Al principio del 2012, a Ravenna, si è tenuto un incontro pubblico con Hans-Thies Lehmann, massimo teorico del postdrammatico, Marco Martinelli e Gerardo Guccini, di cui qui proponiamo una sintesi. Secondo lo studioso tedesco, il superamento del dramma, anziché cancellarne le funzioni, le potenzia e rigenera dall’interno, consegnandoci nuove e rinnovate forme drammaturgiche.

Nati entrambi nel 1973, i due teatri furono per Milano gli attori di un profondo cambiamento culturale e sociale, innescato dagli esiti del ’68 e dal relativo immobilismo del teatro di quegli anni. Capace di parlare ai giovani nella loro stessa lingua (l’Elfo) o di riportare in sala la borghesia colta e illuminata (il Pier Lombardo), furono entrambi scintilla di una trasformazione di cui ancora si sentono gli effetti.

Uomo di lettere e d’azione, a cent’anni dalla nascita lo scrittore francese attende ancora un’analisi risolutiva del suo lavoro. E del ruolo avuto nel definire l’individualità dell’uomo all’interno dell’arte e della storia. Vita, opere e messinscene (italiane) del Nobel ’57, fra grandi romanzi e un teatro a tesi di quattro sole drammaturgie, profondamente politico, sempre in bilico fra Copeau e Artaud.

Con la ricostruzione 1:1 di una partita di calcio, ma anche degli eroi dei fumetti preferiti, di un celebre festival canoro anni ’70 e addirittura del decollo di un aereo, l’artista italo-svizzero affronta il tema della creazione condivisa, con il pubblico e con le comunità di riferimento.

Il Valle ha fatto scuola. Fra militanza e retorica, barricate e vetrine, il palcoscenico nel cuore di Roma ha (in)direttamente influenzato un movimento di occupazione dei teatri allargatosi in tutto il paese. Alla base, le istanze di un’intera categoria da sempre fragile e disattenta sui propri diritti. Nella pratica, la difficoltà di farsi reale alternativa a un sistema, pronto a fagocitare anche la sua componente più “extra-parlamentare”. Panoramica d’un fenomeno all’italiana. Fra differenze, potenzialità e obiettivi. Più o meno raggiunti.

C’è teatro nel televisivo? E quanta tv si ritrova invece sui palcoscenici? Rapporto molto (molto) più permeabile di quel che si può pensare, inizia ai tempi delle prime sit-com e si sviluppa fino alla rivoluzione dei reality. Tanto che forse perfino i coatti di Jersey Shore hanno qualcosa da insegnare.

Il Festival d’Automne ha cambiato direttore (il giovanissimo Emmanuel Demarcy-Mota) ma non l’ispirazione: l’apertura internazionale e l’attenzione alla creazione e al confronto.
L’edizione 41 ha portato in scena la nuova drammaturgia, dalla Scandinavia al Sud-America, e un ritratto di Maguy Marin, capofila della danza francese.

Una provocatoria sequenza di diorami con uomini che osservano sfacciati il pubblico, una Medea nera e arrabbiata, una delirante satira sul paternalismo degli aiuti umanitari: ecco il Continente nero visto dalle scene del festival tedesco.

 Guidato dall’urgenza della propria contemporaneità, il teatro lituano è percorso da un’intensa vitalità creativa che trova alcuni esponenti di spicco in Oskaras Koršunovas, Jonas Vaitkus, Artūras Areima, Vidas Bareikis e Gintaras Varnas.

L’esperienza di Koreja a Beirut ci racconta di una città fintamente riconciliata, dove sembra che l’unico valore guida rimasto sia il successo economico. Eppure alcuni avamposti culturali resistono, come i teatri Al Madina, Sun Flower e Monnot, custodi ed eredi della cinquantennale storia di sperimentatori che da Roger Assaf giunge a Rabih Mroué.

