Giunto a Roma per accompagnare The Coast of Utopia, il 75enne drammaturgo inglese ci parla di ciò che gli sta più a cuore oggi, della sorte dei dissidenti in Bielorussia e del gruppo teatrale che ne è la bandiera: il Belarus Free Theatre.

Che sia Macbeth o il Dottor Freiss, che sia diretto da Santagata o da Soldini, Giuseppe Battiston non perde occasione di dimostrare un talento straordinario nel dare corpo e voce a storie e personaggi scelti con grande consapevolezza.

Un inesauribile dinamismo emerge dal lavoro del gruppo cesenate, che festeggia i suoi primi due decenni di attività. Laboratori, incontri, fotografia e radio, libri, riviste, giochi enigmistici, tutto è parte della loro desiderante ricerca, delle loro enigmatiche, inafferrabili rappresentazioni.

Inglese di formazione parigina, Simon McBurney, insieme al suo gruppo, attraversa la scena da trent’anni con immutata energia. La sua è una poetica fatta di passione per le storie, forte impatto visivo, largo spazio alla creatività dell’attore, e gli è valsa molti riconoscimenti, ultimo dei quali il ruolo di Artista Associato presso il Festival di Avignone 2012.

Dal Giappone post-atomico alle township sudafricane, la drammaturgia francese contemporanea viaggia sull’onda di ricordi incancellabili e di un futuro incerto, riscoprendo la necessità di vivere intensamente l’immediatezza del presente, guidata dalla scrittura di Peter Brook e Marguerite Duras, Julio Cortázar e Carol Dunlop.

Al Kunstenfestivaldesartes sono molti gli spettacoli che hanno visto in scena i giovanissimi, alle prese con la scuola, la guerra, le storie degli adulti, vittime e protagonisti dell’oggi con lo sguardo rivolto al domani.

Il congresso biennale dell’Associazione Internazionale Critici di Teatro è l’occasione per dare uno sguardo ai cartelloni dei maggiori teatri della città polacca: spiccano un Teorema pasoliniano, versione di Grzegorz Jarzyna, la visione del futuro secondo Komuna Warszawa e l’Oreste punk di Marcin Liber.

Il cambio di direzione artistica per i Theatertreffen segna la “nuova onda” berlinese: tra regie collettive, equilibrio fra classici e contemporanei e spettacoli-fiume, il festival sembra scostarsi dal modello di “vetrina di beni di lusso” per affermarsi anche come luogo di incontro, formazione e dibattito.

Si punta sul circo e sugli ospiti internazionali nel Festival Iberoamericano di Teatro, alla ricerca di “normalità” ma anche di un’identità culturale difficile per una delle città più violente del pianeta.

Quando le parole si fondono nelle azioni Due grandi passioni: lo sport e le lettere. Con Maratona di New York Erba inventa un modo nuovo di parlare dello sport in scena, dove la drammaturgia nasce e si intreccia con l’esperienza atletica.

La cerimonia inaugurale delle Olimpiadi di Londra 2012, affidata a Danny Boyle, e la maratona dedicata a Shakespeare non fanno che ribadire un rapporto consolidato nel tempo. Per certi versi simili, teatro e sport hanno intrecciato i loro percorsi in una serie di appuntamenti che ha scandito la storia dello spettacolo dal vivo.

Esempio storico del teatro di narrazione, Italia-Brasile 3 a 2 ha acquisito una dimensione epica grazie alla capacità di attingere a un serbatoio di eventi popolari, radicati nella memoria collettiva.

Le somiglianze tra sport e teatro a livello di pubblico e di interprete hanno da sempre stimolato la riflessione di artisti e intellettuali: ne sono un esempio Zacconi, Barthes e Pasolini.

Dalla fascinazione per il calcio al dramma dell’epilessia, fino al ritorno in campo e alla scoperta del teatro: così Marco Martinelli racconta la nascita della non-scuola del Teatro delle Albe. In nome dell’infanzia.

Attento ai fenomeni sociali del nostro tempo, il teatro di narrazione si è servito spesso dello sport. Raccontando la biografia dei campioni o la vita quotidiana che scorre intorno ai grandi eventi sportivi. In senso spesso autobiografico.

Sono sempre più numerose le comparsate del teatro in stadi, palazzetti e arene. Ma dove finiscono le esigenze di regia e inizia la ricerca spassionata di consenso (economico)?

La tecnica di Georges Carpentier, il “metodo naturale” di allenamento lanciato da Hérbert, la mediazione di Decroux e Copeau: il rapporto tra training teatrale e atletico è la storia di un incontro a lungo preparato. Nel segno di Stanislavskij.

Virtuosi del corpo, animali e clown: la storia del rapporto tra circo e sport è costellata di tanti episodi e affonda le sue radici nella notte dei tempi. Con la benedizione del barone De Coubertin.

Da Sport di Manzotti-Marenco a Jeux di Nijinsky e Troy Game di Robert North: lungo viaggio fra i capolavori del balletto classico dedicati allo sport.

Il teatro? Uno sport da ragazzi Alpinismo, ciclismo, automobilismo, calcio, basket, nuoto: gli sport più amati dagli italiani in dieci anni di teatro ragazzi. In nome della crescita individuale e contro la competizione.

Memori degli ideali del barone De Coubertin, le Cerimonie Olimpiche moderne conservano un legame forte e imprescindibile col rito, costituendo una summa di tutte le tradizioni teatrali. A dispetto del business.

Lavorare coi pupazzi per l’artista australiano significa andare alle radici del teatro e alla ricerca dello spettatore, per metterlo di fronte a paure e sogni, bisogni e desideri, personificati e resi umani dalla materia dei suoi personaggi.

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Hanno collaborato: Ilaria Angelone, Laura Bevione, Fabrizio Sebast ian Calef f i, Lucia Cominoli, Emilio Nigro, Marta Vitali.

Ha debuttato nel 1947 al Piccolo Teatro e nello stesso teatro è stato incoronato da un Premio Ubu nel 2011. Attore fra i prediletti da Visconti, Strehler e Patroni Griffi, ha cominciato a recitare nei campi di prigionia tedeschi durante la seconda guerra mondiale.

Interprete e regista, fra i principali promotori del Festival di Avignone, Vilar fu direttore del Théâtre National Populaire dal 1951 al 1963. Diceva che il teatro è un servizio pubblico come il gas, la luce, l’acqua; mise in scena, secondo l’idea di regia critica, i grandi classici e i contemporanei, e formò una generazione di grandi attori, tentando la strada di un teatro d’arte universale e popolare.

Tre decenni di vita e d’arte, un importante traguardo per la compagnia cagliaritana di Giancarlo Biffi, Pierpaolo Piludu e Alessandro Lay: la centralità dell’attore, l’interesse per la narrazione orale, per le “lingue” intese come linguaggio scenico sono il fulcro di una ricerca che guarda alla realtà presente senza perdere la propria specifica di teatro popolare.

Renato Cuocolo e Roberta Bosetti vivono e lavorano insieme dal 1996. Le loro performance partono sempre dall’esperienza autobiografica dei luoghi in cui si svolgono (case, alberghi) e delle storie, perché raccontando sé l’attore cerca l’empatia col pubblico e mostra ciò che non è addomesticabile all’interno della domesticità.

Ha festeggiato l’ottantesimo compleanno, Moira Orfei, eterna regina del circo, domatrice di animali e di uomini. Trapezista e nomade, ma anche attrice e signora borghese.

Dai primi Misteri quattrocenteschi alla consacrazione nei testi di Dumas e Schiller, Giovanna d’Arco sembra un personaggio nato per la scena, ispirando in sei secoli numerose versioni della sua vicenda.

