciò che non è addomesticabile all’interno della domesticità.

Ha festeggiato l’ottantesimo compleanno, Moira Orfei, eterna regina del circo, domatrice di animali e di uomini. Trapezista e nomade, ma anche attrice e signora borghese.

Dai primi Misteri quattrocenteschi alla consacrazione nei testi di Dumas e Schiller, Giovanna d’Arco sembra un personaggio nato per la scena, ispirando in sei secoli numerose versioni della sua vicenda.

La guerra e una visione poetica della diversità sono al centro degli spettacoli di Balletto Civile/CasArsA e Teatro La Ribalta, vincitori della prima edizione di My Dream, premio realizzato a Torino dalle Fondazioni Crt e Tpe, per promuovere l’inclusione attraverso l’arte, non solo come terapia ma come professione.

Un’adolescenza fin troppo normale, nella provincia milanese anni ’80, fra libri, film in oratorio e scuola di danza. Poi la Paolo Grassi, con due bocciature, nessun diploma, ma molti maestri veri: Kuniaki Ida, Renata Molinari, Baliani, Corsetti, Castellucci, Martinelli (Marco e Renzo), la gavetta, il lavoro duro e finalmente, nel 2011, i maggiori riconoscimenti.

Teatro di figura, mimo, ma soprattutto circo, classico e nouveau, dominano la scena al Mime Festival, dedicato al visual theatre, con compagnie provenienti da Australia, Belgio, Francia, Giappone, Spagna, Svizzera e Gran Bretagna. Poca la danza, con la grande eccezione di Hiroaki Umeda.

Dopo sei anni, Brigitte Fürle lascia la direzione della rassegna e traccia un bilancio sugli esiti delle sue scelte artistiche, sul rapporto con il pubblico e con la città, togliendosi anche qualche sassolino dalla scarpa.

Spira un clima di tetra rassegnazione nell’inverno delle scene parigine, dove Frank Castorf, Laurent Brethome e Krystian Lupa evocano le radici antiche e le ben più attuali degenerazioni della società contemporanea.

Un viaggio sulle scene della capitale danese per conoscerne il fermento, i luoghi, le sperimentazioni e i grandi maestri contemporanei.

Sulle scene del Satirikon e dello Studio di Arte Teatrale trionfano due originali riletture dei due grandi autori russi, con attori giovanissimi che cantano, raccontano, recitano in prosa e in versi.

Tra ricostruzioni storiche e preoccupazioni ambientaliste, tragiche assenze e ritorni (im)possibili, al festival Montréal en Lumière la neve è protagonista incontrastata della drammaturgia canadese contemporanea: come nel teatro di Morris Panych, al quale la rassegna tributa un posto d’onore.

Cent’anni senza Strindberg. Il secolo passato da quel 14 maggio 1912, diviene quindi occasione ideale per ripensarne ruolo e importanza, sia come drammaturgo che come personalità d’artista profondamente radicato nello spirito del suo tempo, a stretto contatto con avanguardie e talenti d’inizio secolo, europeista ante litteram, innamorato di filosofia e psicanalisi. Dall’uomo all’arte il passo è breve. E ci si imbatte così in una scrittura spietata nell’analisi delle dinamiche di coppia e familiari. Ma, soprattutto, in un autore dalla modernità (s)conosciuta, capace di ispirazioni curiose e, alla prova del tempo, molto più contemporaneo di tanti altri scandinavi.

Molte e contraddittorie sono le etichette che i decenni e le mode hanno appiccicato al drammaturgo svedese. Nel centenario della morte, un tentativo di tracciarne finalmente un ritratto senza ombre, analitico e fedele.

La scoperta delle saghe nordiche e delle correnti critiche dei salotti svedesi, le riflessioni su misticismo e psicanalisi, fino all’amatissimo Kierkegaard o all’amicizia con Edvard Munch. La formazione (e la vita) di Strindberg rivelano un artista indelebilmente segnato dallo Zeitgeist di inizio Novecento.

Nessuna certezza. Nessuna stabile sicurezza su cui poggiare relazioni, passioni, paternità. Il mondo femminile descritto dallo svedese è un detonatore per la (sempre) fragilissima psiche maschile. Tanto da spingere le celebri donne-vampiro strindberghiane ad acquisire sfumature proto-femministe. Al contrario di un Ibsen solo dalla storia ricordato come paladino dei diritti delle donne. Quando invece sotto sotto…

Non soltanto drammaturgo ma altresì “regista”, l’artista svedese consegnò alle lettere inviate agli interpreti delle sue opere la sua personalissima “pedagogia” d’attore.