Quella di residenza è un’etichetta assai diffusa ma anche molto fraintesa. Cinque regioni italiane – Piemonte, Lombardia, Toscana, Puglia e Calabria – vantano sistemi residenziali organici, fatte salve le numerose differenze: organizzative, politiche, artistiche. Altre regioni ci hanno provato, altre vorrebbero provarci, altre ancora hanno ideato progetti innovativi e di successo. Ma residenze sono anche le molteplici e multiformi iniziative messe in atto da festival estivi desiderosi di esistere creativamente anche per il resto dell’anno, oppure da giovani e coraggiose compagnie che vogliono far vivere in maniera intelligente il territorio in cui sono nate e che non intendono abbandonare. L’Italia delle residenze, dunque, appare un paesaggio policromo, attraversato però dalla comune volontà di provare a scuotere il sistema teatrale esistente.

Le molteplici sfumature di un concetto le cui origini risalgono agli anni Settanta e che nel futuro potrebbe, se adeguatamente declinato, modificare in meglio il sistema teatrale italiano

Stalker Teatro, Tecnologia Filosofica, Santibriganti sono alcune delle residenze più antiche in Italia. La Regione pare intenzionata a cancellarle mentre il pubblico si tassa per garantirne la sopravvivenza: cronaca di un’esaltante avventura teatrale e “politica” destinata comunque a proseguire.

In una terra teatralmente avanzata come la Lombardia, è solo grazie a Fondazione Cariplo che si è potuto realizzare un sistema di residenze, mentre la Regione è sempre stata latitante. Il senso, la storia, le luci e le ombre di un progetto coraggioso che ha consentito la crescita di numerose compagnie giovani o emergenti.

Un sistema consolidato, fin dagli anni ’80, di realtà residenziali si trova oggi di fronte ai cambiamenti introdotti dalla nuova legge regionale, che potrebbero però diventare un’occasione di crescita.

L’amministrazione Vendola ha certamente favorito lo sviluppo di un territorio considerato culturalmente periferico che ha prodotto invece il virtuoso esempio di Teatri Abitati: ma è tutto oro quello che luccica?

In attesa di un’auspicata legge regionale, numerose sono le esperienze nate e cresciute senza un supporto regolare dalle istituzioni e dagli enti locali. Con una felice anomalia, le residenze sostenute da un’illuminata amministrazione comunale.

L’esperienza delle Officine culturali: sei anni di riflessione e di sperimentazione cui l’amministrazione regionale nn ha voluto garantire continuità. E oggi il territorio è di nuovo deserto.

Una terra aspra e artisticamente arretrata? Non proprio: le nuove residenze teatrali sono lì a dimostrarlo, pronte ad affrontare anche le difficoltà economiche.

Da Nord a Sud, dove le leggi regionali non prevedono sistemi residenziali veri e propri, sorgono esperienze ed esperimenti spontanei che cercano una loro via alla stabilità, con esiti molto diversi.

Valorizzare la sperimentazione, trasformare la popolazione in un pubblico fedele, coinvolgere le fasce deboli della società: ecco alcune delle funzioni delle residenze d’Oltralpe.

In Gran Bretagna nei teatri pubblici e d’innovazione è diffusa la figura del writer-in-residence, una prassi che fa crescere non soltanto attori e pubblico, ma anche i drammaturghi stessi.

 Innovatrice delle forme del teatro di narrazione, ha trovato nell’esempio della staffetta partigiana Ondina Peteani, protagonista di È bello vivere liberi! (Premio Scenario per Ustica 2009), le ragioni di una ricerca che prosegue nel nuovo La semplicità ingannata.

Le tre rassegne rivelano un’inesausta energia creativa, pronta a misurarsi con temi e linguaggi nuovi. In scena spettacoli dedicati a eroi mitici e popolari (Colapesce e Gilgamesh), a bambini da patologie (John Tammet, vincitore di Scenario Infanzia), a esseri che cercano se stessi.

Fra le ombre balinesi di I Watan Wija e i rifiuti riciclati da Rebekah Wild a Incanti 2012 è protagonista il racconto. Anche di Pip e Progetto Cantiere, due spazi produttivi quest’anno interamente dedicati alle fiabe di Jacob e Wilhelm Grimm.

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L’americano Cedar Lake Contemporary Ballet e l’israeliana Batsheva Dance Company conquistano il pubblico con l’audacia dei temi affrontati e con la qualità dei loro danzatori: tra tutti, a scioccare, è Orbo novo di Cherkaoui dove la danza si avventura nel territorio impervio del corpo post-traumatizzato.