La guerra e una visione poetica della diversità sono al centro degli spettacoli di Balletto Civile/CasArsA e Teatro La Ribalta, vincitori della prima edizione di My Dream, premio realizzato a Torino dalle Fondazioni Crt e Tpe, per promuovere l’inclusione attraverso l’arte, non solo come terapia ma come professione.

Un’adolescenza fin troppo normale, nella provincia milanese anni ’80, fra libri, film in oratorio e scuola di danza. Poi la Paolo Grassi, con due bocciature, nessun diploma, ma molti maestri veri: Kuniaki Ida, Renata Molinari, Baliani, Corsetti, Castellucci, Martinelli (Marco e Renzo), la gavetta, il lavoro duro e finalmente, nel 2011, i maggiori riconoscimenti.

Teatro di figura, mimo, ma soprattutto circo, classico e nouveau, dominano la scena al Mime Festival, dedicato al visual theatre, con compagnie provenienti da Australia, Belgio, Francia, Giappone, Spagna, Svizzera e Gran Bretagna. Poca la danza, con la grande eccezione di Hiroaki Umeda.

Dopo sei anni, Brigitte Fürle lascia la direzione della rassegna e traccia un bilancio sugli esiti delle sue scelte artistiche, sul rapporto con il pubblico e con la città, togliendosi anche qualche sassolino dalla scarpa.

Spira un clima di tetra rassegnazione nell’inverno delle scene parigine, dove Frank Castorf, Laurent Brethome e Krystian Lupa evocano le radici antiche e le ben più attuali degenerazioni della società contemporanea.

Un viaggio sulle scene della capitale danese per conoscerne il fermento, i luoghi, le sperimentazioni e i grandi maestri contemporanei.

Sulle scene del Satirikon e dello Studio di Arte Teatrale trionfano due originali riletture dei due grandi autori russi, con attori giovanissimi che cantano, raccontano, recitano in prosa e in versi.

Tra ricostruzioni storiche e preoccupazioni ambientaliste, tragiche assenze e ritorni (im)possibili, al festival Montréal en Lumière la neve è protagonista incontrastata della drammaturgia canadese contemporanea: come nel teatro di Morris Panych, al quale la rassegna tributa un posto d’onore.

Cent’anni senza Strindberg. Il secolo passato da quel 14 maggio 1912, diviene quindi occasione ideale per ripensarne ruolo e importanza, sia come drammaturgo che come personalità d’artista profondamente radicato nello spirito del suo tempo, a stretto contatto con avanguardie e talenti d’inizio secolo, europeista ante litteram, innamorato di filosofia e psicanalisi. Dall’uomo all’arte il passo è breve. E ci si imbatte così in una scrittura spietata nell’analisi delle dinamiche di coppia e familiari. Ma, soprattutto, in un autore dalla modernità (s)conosciuta, capace di ispirazioni curiose e, alla prova del tempo, molto più contemporaneo di tanti altri scandinavi.

Molte e contraddittorie sono le etichette che i decenni e le mode hanno appiccicato al drammaturgo svedese. Nel centenario della morte, un tentativo di tracciarne finalmente un ritratto senza ombre, analitico e fedele.

La scoperta delle saghe nordiche e delle correnti critiche dei salotti svedesi, le riflessioni su misticismo e psicanalisi, fino all’amatissimo Kierkegaard o all’amicizia con Edvard Munch. La formazione (e la vita) di Strindberg rivelano un artista indelebilmente segnato dallo Zeitgeist di inizio Novecento.

Nessuna certezza. Nessuna stabile sicurezza su cui poggiare relazioni, passioni, paternità. Il mondo femminile descritto dallo svedese è un detonatore per la (sempre) fragilissima psiche maschile. Tanto da spingere le celebri donne-vampiro strindberghiane ad acquisire sfumature proto-femministe. Al contrario di un Ibsen solo dalla storia ricordato come paladino dei diritti delle donne. Quando invece sotto sotto…

Non soltanto drammaturgo ma altresì “regista”, l’artista svedese consegnò alle lettere inviate agli interpreti delle sue opere la sua personalissima “pedagogia” d’attore.

Crisi isteriche e manifestazioni surrealiste, recensioni violentissime e perfino l’accusa d’essere sensibile alla causa del Partito Socialdemocratico tedesco. Non facile la vita per il giovane August Strindberg, fra (auto)esili europei e sogni di gloria. Un “provocatore”. Ma presto in ascesa inarrestabile. La cui eredità nel Novecento si muove dai lavori degli americani (O’Neill, Williams, Albee) fino alla glaciale bellezza del compatriota Norén.

Fra mattatori e grandi registi, pochi i titoli privilegiati e visitati con assiduità – dal Padre a Danza di morte – ma anche la proposta di poco conosciuti atti unici e il tentativo di offrire letture inedite e attuali.

Sarà per la bellezza di quel personaggio femminile così tormentato. O per l’aura di scandalo che da sempre l’accompagna. Sta di fatto che La signorina Giulia è il testo di Strindberg più frequentato in Italia. Una fascinazione che parte da lontano, qui ripercorsa per critiche e allestimenti. Con il pubblico a storcere il naso a lungo, fino a quando Visconti e (soprattutto) Bergman iniziano a mettere a posto un paio di cose. Ed è il successo.

Strindberg? Un espressionista del teatro. E la sua Signorina Giulia “nient’altro” che una grande metafora del mondo (e del potere). Queste le ragioni alla base di un colpo di fulmine. Capita a Gabriele Lavia, regista italiano atipico nell’aver frequentato con assiduità l’autore scandinavo.

Gli editori italiani mostrarono subito grande interesse per il teatro di Strindberg, ma bisognerà attendere il secondo dopoguerra perché l’opera dello svedese ottenga quell’attenzione di critica, teatranti e lettori che i pionieri di fine Ottocento auspicavano.

Difficile delineare una precisa eredità strindberghiana al cinema. Perfino in area scandinava, (non) luogo che tutto confonde. Ma, in decine di opere pochissimo fedeli alle drammaturgie originali, spesso si notano invece influenze profonde su tematiche e atmosfere. Che sia Hollywood o il maestro Ingmar Bergman. Non ultimi i “ragazzi terribili” riunitisi a Copenhagen intorno a Lars von Trier.

Genio, divo della scena, poeta e cialtrone, a dieci anni dalla scomparsa, Carmelo Bene non può essere dimenticato. Con tutte le sue contraddizioni e senza inutili bilanci, va solo visto e ascoltato ancora.

Dal “ghirigoro insensato” de La caserma delle fate ai grandi Shakespeare rivistati con segno aspro e pungente, Cobelli non passò mai inosservato, perseguendo fino all’ultimo la sua utopia del teatro.

All’artista, brasiliano di nascita e olandese d’adozione, fare solo l’attore non bastava. E così ha imparato a espandere il proprio corpo nei pupazzi di gommapiuma che in scena fa danzare, raccontare, trasformarsi in attori e personaggi a cui infondere vita.

Dalla Socìetas Raffaello Sanzio a Emma Dante, non sono molti gli artisti del teatro di ricerca che si sono cimentati col teatro per l’infanzia negli ultimi vent’anni: ingiustamente ritenuto “genere minore”, offre invece molto materiale alla sperimentazione, come dimostra il recente impegno del Teatro delle Briciole con Babilonia Teatri e Teatro Sotterraneo.