Crisi isteriche e manifestazioni surrealiste, recensioni violentissime e perfino l’accusa d’essere sensibile alla causa del Partito Socialdemocratico tedesco. Non facile la vita per il giovane August Strindberg, fra (auto)esili europei e sogni di gloria. Un “provocatore”. Ma presto in ascesa inarrestabile. La cui eredità nel Novecento si muove dai lavori degli americani (O’Neill, Williams, Albee) fino alla glaciale bellezza del compatriota Norén.

Fra mattatori e grandi registi, pochi i titoli privilegiati e visitati con assiduità – dal Padre a Danza di morte – ma anche la proposta di poco conosciuti atti unici e il tentativo di offrire letture inedite e attuali.

Sarà per la bellezza di quel personaggio femminile così tormentato. O per l’aura di scandalo che da sempre l’accompagna. Sta di fatto che La signorina Giulia è il testo di Strindberg più frequentato in Italia. Una fascinazione che parte da lontano, qui ripercorsa per critiche e allestimenti. Con il pubblico a storcere il naso a lungo, fino a quando Visconti e (soprattutto) Bergman iniziano a mettere a posto un paio di cose. Ed è il successo.

Strindberg? Un espressionista del teatro. E la sua Signorina Giulia “nient’altro” che una grande metafora del mondo (e del potere). Queste le ragioni alla base di un colpo di fulmine. Capita a Gabriele Lavia, regista italiano atipico nell’aver frequentato con assiduità l’autore scandinavo.

Gli editori italiani mostrarono subito grande interesse per il teatro di Strindberg, ma bisognerà attendere il secondo dopoguerra perché l’opera dello svedese ottenga quell’attenzione di critica, teatranti e lettori che i pionieri di fine Ottocento auspicavano.

Difficile delineare una precisa eredità strindberghiana al cinema. Perfino in area scandinava, (non) luogo che tutto confonde. Ma, in decine di opere pochissimo fedeli alle drammaturgie originali, spesso si notano invece influenze profonde su tematiche e atmosfere. Che sia Hollywood o il maestro Ingmar Bergman. Non ultimi i “ragazzi terribili” riunitisi a Copenhagen intorno a Lars von Trier.

Genio, divo della scena, poeta e cialtrone, a dieci anni dalla scomparsa, Carmelo Bene non può essere dimenticato. Con tutte le sue contraddizioni e senza inutili bilanci, va solo visto e ascoltato ancora.

Dal “ghirigoro insensato” de La caserma delle fate ai grandi Shakespeare rivistati con segno aspro e pungente, Cobelli non passò mai inosservato, perseguendo fino all’ultimo la sua utopia del teatro.

All’artista, brasiliano di nascita e olandese d’adozione, fare solo l’attore non bastava. E così ha imparato a espandere il proprio corpo nei pupazzi di gommapiuma che in scena fa danzare, raccontare, trasformarsi in attori e personaggi a cui infondere vita.

Dalla Socìetas Raffaello Sanzio a Emma Dante, non sono molti gli artisti del teatro di ricerca che si sono cimentati col teatro per l’infanzia negli ultimi vent’anni: ingiustamente ritenuto “genere minore”, offre invece molto materiale alla sperimentazione, come dimostra il recente impegno del Teatro delle Briciole con Babilonia Teatri e Teatro Sotterraneo.

«Dalla finestra di casa mia si vedevano rovine e vecchi acquedotti romani. Ho sempre convissuto con i resti dell’antico», racconta Claudia Sorace, regista del gruppo che così spiega il nome latino, indicativo di una precisa poetica, che caratterizza il lavoro del gruppo romano da (a+b)3 fino al più recente progetto Displace.

Le recensioni
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L’attualità del mondo del teatro

 

Paola Abenavoli, Roberto Alonge, Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Giulia Capodieci, Tommaso Chimenti, Massimo Ciaravolo, Jorgen Stender Clausen, Lucia Cominoli, Veronica Cruciani, Massimo Dezzani, Giorgio Finamore, Renzo Francabandera, Pierfrancesco Giannangeli, Filippa ilardo, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Björn Meidal, Antonella Melilli Rossi, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Franco Perrelli, Gianni Poli, Maurizio Porro, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Giorgio Scianna, Francesco Tei, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Mattia Visani, Giusi Zippo.