Se Akram Khan, Ohad Nahrin, Virgilio Sieni, Constanza Macras rappresentano l’eccellenza coreutica contemporanea, il festival romano non dimentica però le nuove forme, i giovani talenti protagonisti della sezione Dna e si conferma testimone di una scena in continuo movimento.

Oggi 36enne, il drammaturgo-attore-regista, ligure di nascita ma piemontese d’adozione, ripercorre le tappe della sua carriera: la formazione, i maestri, l’esperienza all’estero, i temi, i sogni e una visione, non certo accomodante, della drammaturgia italiana contemporanea.

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hanno collaborato: Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Mario Bianchi, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Francesca Carosso, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Roberta Ferraresi, Anna Forlati, Renato Gabrielli, Mimma Gallina, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Filippa Ilardo, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giorgia Marino, Antonella Melilli Rossi, Giulia Miniati, Giuseppe Montemagno, Alessio Negro, Roberta Nicolai, Emilio Nigro, Pier Giorgio Nosari, Renato Palazzi, Fausto Paravidino, Gianni Poli, Simona Polvani, Domenico Rigotti, Roberto Rinaldi, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Laura Santini, Francesco Tei, Franco Ungaro, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Gherardo Vitali Rosati, Chiara Viviani, Giusi Zippo.

Incontenibile, frenetico, trasgressivo. La formazione onnivora, lontana dalle accademie, il teatro quasi per caso, i miti e i maestri, i romanzi e il cinema, la balbuzie e la Sindrome di Stargardt. L’attore umbro racconta la sua carriera da predestinato, fatta di incontri, coincidenze e progetti sempre diversi e coraggiosi.

Cambio della guardia alle direzioni degli Stabili di Roma, Napoli, Prato e Cagliari. Tra pessimismo cosmico e crisi da fronteggiare, voglia di rilancio o di restaurazione, collaborazioni e attenzione al territorio, diamo la parola ai quattro nuovi direttori.

A San Pietroburgo, dove la Neva scioglie i ghiacci, la regia dei maestri del ’900 (Stein, Dodin, Ljubimov) dà corso al lavoro dei gruppi emersi nell’ultimo decennio nei paesi del nuovo “Vecchio Continente”.

Sguardo allargato sui due vincitori scandinavi del Premio Europa Giovani Realtà Teatrali: gli islandesi Vesturport e il finlandese Kristian Smeds.

Nella città degli Zar una fulgida primavera teatrale con i grandi nomi della regia: Fokin, Dodin e Mogucij (quest’ultimo neovincitore del Premio Europa). In attesa della ricca rassegna russa nel prossimo autunno al Piccolo e al Franco Parenti di Milano.

Appena quarantenne, il drammaturgo inglese ha già raggiunto il successo con pièce ogni volta diverse e sorprendenti. Dal naturalismo al surreale, dal monologo al musical, i suoi lavori vengono rappresentati sulle più importanti ribalte londinesi, ma anche in Germania ed Estonia.

Verso il pubblico: sembra essere questa la parola d’ordine del teatro popolare che Olivier Py propone all’Odéon, dove rappresenta una nuova trilogia eschilea. Ma è Laurent Pelly che trionfa alla Comédie Française e all’Odéon rileggendo Brecht e un memorabile Hugo, di cui rinnova l’impeto visionario e la forza contestataria.

La decima edizione della rassegna berlinese, vetrina delle migliori produzioni teatrali della stagione, è stata segnata dall’affermarsi dei piccoli teatri di provincia e delle scene meno istituzionali che, tra drammaturgie originali e riletture di classici, hanno portato alla ribalta idee profonde, tematiche attuali e spesso controcorrente.

La rassegna “Nova Drama”, organizzata ogni anno a Bratislava dall’Istituto Nazionale del Teatro, è una buona occasione per conoscere da vicino un’interessante realtà artistica che cerca, con forza ed entusiasmo, di scrollarsi di dosso decenni di isolamento e di provincialismo.