«Dalla finestra di casa mia si vedevano rovine e vecchi acquedotti romani. Ho sempre convissuto con i resti dell’antico», racconta Claudia Sorace, regista del gruppo che così spiega il nome latino, indicativo di una precisa poetica, che caratterizza il lavoro del gruppo romano da (a+b)3 fino al più recente progetto Displace.

Le recensioni
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L’attualità del mondo del teatro

 

Paola Abenavoli, Roberto Alonge, Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Giulia Capodieci, Tommaso Chimenti, Massimo Ciaravolo, Jorgen Stender Clausen, Lucia Cominoli, Veronica Cruciani, Massimo Dezzani, Giorgio Finamore, Renzo Francabandera, Pierfrancesco Giannangeli, Filippa ilardo, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Björn Meidal, Antonella Melilli Rossi, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Franco Perrelli, Gianni Poli, Maurizio Porro, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Giorgio Scianna, Francesco Tei, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Mattia Visani, Giusi Zippo.

Il fondatore e leader dell’Odin Teatret fa un bilancio e traccia le prospettive di una compagnia che sta per compiere mezzo secolo. Cardini del suo teatro le relazioni tra persone, il “baratto”interculturale e il valore della memoria.

Per la Biennale Teatro il direttore Álex Rigola e il presidente Paolo Baratta hanno puntato sui campioni della regia contemporanea: Thomas Ostermeier, Jan Fabre, Jan Lauwers, Ricardo Bartís, Romeo Castellucci, Rodrigo García, Calixto Bieito e Stefan Kaegi. Ma in quanti modi, contemporaneamente, si può essere registi?

Dall’adolescenza inquieta al debutto cinematografico con il padre Vittorio che lo sprona, fino alla decisione consapevole di fare l’attore. Gli incontri teatrali fondamentali con Ronconi, Mauri, Quartullo, Longoni che crea la coppia Gassman-Tognazzi. Dal 2012 si dedica anche alla regia e dal 2006 alla direzione di prestigiosi teatri, dallo Stabile d’Abruzzo a quello del Veneto.

Una danza, la sua, vicina e lontana da ogni luogo: da Buenos Aires, dove è nata, come da Berlino, dove vive, dopo essere passata per New York e Amsterdam.

I teatranti meneghini attendono con una certa ansia le prime mosse della Giunta Pisapia. E intanto scoprono che punto di riferimento (politico) per lo spettacolo dal vivo sarà di nuovo Antonio Calbi. Chiacchierata informale su una città che finge di credersi capitale dell’arte, ma che in realtà si scopre con le spalle strette. E qualche problema di troppo con cui fare i conti.

A zonzo tra le “prime” più intriganti in scena nella capitale tedesca: Kafka secondo Erpulat, l’Onegin di Hermanis e le ultime fatiche di Schimmelpfennig e Macras.

Sulle rive del Tamigi, il clima grigio degli ultimi tempi ispira meditazioni sul significato della violenza. Al Lyric Hammersmith, al Barbican Centre e allo Shoreditch Town Hall, tre spettacoli made in Britain affrontano il tema da punti di vista differenti.

Tema ricorrente, all’ultima edizione dell’Ulster Bank Dublin Theatre Festival, è stato il tentativo, soprattutto da parte di gruppi emergenti, di fare i conti con un capitolo nero della storia nazionale, quello degli abusi su donne e minori perpetrati all’interno di istituzioni statali ed ecclesiastiche.

L’ultima edizione del Festival Internazionale di Vilnius prende le mosse da un duplice intento: consacrare le migliori proposte nazionali dell’ultima stagione (Koršunovas, Varnas, Giniotis, Areima)  e ospitare artisti stranieri in grado di fondere il teatro tradizionale con le arti visive (Gob Squad, Muta Imago, HOPPart, Kristian Smeds).

L’edizione 2011 della rassegna polacca si è concentrata sul tema dell’“inconsueto” nel teatro contemporaneo. Molte le proposte che hanno messo alla prova il pubblico: da quelle dei “nostri” Emma Dante e Romeo Castellucci a quelle di Krystian Lupa e Ivo van Hove.

La Repubblica Ceca, nota soprattutto per il teatro di figura, è sempre più presente nei festival di molti Paesi, grazie anche all’opera di promozione dell’Istituto delle Arti e del Teatro, mentre nuovi, interessanti drammaturghi si affacciano sulla scena internazionale.

Nella capitale lettone un festival ha riunito le nuove proposte delle regioni baltiche. Ma, tra kolossal e progetti velleitari, l’unico a non tradire le attese è stato Alvis Hermanis.

Ballando con Dada, ultimo spettacolo dell’artista sudafricano, è una miscela complessa di immagini, suoni, pensieri, cinema, danza e testo.

La storia di un avvicinamento al teatro nipponico che parte da libri suggestivi e arriva alla sacralità delle messinscene. Un viaggio attraverso il mistero del butō, le maschere “magiche” del teatro nō e le appassionanti vicende del kabuki.

Nonostante la crisi, negli ultimi anni il governo giapponese ha investito miliardi di yen per la crescita del settore artistico-culturale. E cresce anche l’impegno per un recupero dell’identità nazionale e delle culture regionali, a scapito delle troppe influenze da parte dell’Occidente.

Luoghi, periodi, orari degli spettacoli, prezzi dei biglietti: usi, costumi, consuetudini e partecipazione del pubblico nel teatro giapponese oggi.

Tradizione non ¨¨ sinonimo di immobilit¨¤. Il teatro tradizionale giapponese pi¨´ antico, il n¨­, ¨¨ al contempo un modello da preservare e l¡¯origine di numerose sperimentazioni teatrali che hanno unito le scene di Oriente e Occidente e reso possibile il connubio tra passato, presente e futuro. Con tre domande al maestro Umewaka Naohiko.

Con il super kabuki Ennosuke III declina al presente il passato. Rinnovando il mondo del kabuki, Ennosuke III propone una filosofia teatrale che affonda le radici nella consapevolezza della necessità del rinnovamento per conservare la tradizione.

Nell’universo del teatro giapponese la forma più illustre, elevata e complessa di teatro di figura è senza dubbio il bunraku. Lo spettatore viene travolto, nell’acme dell’azione drammatica, da passioni e sentimenti di umana intensità.

Da anni alcuni attori kyôgen di nuova generazione non si limitano a conservare lo stile di recitazione classico come un tesoro prezioso da tutelare, ma cercano di ritrovarne il valore universale mettendolo a confronto con varie forme di teatro tradizionale e contemporaneo.

Il but¨­ di Hijikata Tatsumi e ¨­no Kazuo: la luce e l¡¯ombra della danza delle tenebre. In scena un corpo totale che ¨¨ scultura modellata dal tempo e magazzino di una memoria dell¡¯universo.

Avanguardia estrema, nata sull’asciuttezza terrigna del corpo giapponese, il butô ha messo radici profonde anche in Europa. Le esperienze, tra gli altri, di Carlotta Ikeda, Amagatsu Ushio, Iwana Masaki, Murobushi Kô, Kasai Akira, Alessandro Pintus, Onishi Sayoko.

Suzuki Tadashi, fondatore del metodo che porta il suo nome, ricerca strenuamente la perfezione, senza lasciare nulla al caso. Il suo teatro è fatto di responsabilità, fatica, umiltà.

Il lavoro di Teshigawara Sabur¨­, il pi¨´ importante danzatore contemporaneo giapponese, ¨¨ un¡¯interrogazione rivolta allo sguardo. Per lui coreografare significa dare forma allo spazio che si disegna nella periferia dei corpi.