Dal dopoguerra a oggi il
sistema produttivo italiano
ha subito ben pochi
cambiamenti. Certo, ci sono
stati due geniali e generosi
innovatori come Giorgio
Strehler e Paolo Grassi, ma
anche la loro “invenzione”,
ossia il concetto di Teatro Stabile, pare essersi trasformata in un
monumento anziché in un
organismo dinamico capace
di dialogare con il territorio e
di intercettare e promuovere

le novità. Il panorama,

tuttavia, non è una terra

desolata poiché stanno

emergendo nuove realtà

produttive, desiderose di

conquistare spazi sempre più

ampi ed eterogenei.

 Impresariato, mattatori e contributi pubblici: dal dopoguerra a oggi poco pare essere cambiato nel sistema produttivo
italiano, impermeabile alle spinte dell’innovazione provenienti da realtà indipendenti e giovani compagnie in cerca di spazi.

Dal “capocomico” Pirandello a Carlo Alberto Cappelli, impresario di Luchino Visconti, da Remigio Paone a Lucio Ardenzi, il lavoro dietro le quinte dei grandi impresari privati, sempre con i conti alla mano, ma con grande intuito e capacità di rischiare, per decretare il successo di una compagnia.

 Carlo Fontana racconta la nascita, nel 1947, del primo Stabile italiano, il Piccolo Teatro di Milano, grazie all’intraprendenza di Paolo Grassi e Giorgio Strehler e alla loro idea di promuovere un teatro d’arte per tutti. Ma cosa rimane oggi di quell’esperienza artistica e civile?

Dai laboratori di Grotowski allo spettacolo scritturato dal gruppo d’acquisto solidale, dall’animazione nei luoghi del disagio agli spot pubblicitari. Dagli anni Sessanta a oggi le modalità produttive delle compagnie si sono estremamente diversificate per far fronte al costante aumento dei costi di produzione, ma un imperativo, pur con qualche eccezione, è sempre stato rispettato: restare fedeli a se stessi.

Anche se poco sembra essere cambiato nel sistema produttivo italiano dal dopoguerra a oggi, in realtà i tentativi di sperimentare nuove modalità si stanno moltiplicando, a testimonianza dell’inventiva e della passione dei teatranti, sostenuti da qualche amministratore illuminato. Un impegno costante che, in alcuni casi, è già riuscito a dare buoni frutti.

 

Malgrado la sua diffusione e i buoni risultati di pubblico, il teatro ragazzi deve confrontarsi con le medesime difficoltà che affliggono il sistema teatrale italiano, rischiando di perdere di vista la sua fondamentale missione educativa.

Residenze e reti aiutano la produzione e la distribuzione degli spettacoli, in particolare quelli delle compagnie più giovani e innovative. Un ruolo importante nella circuitazione degli spettacoli è giocato da Aterdanza.

Con un occhio al mito americano, il proliferare di musical di successo in Italia è un continuo tentativo di tenere in equilibrio musica e qualità, spettacolarità e costi di produzione. La Compagnia della Rancia, Peep Arrow e Stage Entertainment si contendono, con risultati alterni, un mercato in crescita costante.

L’Ottocento musicale italiano fiorisce grazie all’attività – rischiosa quanto redditizia – dell’impresariato privato, che progressivamente scompare con l’Unità. Oggi, invece, il nuovo assetto della lirica, recentemente regolamentato, assegna risorse pubbliche sempre più ridotte alle Fondazioni, in cerca di nuove strategie gestionali.

Direttori di teatro, organizzatori, operatori teatrali indagano le caratteristiche del produrre teatro. Più funamboli che rampanti imprenditori, evidenziano le difficoltà economiche trasformandole in sfide alla creatività, cercando di mantenersi coerenti con il progetto di ricerca di emozioni per sé e per il pubblico.

Alla XIV edizione della rassegna barese, forte della presenza di quindicimila spettatori e trenta compagnie, si sono distinti Le Nuvole, il Teatro delle Apparizioni, Teatro Sotterraneo e Burambò.

Laureato in architettura ma subito folgorato dalla scena, da oltre 40 anni l’artista toscano sperimenta nel teatro di figura. Un percorso ricco di suggestioni, che approda ora al progetto di una trilogia sull’anima.

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atto unico di Alberto Bassetti Premio Vallecorsi 2011
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Hammo collaborato: Lau a Bevione, Fabrizio Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

 

redazione: Albarosa Camaldo, Giorgio Finamore, Roberto Rizzente, Marta Vitali; Rita De Grandi (segreteria); Claudia Zambianchi (web); Marianna Breglia, Daniela Lo Sciuto, Maria Livia Lucernari (stagiste).

progetto grafico: www.studiopaola.it

grafica e impaginazione: Alessia Stefanini

hanno collaborato: Paola Abenavoli, Sandro Avanzo, Alberto Bassetti, Elena Basteri, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Mimma Gallina, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Gianni Poli, Oliviero Ponte Di Pino, Andrea Porcheddu, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Matteo Torterolo, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Giusi Zippo.

joey guidone, illustratore

Joey Guidone, che ha appositamente realizzato per Hystrio la copertina e l’immagine di apertura del dossier, si è diplomato all’Istituto d’Arte nel 2003, per poi proseguire la sua formazione artistica all’Istituto Europeo di Design di Torino. Dopo essersi diplomato con lode nel 2006, comincia a lavorare in diversi ambiti, dall’editoria alla pubblicità, mentre nel 2007 vince il concorso nazionale per la creazione della locandina dello storico Carnevale di Ivrea. Si trasferisce a Londra e, nello stesso anno, è uno dei due “giovani talenti” selezionati dell’Associazione Illustratori da inserire nell’Annual degli Illustratori Italiani 2009. Allo scadere del primo anno all’estero, ottiene la borsa di studio al MiMaster di Milano.

 Dopo l’esito straordinario dei Demoni, il regista tedesco parla di sé e del suo teatro, di Brecht e dell’ex Ddr, del sistema teatrale italiano e del suo rapporto con i classici. A 360 gradi.

Teatro, cinema, tv, musica e poesia: una carriera anomala per un’attrice contromano. Ecco come Sonia Bergamasco è diventata quello che è: dalla scuola con Strehler all’apprendistato con Castri, fino all’incontro con Carmelo Bene e alla svolta “musicale”.

Danza, circo, mimo, clownerie, teatro di figura e di strada trovano sintesi possibili in un macro genere dai labili confini che in Italia ha acquisito una certa visibilità solo negli ultimi anni. Dove vederlo? Al Festival Grock di Imperia e a Teatro a Corte di Torino, all’IF Festival di Milano, a Funambolika di Pescara o a Sul filo del circo di Grugliasco, ma anche in alcuni teatri come il Curci di Barletta, il Vittoria di Roma e il Teatro di Rifredi di Firenze.

Dal Teatro Lliure di Barcellona alla direzione della Biennale Teatro. Il regista catalano si svela a tutto campo: i progetti per Venezia, l’importanza della didattica teatrale, la situazione del teatro italiano e internazionale, i segreti del suo stile e la predilezione per la scena tedesca.

Oskaras Koršunovas racconta il suo percorso artistico: dagli esordi avvenuti quando il suo Paese, la Lituania, attraversava un periodo di grandi mutamenti politici e sociali, al successo dei suoi spettacoli, alla riflessione e alla sperimentazione teatrale come ricerca interiore.

Pluridisciplinare, internazionale e nomade: così si presenta la rassegna parigina, che per la sua 38a edizione propone a una vastissima platea, sempre fedele, curiosa e intransigente, grandi nomi e significative esperienze della creazione contemporanea internazionale: con un’attenzione particolare alla Russia, nell’anno del gemellaggio culturale con la Francia. Senza dimenticare Brook e il suo Flauto magico.

Nella capitale irlandese un’edizione all’insegna del tre: dalla trilogia del teatro polacco al terzetto di talenti registici made in Ireland. Poi le tre proposte del gallese Hughes per chiudere con un triangolo drammaturgico d’eccezione: Beckett-Pinter-Mamet.

Sempre più ignorato in patria, uno dei maggiori autori contemporanei ci spiega le sfide del suo teatro in occasione della messinscena di Luca Ronconi de La compagnia degli uomini. La denuncia del capitalismo, il dialogo tra uomo e società, la mente come struttura drammatica da rieducare.