Teatro e danza contemporanei: il gioco tra corpo e parola dal caleidoscopio multimediale all’intreccio fra le discipline. Le sperimentazioni, tra gli altri, di Dumb Type, Chelfitsch, Ishinha, Hirata Oriza, Gekidan Kaitaisha.

In Giappone la parola recitata da un artista veicola emozioni e informazioni anche senza l’apporto di elaborati attrezzi di scena. Un teatro di narrazione che dal X secolo arriva fino ai giorni nostri.

Della prolifica produzione teatrale di Mishima Yukio solo quest’opera ha avuto una certa fortuna scenica in Italia. Gli allestimenti di Tito Piscicelli, Ferdinando Bruni, Andrea Adriatico, Piero Ferrarini e Massimo Castri.

Al festival piemontese di teatro di figura si celebra l’anniversario dell’Unità d’Italia, ma si raccontano pure storie universali, tenute insieme dal fil rouge dello stupore e della meraviglia. Tra i protagonisti Clair de Lune Théâtre, Giulio Molnàr, Les Sager Fous, Antonio Panzuto e gli storici Bread and Puppet.

L’autunno del teatro ragazzi anche quest’anno è passato per Segni d’Infanzia e Zona Franca. Se il primo festival ha privilegiato le giovani compagnie italiane, il secondo ha puntato sulle infinite declinazioni della fiaba.

Nata nel profondo Nord Est, la compagnia di Castelfranco Veneto ha nel sangue la passione per l’arte figurativa e l’attenzione ai linguaggi contemporanei. Studio, visione e tempi prolungati sono le loro parole d’ordine, sia nella produzione di spettacoli che nella gestione di spazi teatrali.

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Ha debuttato nel 1947 al Piccolo Teatro di Milano e nello stesso teatro è stato incoronato da un Premio Ubu nel 2011. Attore fra i prediletti da Visconti, Strehler e Patroni Griffi, ha cominciato a recitare nei campi di prigionia tedeschi durante la seconda guerra mondiale.

Pioniere selvaggio di un teatro di cui è protagonista con i suoi magici cavalli, l’artista francese racconta il suo nuovo spettacolo, nato dall’incontro con il danzatore Morobushi e con I Canti di Maldoror di Lautréamont.

Isabella Ragonese, trent’anni, formazione teatrale e successo cinematografico è approdata di recente anche in tv. Ma il primo amore non si scorda mai…

Partendo da un lungo lavoro di interviste sul campo, Gigi Gherzi e Pietro Floridia compongono di emozioni, di storie. Per parlare di disagio ogni sera con il pubblico una mappa della città, di luoghi, e di normalità in metropoli sempre più competitive.

I protagonisti della giovane scena/37– Alla finale della 13a edizione del più importante premio dedicato alla giovane scena italiana spicca il tema della precarietà generazionale, ma anche le contaminazioni fra diversi linguaggi e l’impegno politico e civile. Vincono Infactory di Matteo Latino e Due passi sono di Carullo-Minasi. Ma è lo spirito – costruttivo, solidale ed entusiasta – che fa di questo progetto uno strumento di scandaglio unico nel panorama nazionale.

Malesseri esistenziali e incontri-scontri tra generazioni, popoli e sensibilità dominano il cartellone del più importante festival d’Oltralpe. Mouawad, Cassiers, Fisbach, Mitchell/Warner, Castellucci, De Keersmaker, Ouramdane, Le Roy e Stuart le star del teatro e della danza ospiti alla 65° edizione.

L’International Festival volge lo sguardo a Oriente ma pensando a Shakespeare. Al Fringe spopolano gli spettacoli low cost, i bilanci intimisti dieci anni dopo l’11 settembre e la nuova drammaturgia gallese.

Colonia, Mülheim, Düsseldorf e Bochum sono state sede della rassegna che, come i Theatertreffen berlinesi fanno per il teatro istituzionale, ha premiato le migliori produzioni off. Alta la qualità degli spettacoli in concorso, tra i quali hanno trionfato Conte d’Amour dei gruppi Institutet e Nya Rampen, Testament di She She Pop, The Host di Andros Zins-Browne e Cry me a river di Anna Mendelssohn.

Grazie a Nadj, Chéreau, Pollesch, Pommerat si respira l’aria del Vecchio Continente nel principale festival teatrale portoghese, quest’anno alla 28a edizione. Ma è lo sguardo verso l’America Latina, la curiosità per quel teatro vivo e davvero giovane, che lo rende speciale.

Alla sesta edizione dello Stage Festival, svoltosi nella capitale finlandese, spiccavano le presenze di Baryshnikov diretto da Krymov, del regista fiammingo Valentijn Dhaenens e del tunisino Fadhel Jaïbi che, con Amnésia, ha stregato il pubblico.

O’Neill, Williams, Miller, Albee e gli altri. Cosa ha significato l’arrivo dei loro testi nell’Italia del secondo dopoguerra? E cosa ne resta? Partendo dal centenario della nascita di Tennessee Williams, ripercorriamo luci e ombre, fortuna e sfortuna scenica di quella drammaturgia dai temi “forti”, spesso considerati scandalosi, che conquistò registi e attori del calibro di Luchino Visconti, Paolo Stoppa, Rina Morelli e Anna Magnani. Fino ad allargare lo sguardo a Mamet, Shepard, Kushner e agli autori degli ultimi vent’anni.

Da quando il made in Usa era garanzia di successo (e non solo a teatro) al lento declino della drammaturgia statunitense nella Penisola. Analisi di un fenomeno che non ha retto ai cambi generazionali nel sistema Italia, con l’arrivo degli Stabili, la prudenza produttiva, la necessità dei grandi nomi e il conflittuale rapporto con i classici. Sperando che, come già con Tony Kushner, qualche coraggiosa compagnia si accorga prima o poi della splendida contemporaneità di questi autori.

Dal secondo dopoguerra in poi nel nostro Paese si fa sempre più forte la curiosità verso il teatro americano. Dagli ormai classici O’Neill, Williams, Miller e Albee fino a Neil Simon, Mamet e Shepard: viaggio nelle più note messinscene realizzate in Italia.

Amori, odi e follie del teatro americano nell’Italia alle soglie del boom. Tra frigoriferi, fasciocomunisti e gite all’estero. Non oltre Lugano, of course.

Flavia Tolnay, recentemente scomparsa, gestiva un’agenzia teatrale che aveva iniziato la sua attività proprio con la drammaturgia americana, nel 1946. Tutelando i diritti per l’Italia di grandissimi autori, la Tolnay aveva visto passare per il suo ufficio gran parte dei nostri registi e attori. Ancora adesso la sua agenzia mantiene con Broadway un rapporto privilegiato.

Alla costante ricerca del conflitto, certo del fatto che solo sotto la tensione si nasconda la “verità” di un personaggio, Visconti scopre gli americani già durante il Fascismo per poi frequentarli a lungo. Sia al cinema che a teatro. Concentrando negli anni la sua ispirazione fra le decadenti tristezze di Williams e le esistenze tormentate di Miller. A margine di un sogno americano sempre (in)compiuto.

Williams tra censura e oblioTra Vecchio e Nuovo Continente, il destino di Tennessee Williams sembra mostrare due facce. Se in patria la sua opera è stata criticata, censurata e gradualmente accantonata, in Europa (Italia in testa) numerose e significative sono state le messinscene dei suoi testi prima e dopo la morte.

Da Pechino a Roma i suoi testi, universali e contemporanei, hanno saputo viaggiare nel tempo e nello spazio grazie alla capacità di contestualizzare i personaggi entro precise coordinate sociali, familiari e politiche, lasciando però emergere la realtà fantasmatica dei loro sogni, incubi, amori e desideri.

Figlio del secondo Novecento ma invecchiato in fretta (e male), l’autore americano ha trovato fortune alterne in Italia: amatissimo da dive un po’ agée ma snobbato dalle giovani compagnie, sfiorato dalla ricerca ma considerato sempre e comunque un grande classico. Con un’anomalia: la pluriennale esperienza di Ferdinando Bruni ed Elio De Capitani, arrivati a Williams attraverso Fassbinder e dal quel momento mai più abbandonato.

Un tram che si chiama desiderio di Williams aveva già stimolato sin dalla sua nascita l’interesse dei coreografi: geniale l’edizione firmata da John Neumeier, mentre più sbiadita quella di Valerie Bettis. Non altrettanta attenzione suscitarono invece i lavori degli altri grandi drammaturghi americani.

Personaggi, ambienti, suoni, problemi: sono questi gli elementi principali che il palcoscenico lirico riprende dalla drammaturgia americana di Miller, Williams, Wilder. Ma su questo canone si sviluppa anche una scrittura originale che, da Gertrude Stein a Gian Carlo Menotti, mette in scena la Glorious Nation.

Sembra esserci una frattura tra la generazione di Miller e Williams e quella che da Mamet e Shepard arriva a Kushner e Shawn. Forse perché la nuova drammaturgia americana sembra prediligere i modelli inglesi, da Beckett a Pinter.

Da Kazan a Lumet, molti sono stati i registi cinematografici affascinati dalle nuove storie americane di Tennessee Williams, dominate da passioni, follia e torbidi legami familiari. Fino ad arrivare a Mamet e Shepard che, nati come drammaturghi, si sono saputi reinventare come sceneggiatori e registi di cinema.

Tradizione e innovazione, invenzioni e (ab)uso di tecnologia al centro della 50esima edizione del prestigioso festival di teatro di figura. Tra gli ospiti, l’Illustre Famille Burattini, i pupazzi di Duda Paiva e i pupi di Mimmo Cuticchio, i giochi d’ombre di Rouge 28, Philippe Genty e Miet Warlop, Figuren Theater Tübingen/Bagages de Sable e la compagnia belga Non Nova.

Il bullismo per gli adolescenti, i desideri e il coraggio delle scelte per i più piccoli, i 150 anni dell’Unità d’Italia, la diversità, i rapporti tra adulti e bambini, i grandi classici: è ampio ed eterogeneo il ventaglio di temi emersi dalle numerose rassegne, ma pochi sono stati gli spettacoli di rilievo.

Da sempre impegnato a valorizzare prestigiose fonti letterarie, il melodramma fa oggi i conti anche con precedenti cinematografici e teatrali illustri, che ne arricchiscono le prospettive interartistiche. Viaggio nella drammaturgia musicale contemporanea, dalla Venezia di Visconti al Postino di Catán, passando per Gertrude Stein e Heiner Müller.

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Fin dalla sua nascita, nel 1950, l’ente altoatesino ha mirato a promuovere i migliori drammaturghi contemporanei italiani e stranieri. Da Thomas Bernhard a Paravidino, fino a Il ritorno di Carlotta Clerici, in tournée da novembre con la regia di Marco Bernardi.
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Con la collaborazione di Laura
Bevione, Fabrizio Sebastian
Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio
Finamore, Simone Nebbia,
Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Giovanni Ballerini, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Masolino d’Amico, Renzo Francabandera, Gigi Gherzi, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Stanley E. Gontarski, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, SergioLo Gatto, Stefania Maraucci, Federica Mazzocchi, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Mautizio Porro, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Urbano, Cristina Valenti, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Betty Zanotelli, Giusi Zippo.

Incontenibile, frenetico, trasgressivo. La formazione onnivora, lontana dalle accademie, il teatro quasi per caso, i miti e i maestri, i romanzi e il cinema, la balbuzie e la Sindrome di Stargardt. L’attore umbro racconta la sua carriera da predestinato, fatta di incontri, coincidenze e progetti sempre diversi e coraggiosi.

Cambio della guardia alle direzioni degli Stabili di Roma, Napoli, Prato e Cagliari. Tra pessimismo cosmico e crisi da fronteggiare, voglia di rilancio o di restaurazione, collaborazioni e attenzione al territorio, diamo la parola ai quattro nuovi direttori.

A San Pietroburgo, dove la Neva scioglie i ghiacci, la regia dei maestri del ’900 (Stein, Dodin, Ljubimov) dà corso al lavoro dei gruppi emersi nell’ultimo decennio nei paesi del nuovo “Vecchio Continente”.

Sguardo allargato sui due vincitori scandinavi del Premio Europa Giovani Realtà Teatrali: gli islandesi Vesturport e il finlandese Kristian Smeds.

Nella città degli Zar una fulgida primavera teatrale con i grandi nomi della regia: Fokin, Dodin e Mogucij (quest’ultimo neovincitore del Premio Europa). In attesa della ricca rassegna russa nel prossimo autunno al Piccolo e al Franco Parenti di Milano.

Appena quarantenne, il drammaturgo inglese ha già raggiunto il successo con pièce ogni volta diverse e sorprendenti. Dal naturalismo al surreale, dal monologo al musical, i suoi lavori vengono rappresentati sulle più importanti ribalte londinesi, ma anche in Germania ed Estonia.

Verso il pubblico: sembra essere questa la parola d’ordine del teatro popolare che Olivier Py propone all’Odéon, dove rappresenta una nuova trilogia eschilea. Ma è Laurent Pelly che trionfa alla Comédie Française e all’Odéon rileggendo Brecht e un memorabile Hugo, di cui rinnova l’impeto visionario e la forza contestataria.

La decima edizione della rassegna berlinese, vetrina delle migliori produzioni teatrali della stagione, è stata segnata dall’affermarsi dei piccoli teatri di provincia e delle scene meno istituzionali che, tra drammaturgie originali e riletture di classici, hanno portato alla ribalta idee profonde, tematiche attuali e spesso controcorrente.

La rassegna “Nova Drama”, organizzata ogni anno a Bratislava dall’Istituto Nazionale del Teatro, è una buona occasione per conoscere da vicino un’interessante realtà artistica che cerca, con forza ed entusiasmo, di scrollarsi di dosso decenni di isolamento e di provincialismo.

Dal dopoguerra a oggi il
sistema produttivo italiano
ha subito ben pochi
cambiamenti. Certo, ci sono
stati due geniali e generosi
innovatori come Giorgio
Strehler e Paolo Grassi, ma
anche la loro “invenzione”,
ossia il concetto di Teatro Stabile, pare essersi trasformata in un
monumento anziché in un
organismo dinamico capace
di dialogare con il territorio e
di intercettare e promuovere

le novità. Il panorama,

tuttavia, non è una terra

desolata poiché stanno

emergendo nuove realtà

produttive, desiderose di

conquistare spazi sempre più

ampi ed eterogenei.

 Impresariato, mattatori e contributi pubblici: dal dopoguerra a oggi poco pare essere cambiato nel sistema produttivo
italiano, impermeabile alle spinte dell’innovazione provenienti da realtà indipendenti e giovani compagnie in cerca di spazi.

Dal “capocomico” Pirandello a Carlo Alberto Cappelli, impresario di Luchino Visconti, da Remigio Paone a Lucio Ardenzi, il lavoro dietro le quinte dei grandi impresari privati, sempre con i conti alla mano, ma con grande intuito e capacità di rischiare, per decretare il successo di una compagnia.