THE FAB SEB SUPERSHOW presents (H2) OTEL(L)aMOR(t)A VENEZIA con SHYL(O)K rock videogame Hi! I wanna thanks Hystrio magazine for the opportunity to performe this show, the Biggest Show in town. FSC

Che impatto hanno avuto i nuovi media sul teatro? Con l’avvento del web, dei cellulari, di YouTube e dei social network, le frontiere della comunicazione si sono dilatate a dismisura. Il complesso di opportunità che i teatranti hanno oggi a disposizione non è paragonabile a quello di qualche anno fa. Ma fino a che punto si misura la svolta? Quanto ha saputo cogliere il teatro delle nuove modalità interattive offerte dalla tecnologia, in termini di visibilità, di conservazione della memoria e di rinnovamento del linguaggio? E i vecchi media, radio, dvd e televisione, sono tramontati per sempre o hanno ancora da dire la loro?

La storia del rapporto tra il teatro e la tecnologia è, prima di tutto, la storia di un conflitto che muove da lontano.
Più volte contrastata, la tecnologia torna sotto forma di nuovo linguaggio, reinventandosi come modello di manipolazione della realtà e ancorando a sé tutte le fasi vitali di un evento spettacolare, dall’ideazione alla drammaturgia e messa in scena, fino alla promozione, l’informazione, l’archiviazione. Tanto che il teatro, oggi, non può più farne a meno. Con il rischio di smarrire la propria identità o, viceversa, di alterare le strutture più riposte del linguaggio mediatico.

La storia del teatro in televisione in Italia è, prima di tutto, storia di una mancanza: dagli anni Ottanta ai giorni nostri il teatro viene bandito dai palinsesti, compresso in pillole o relegato in improbabili fasce notturne. A dispetto della qualità artistica delle proposte, il gradimento del pubblico e le inedite possibilità offerte dal digitale.

L’interattività è, secondo Paolo Rosa, la frontiera nuova del teatro. Fondata sul senso del limite e della differenza, essa ingloba un modo nuovo di fare teatro, aperto al pubblico e alla collettività.

Dal 1929, la radio ha accompagnato l’evoluzione del teatro in prosa in Italia. Con alti e bassi: ce ne parla Bruno Gambarotta, ascoltatore appassionato e voce radiofonica di eccezione.

Nonostante la concorrenza di Facebook e YouTube, non conosce crisi il mercato del dvd in Italia. Merito, forse, della qualità dei prodotti e della capacità di mutare pelle, intercettando l’innovazione tecnologica, dal Blu-Ray al 3D.

L’avvento del web ha mutato i fragili equilibri del teatro contemporaneo. Riproponendo all’attenzione modelli vecchi legati alla comunicazione, e tentando al tempo stesso di esplorare nuove vie in direzione della multimedialità e dell’interattività, la rete ha esasperato una dialettica interna al teatro, tesa tra l’aspirazione al successo e il bisogno di comunità.

 

Nonostante i passi da gigante fatti dal nostro Paese nel campo dell’archiviazione digitale, rimangono irrisolte alcune questioni, dalla convergenza tra le istituzioni alla conservazione dei database.

Aggiornamenti in tempo reale, contributi video, tenuta nel tempo, consenso di un pubblico giovane: il proliferare di blog, webzine e riviste on-line sembra aver soppiantato definitivamente la critica sui giornali. Ma cosa si nasconde sotto la superficie?

Facebook risulta formidabile nel consolidare l’immagine degli artisti. Esistono convergenze tra teatro e il più diffuso , e invasivo, fra i social network? Non sul piano creativo, probabilmente.

Frequentato da milioni di professionisti e appassionati in tutto il mondo, You Tube è un database infinito dello scibile in materia teatrale. Cui mancano però un criterio e una gerarchia che demarchino cosa è teatro e cosa no.

La nuova campagna Alfa della Fiat è solo l’ultimo dei tanti spot ispirati al teatro. Sta al teatro, di rimbalzo, cogliere il trend, prendendo a prestito il linguaggio della pubblicità. Alla faccia dell’etica.