 Carlo Fontana racconta la nascita, nel 1947, del primo Stabile italiano, il Piccolo Teatro di Milano, grazie all’intraprendenza di Paolo Grassi e Giorgio Strehler e alla loro idea di promuovere un teatro d’arte per tutti. Ma cosa rimane oggi di quell’esperienza artistica e civile?

Dai laboratori di Grotowski allo spettacolo scritturato dal gruppo d’acquisto solidale, dall’animazione nei luoghi del disagio agli spot pubblicitari. Dagli anni Sessanta a oggi le modalità produttive delle compagnie si sono estremamente diversificate per far fronte al costante aumento dei costi di produzione, ma un imperativo, pur con qualche eccezione, è sempre stato rispettato: restare fedeli a se stessi.

Anche se poco sembra essere cambiato nel sistema produttivo italiano dal dopoguerra a oggi, in realtà i tentativi di sperimentare nuove modalità si stanno moltiplicando, a testimonianza dell’inventiva e della passione dei teatranti, sostenuti da qualche amministratore illuminato. Un impegno costante che, in alcuni casi, è già riuscito a dare buoni frutti.

 

Malgrado la sua diffusione e i buoni risultati di pubblico, il teatro ragazzi deve confrontarsi con le medesime difficoltà che affliggono il sistema teatrale italiano, rischiando di perdere di vista la sua fondamentale missione educativa.

Residenze e reti aiutano la produzione e la distribuzione degli spettacoli, in particolare quelli delle compagnie più giovani e innovative. Un ruolo importante nella circuitazione degli spettacoli è giocato da Aterdanza.

Con un occhio al mito americano, il proliferare di musical di successo in Italia è un continuo tentativo di tenere in equilibrio musica e qualità, spettacolarità e costi di produzione. La Compagnia della Rancia, Peep Arrow e Stage Entertainment si contendono, con risultati alterni, un mercato in crescita costante.

L’Ottocento musicale italiano fiorisce grazie all’attività – rischiosa quanto redditizia – dell’impresariato privato, che progressivamente scompare con l’Unità. Oggi, invece, il nuovo assetto della lirica, recentemente regolamentato, assegna risorse pubbliche sempre più ridotte alle Fondazioni, in cerca di nuove strategie gestionali.

Direttori di teatro, organizzatori, operatori teatrali indagano le caratteristiche del produrre teatro. Più funamboli che rampanti imprenditori, evidenziano le difficoltà economiche trasformandole in sfide alla creatività, cercando di mantenersi coerenti con il progetto di ricerca di emozioni per sé e per il pubblico.

Alla XIV edizione della rassegna barese, forte della presenza di quindicimila spettatori e trenta compagnie, si sono distinti Le Nuvole, il Teatro delle Apparizioni, Teatro Sotterraneo e Burambò.

Laureato in architettura ma subito folgorato dalla scena, da oltre 40 anni l’artista toscano sperimenta nel teatro di figura. Un percorso ricco di suggestioni, che approda ora al progetto di una trilogia sull’anima.

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atto unico di Alberto Bassetti Premio Vallecorsi 2011
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Hammo collaborato: Lau a Bevione, Fabrizio Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

 

redazione: Albarosa Camaldo, Giorgio Finamore, Roberto Rizzente, Marta Vitali; Rita De Grandi (segreteria); Claudia Zambianchi (web); Marianna Breglia, Daniela Lo Sciuto, Maria Livia Lucernari (stagiste).

progetto grafico: www.studiopaola.it

grafica e impaginazione: Alessia Stefanini

hanno collaborato: Paola Abenavoli, Sandro Avanzo, Alberto Bassetti, Elena Basteri, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Mimma Gallina, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Gianni Poli, Oliviero Ponte Di Pino, Andrea Porcheddu, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Matteo Torterolo, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Giusi Zippo.

joey guidone, illustratore

Joey Guidone, che ha appositamente realizzato per Hystrio la copertina e l’immagine di apertura del dossier, si è diplomato all’Istituto d’Arte nel 2003, per poi proseguire la sua formazione artistica all’Istituto Europeo di Design di Torino. Dopo essersi diplomato con lode nel 2006, comincia a lavorare in diversi ambiti, dall’editoria alla pubblicità, mentre nel 2007 vince il concorso nazionale per la creazione della locandina dello storico Carnevale di Ivrea. Si trasferisce a Londra e, nello stesso anno, è uno dei due “giovani talenti” selezionati dell’Associazione Illustratori da inserire nell’Annual degli Illustratori Italiani 2009. Allo scadere del primo anno all’estero, ottiene la borsa di studio al MiMaster di Milano.

La fuga dal Libano, gli studi teatrali, la fondazione di due compagnie, una in Francia e l’altra in Canada. Nuova star della scena internazionale, Mouawad è drammaturgo e romanziere, attore e regista, capocomico e sceneggiatore di film tratti dalle sue pièce.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

l’Unità d’Italia, occasione o pretesto? Spettacoli, convegni, festival, ma anche lirica, teatro ragazzi e laboratori per attori. Tra rassegne ufficiali (Firenze e Torino) e non, ecco una carrellata delle principali iniziative sparse nella penisola per celebrare i centocinquant’anni dell’Unità d’Italia.

50 compagnie, 72 anni, 75 titoli. Il drammaturgo americano ci parla di Italia, Europa, Medio Oriente. Un orizzonte worldwide. Come le dimensioni del suo teatro.

Il debutto di Paravidino alla Comédie Française, con La malattia della famiglia M., propone grovigli sentimentali e dinamiche familiari in evoluzione: come dimostrano anche Alain Françon, che mette in scena Feydeau per raccontare la crisi dell’istituto del matrimonio, e Christoph Marthaler, che riprende Kát’a Kabanová, raggelante affresco del dissidio tra condizione femminile e convenzioni sociali.

Una stagione di gran classe quest’inverno nella capitale russa: in scena, tutti degni della massima attenzione, spettacoli di Fokin, Fomenko, Nekrosius, Krymov, Karbauskis e tanti altri.

Dmitri Krymov e il suo Laboratorio “creativo”: ritratto di un regista “anomalo” in occasione di una retrospettiva di cinque suoi spettacoli andati in scena a Tallinn l’inverno scorso.

La scena e la drammaturgia messicana mostrano oggi una grande effervescenza, spesso senza dimenticare le proprie radici precolombiane. I giovani affollano le sale che programmano testi contemporanei e i nuovi autori si fanno conoscere attraverso rassegne specializzate, tavole rotonde e traduzioni.

La generazione dei trentenni, cresciuta con internet e facebook fra periodi di libertà (pochi) e di oscurantismo, è vivacissima e orientata a un teatro politico che sfida la censura.

Questa volta parliamo di noi. Vogliamo cercare di capire se siamo una specie in via di estinzione o di trasformazione, mentre assistiamo impotenti alla diminuzione di spazi editoriali, lettori e prestigio. Con anziani maestri che non si sono rivelati tali, una generazione di mezzo scavalcata dalla storia, le nuove leve perse nei meandri del web. Il dossier vuole scattare una fotografia sullo stato dell’arte fra excursus storici, inchieste, riflessioni critiche e autocritiche. A questo proposito proponiamo un decalogo dei diritti e dei doveri del critico. Perché sentiamo forte l’urgenza di ritrovare una deontologia professionale e una libertà di giudizio che oggi appare perduta e compromessa.

Da Jannacci a Debord, passando per i routiniers senza più passione (né salvezza): ritratto di un mestiere anacronistico a cui forse piace esserlo, frustrato da faccine e pallini, ma dimentico troppo spesso della propria missione. Ovvero, scrivere di teatro, non farlo. Che forse la soluzione è la più semplice: tornare a essere se stessi.

Scuole di pensiero, militanze, date spartiacque, dibattiti culturali: il Novecento in Italia è segnato dal confronto critico in ambito teatrale (ma non solo). Con una professione che si fa grande e diviene simbolo di fermento intellettuale all’interno di una società civile desiderosa di analizzare il processo creativo e provarsi nella dialettica. Fra le intrusioni della politica e il ricordo dei protagonisti, un excursus storico in cerca di maestri ed eredità.

Assediata dalla concorrenza di Internet, poco assistita dai lettori, sempre più la critica teatrale viene emarginata dai quotidiani nazionali. Un fenomeno che interessa solo tangenzialmente le realtà locali, ma che va a incidere sul profilo e le competenze delle nuove generazioni di professionisti. Uno sguardo dal “di dentro”, attraverso l’opinione di chi ogni giorno in redazione ha a che fare (suo malgrado) con la grassa cucina della carta stampata.

Una rassegna delle possibilità formative specialistiche, per chi volesse intraprendere la carriera di critico, rivela un’assenza pressoché totale di strutture di alta specializzazione nel nostro Paese.

Da quando ancora si dettavano le recensioni ai dimafonisti al termine degli spettacoli alla critica negli Anni Zero, dominata dai modelli socio-economici del web e da una nuova comunicazione che non ama gli intermediari, al limite qualche consigliere dai gusti affini ai nostri. Riflessione su un mestiere ormai estinto, gravido di ricordi e povero di prospettive.

Non è solo l’ambito teatrale a rischiare l’estinzione. La critica vive uno stato d’abbandono in tutti i settori artistici, a conferma della disabitudine sociale alla riflessione e al confronto dialettico, alimentata (per assurdo) dai primi organi d’informazione: i giornali. Una chiacchierata informale con alcune firme illustri del panorama critico italiano legato al mondo dello spettacolo. Un coro di lamenti e di grigie prospettive, con un’eccezione…

Un coro generale di lamenti, spesso sacrosanti, su un’oggettiva decadenza dell’habitat naturale in cui la critica dovrebbe svolgere la sua professione, tra spazi ridotti a francobolli, disinteresse delle redazioni, compensi ridicoli e competenze bistrattate. Per altri aspetti verrebbe da dire «chi è causa del suo mal pianga se stesso…», perché la categoria non è comunque esente da responsabilità: settarismo, deontologia professionale latitante, perdita di credibilità, scarso spirito autocritico e non volontà di garantire un ricambio generazionale. Il web, amato e odiato, potrebbe essere un’àncora di salvezza, ma bisogna imparare a usarlo con criterio. Questo emerge da tre domande chiave rivolte a un “campione transgenerazionale” di critici.

Ma troppo vecchi per condividere certi nuovi entusiasmi. La generazione dei Novanta si è fatta grande, si è lasciata alle spalle le risatine di benvenuto, ma occupa ben poche poltrone: gli arzilli settantenni hanno spaccato tutto (o quasi), le nuove generazioni giocano con i cocci. Quale futuro?

Nata e cresciuta con Internet al proprio fianco, la giovane generazione della critica teatrale combatte una silenziosa lotta per riformare la professione (quasi) più antica del mondo. Pochi i maestri, tante le scuole di pensiero: a unirli l’amore incondizionato per le arti performative. Mentre si tenta di mettersi in luce, fra scetticismi e luoghi comuni.

Indagando sullo stato della professione, abbiamo interrogato artisti e operatori su qualità e difetti di noi stessi, in un cortocircuito emotivo che abbiamo preteso il più franco e spregiudicato possibile. Ne è uscito un quadretto di sana disperazione, fra chi ci dà per morti e chi infierisce sul cadavere, chi ci vede in via d’estinzione (come i panda) e qualche raro ottimista. Ovviamente per tutti (o quasi) rimaniamo necessari. Almeno finché c’è vita. Un ringraziamento a tutti coloro che hanno risposto, in rigoroso ordine alfabetico. Ma un ringraziamento anche a chi abbiamo rincorso senza risultato: tutta esperienza.

Viaggio nelle capitali del teatro, per osservare come la stampa si occupa di critica e cultura teatrale. Ne viene fuori un ritratto dalle molte anime, dove alla bulimia produttiva di Parigi si affianca il blasone delle firme inglesi; alla solidità tedesca i localismi spagnoli o la complessità della realtà russa. Con però una sensazione complessiva: a fianco della crisi, è il rispetto per la professione (e il lettore) a muovere ancora le scelte editoriali. Almeno Oltralpe.

Videoproiezioni, spettacoli interattivi e personaggi digitali sono al centro delle produzioni di quelle compagnie (la pratese Tpo su tutte) che hanno fatto della tecnologia la parola d’ordine per rinnovare il teatro destinato ai più piccoli.

I protagonisti della giovane scena/36 – I difficili esordi, il successo improvviso e quasi inaspettato, i nuovi progetti. Dalla bocciatura alla “Paolo Grassi” e al Premio Scenario al debutto al Théâtre de la Ville di Parigi, l’irresistibile ascesa di uno dei gruppi più interessanti del panorama italiano contemporaneo.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Stefano Bartezzaghi, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Enrico Castellani, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Fabrizio Fiaschini, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Katia Ippaso, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Anna Pérez Pagès, Oliviero Ponte di Pino, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

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 Dopo l’esito straordinario dei Demoni, il regista tedesco parla di sé e del suo teatro, di Brecht e dell’ex Ddr, del sistema teatrale italiano e del suo rapporto con i classici. A 360 gradi.

Teatro, cinema, tv, musica e poesia: una carriera anomala per un’attrice contromano. Ecco come Sonia Bergamasco è diventata quello che è: dalla scuola con Strehler all’apprendistato con Castri, fino all’incontro con Carmelo Bene e alla svolta “musicale”.

Danza, circo, mimo, clownerie, teatro di figura e di strada trovano sintesi possibili in un macro genere dai labili confini che in Italia ha acquisito una certa visibilità solo negli ultimi anni. Dove vederlo? Al Festival Grock di Imperia e a Teatro a Corte di Torino, all’IF Festival di Milano, a Funambolika di Pescara o a Sul filo del circo di Grugliasco, ma anche in alcuni teatri come il Curci di Barletta, il Vittoria di Roma e il Teatro di Rifredi di Firenze.

Dal Teatro Lliure di Barcellona alla direzione della Biennale Teatro. Il regista catalano si svela a tutto campo: i progetti per Venezia, l’importanza della didattica teatrale, la situazione del teatro italiano e internazionale, i segreti del suo stile e la predilezione per la scena tedesca.

Oskaras Koršunovas racconta il suo percorso artistico: dagli esordi avvenuti quando il suo Paese, la Lituania, attraversava un periodo di grandi mutamenti politici e sociali, al successo dei suoi spettacoli, alla riflessione e alla sperimentazione teatrale come ricerca interiore.

Pluridisciplinare, internazionale e nomade: così si presenta la rassegna parigina, che per la sua 38a edizione propone a una vastissima platea, sempre fedele, curiosa e intransigente, grandi nomi e significative esperienze della creazione contemporanea internazionale: con un’attenzione particolare alla Russia, nell’anno del gemellaggio culturale con la Francia. Senza dimenticare Brook e il suo Flauto magico.

Nella capitale irlandese un’edizione all’insegna del tre: dalla trilogia del teatro polacco al terzetto di talenti registici made in Ireland. Poi le tre proposte del gallese Hughes per chiudere con un triangolo drammaturgico d’eccezione: Beckett-Pinter-Mamet.

Sempre più ignorato in patria, uno dei maggiori autori contemporanei ci spiega le sfide del suo teatro in occasione della messinscena di Luca Ronconi de La compagnia degli uomini. La denuncia del capitalismo, il dialogo tra uomo e società, la mente come struttura drammatica da rieducare.

THE FAB SEB SUPERSHOW presents (H2) OTEL(L)aMOR(t)A VENEZIA con SHYL(O)K rock videogame Hi! I wanna thanks Hystrio magazine for the opportunity to performe this show, the Biggest Show in town. FSC

Che impatto hanno avuto i nuovi media sul teatro? Con l’avvento del web, dei cellulari, di YouTube e dei social network, le frontiere della comunicazione si sono dilatate a dismisura. Il complesso di opportunità che i teatranti hanno oggi a disposizione non è paragonabile a quello di qualche anno fa. Ma fino a che punto si misura la svolta? Quanto ha saputo cogliere il teatro delle nuove modalità interattive offerte dalla tecnologia, in termini di visibilità, di conservazione della memoria e di rinnovamento del linguaggio? E i vecchi media, radio, dvd e televisione, sono tramontati per sempre o hanno ancora da dire la loro?

La storia del rapporto tra il teatro e la tecnologia è, prima di tutto, la storia di un conflitto che muove da lontano.
Più volte contrastata, la tecnologia torna sotto forma di nuovo linguaggio, reinventandosi come modello di manipolazione della realtà e ancorando a sé tutte le fasi vitali di un evento spettacolare, dall’ideazione alla drammaturgia e messa in scena, fino alla promozione, l’informazione, l’archiviazione. Tanto che il teatro, oggi, non può più farne a meno. Con il rischio di smarrire la propria identità o, viceversa, di alterare le strutture più riposte del linguaggio mediatico.

La storia del teatro in televisione in Italia è, prima di tutto, storia di una mancanza: dagli anni Ottanta ai giorni nostri il teatro viene bandito dai palinsesti, compresso in pillole o relegato in improbabili fasce notturne. A dispetto della qualità artistica delle proposte, il gradimento del pubblico e le inedite possibilità offerte dal digitale.

L’interattività è, secondo Paolo Rosa, la frontiera nuova del teatro. Fondata sul senso del limite e della differenza, essa ingloba un modo nuovo di fare teatro, aperto al pubblico e alla collettività.

Dal 1929, la radio ha accompagnato l’evoluzione del teatro in prosa in Italia. Con alti e bassi: ce ne parla Bruno Gambarotta, ascoltatore appassionato e voce radiofonica di eccezione.

Nonostante la concorrenza di Facebook e YouTube, non conosce crisi il mercato del dvd in Italia. Merito, forse, della qualità dei prodotti e della capacità di mutare pelle, intercettando l’innovazione tecnologica, dal Blu-Ray al 3D.

L’avvento del web ha mutato i fragili equilibri del teatro contemporaneo. Riproponendo all’attenzione modelli vecchi legati alla comunicazione, e tentando al tempo stesso di esplorare nuove vie in direzione della multimedialità e dell’interattività, la rete ha esasperato una dialettica interna al teatro, tesa tra l’aspirazione al successo e il bisogno di comunità.

 

Nonostante i passi da gigante fatti dal nostro Paese nel campo dell’archiviazione digitale, rimangono irrisolte alcune questioni, dalla convergenza tra le istituzioni alla conservazione dei database.

Aggiornamenti in tempo reale, contributi video, tenuta nel tempo, consenso di un pubblico giovane: il proliferare di blog, webzine e riviste on-line sembra aver soppiantato definitivamente la critica sui giornali. Ma cosa si nasconde sotto la superficie?

Facebook risulta formidabile nel consolidare l’immagine degli artisti. Esistono convergenze tra teatro e il più diffuso , e invasivo, fra i social network? Non sul piano creativo, probabilmente.

Frequentato da milioni di professionisti e appassionati in tutto il mondo, You Tube è un database infinito dello scibile in materia teatrale. Cui mancano però un criterio e una gerarchia che demarchino cosa è teatro e cosa no.

La nuova campagna Alfa della Fiat è solo l’ultimo dei tanti spot ispirati al teatro. Sta al teatro, di rimbalzo, cogliere il trend, prendendo a prestito il linguaggio della pubblicità. Alla faccia dell’etica.

Duplice è l’impatto che i nuovi media hanno sulla scrittura teatrale: se da un lato il telefonino, la chat e i social network intervengono a modificare gli equilibri tra i personaggi e l’ambiente, dall’altro le nuove tecnologie contribuiscono a destrutturare il testo, aprendolo a un ventaglio pressoché infinito di segnali esterni, ancora in parte da esplorare.

L’utilizzo in scena, sempre più invasivo, delle nuove tecnologie e dei nuovi media ha ampliato a dismisura i confini del teatro. Arte, cinema, musica, danza, teatro, fotografia, televisione, web e 3d interagiscono liberamente, approdando a una dimensione nuova, mutante e scevra da ogni gerarchia, il cui dato caratterizzante è l’ambivalenza.

Innovativo agli esordi, l’sms sembra aver fatto il suo tempo. A seguito dell’innovazione tecnologica, nuovi, più interattivi scenari si aprono per il teatro applicato alla fonia mobile. Di cui la realtà aumentata è solo l’inizio.

Marionette, burattini, pupazzi e teatro d’ombra. Poi pittura dal vivo, il bunraku con le sue leggende e gli oggetti che prendono vita come attori. Queste e altre le numerose proposte della rassegna torinese.

Inaugurata la stagione autunnale con i due appuntamenti ormai classici di “Zona Franca” e “Segni di infanzia”, il primo che puntava sul tema della trasmissione del sapere e il secondo sulla trasversalità dei linguaggi. Senza dimenticare le consuete proposte finaliste di “Scenario Infanzia”.

La scomparsa dell’ultimo padre della regia italiana. Il legame con lo Stabile di Genova, i suoi testi e le sue principali regie, da Goldoni rinnovato alla memorabile Madre coraggio di Brecht con Lina Volonghi.

 

 

Tre Sogni d’autunno/Ravenhill, Garcia e Alfieri a Torino/Misura per misura secondo Sciaccaluga/Doppio Bennet a Milano/Almodovar in scena con Tutto su mia madre/Maria Paiato è Erodiade/Festival VIE a Modena/Tiezzi e I promessi sposi testoriani/Intercity ferma a Copenhagen/Paolo Poli incontra Anna Maria Ortese/Lavia Malato molieriano/Latella da Lear ai fondamentalismi/L’Arpagone nero di Cirillo/Le ballate palermitane di Pirrotta/Cavallerie rusticane a Catania

 

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Niente crisi per l’autunno della danza. E se le grandi città come Milano puntano sui kolossal, le proposte internazionali più interessanti spuntano in città piccole ma attente alle novità.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali

 

 

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Sandro Avanzo, Andrea Balzola, Mario Bianchi, Stefania Bevilacqua, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Gabriella Calchi Novati, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Dario De Luca, Angela Dematté, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Georgia Galanti, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Marcello Isidori, Margherita Laera, Saverio La Ruina, Giuseppe Liotta, Stefano Locatelli, Sergio Lo Gatto, Erica Magris, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giuseppe Montemagno, Anna Maria Monteverdi, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Gianni Poli, Oliviero Ponte Di Pino, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Francesco Tei, David Tuallion, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.