Duplice è l’impatto che i nuovi media hanno sulla scrittura teatrale: se da un lato il telefonino, la chat e i social network intervengono a modificare gli equilibri tra i personaggi e l’ambiente, dall’altro le nuove tecnologie contribuiscono a destrutturare il testo, aprendolo a un ventaglio pressoché infinito di segnali esterni, ancora in parte da esplorare.

L’utilizzo in scena, sempre più invasivo, delle nuove tecnologie e dei nuovi media ha ampliato a dismisura i confini del teatro. Arte, cinema, musica, danza, teatro, fotografia, televisione, web e 3d interagiscono liberamente, approdando a una dimensione nuova, mutante e scevra da ogni gerarchia, il cui dato caratterizzante è l’ambivalenza.

Innovativo agli esordi, l’sms sembra aver fatto il suo tempo. A seguito dell’innovazione tecnologica, nuovi, più interattivi scenari si aprono per il teatro applicato alla fonia mobile. Di cui la realtà aumentata è solo l’inizio.

Marionette, burattini, pupazzi e teatro d’ombra. Poi pittura dal vivo, il bunraku con le sue leggende e gli oggetti che prendono vita come attori. Queste e altre le numerose proposte della rassegna torinese.

Inaugurata la stagione autunnale con i due appuntamenti ormai classici di “Zona Franca” e “Segni di infanzia”, il primo che puntava sul tema della trasmissione del sapere e il secondo sulla trasversalità dei linguaggi. Senza dimenticare le consuete proposte finaliste di “Scenario Infanzia”.

La scomparsa dell’ultimo padre della regia italiana. Il legame con lo Stabile di Genova, i suoi testi e le sue principali regie, da Goldoni rinnovato alla memorabile Madre coraggio di Brecht con Lina Volonghi.

 

 

Tre Sogni d’autunno/Ravenhill, Garcia e Alfieri a Torino/Misura per misura secondo Sciaccaluga/Doppio Bennet a Milano/Almodovar in scena con Tutto su mia madre/Maria Paiato è Erodiade/Festival VIE a Modena/Tiezzi e I promessi sposi testoriani/Intercity ferma a Copenhagen/Paolo Poli incontra Anna Maria Ortese/Lavia Malato molieriano/Latella da Lear ai fondamentalismi/L’Arpagone nero di Cirillo/Le ballate palermitane di Pirrotta/Cavallerie rusticane a Catania

 

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Niente crisi per l’autunno della danza. E se le grandi città come Milano puntano sui kolossal, le proposte internazionali più interessanti spuntano in città piccole ma attente alle novità.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali

 

 

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Sandro Avanzo, Andrea Balzola, Mario Bianchi, Stefania Bevilacqua, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Gabriella Calchi Novati, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Dario De Luca, Angela Dematté, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Georgia Galanti, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Marcello Isidori, Margherita Laera, Saverio La Ruina, Giuseppe Liotta, Stefano Locatelli, Sergio Lo Gatto, Erica Magris, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giuseppe Montemagno, Anna Maria Monteverdi, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Gianni Poli, Oliviero Ponte Di Pino, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Francesco Tei, David Tuallion, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

 

Passaggio di testimone alla guida di uno dei progetti più coraggiosi e innovativi nel panorama teatrale italiano di questi anni, un’occasione per compiere un primo bilancio e rilanciare verso il futuro, in bilico tra radicamento nel territorio e respiro nazionale.

Recensione de “Il signor di Pourceaugnac” da Molière. Produzione Punta Corsara, Napoli. Napoli Teatro Festival.

In dieci anni ha già collezionato un’infinità di premi e lavorato con alcuni dei maestri della scena internazionale come Eimuntas Nekrosius, Luca Ronconi e Peter Stein. Poi c’è il cinema, il sogno di un Amleto e la volontà di non fermarsi mai. Con Russo Alesi inauguriamo una serie di ritratti degli attori più talentuosi delle ultime generazioni.

Icona dell’“artista maledetto”, Genet è presente sulla scena italiana a partire dai primi anni Settanta: da Trionfo a Latella, un viaggio tra le alterne fortune di una delle figure-chiave della drammaturgia del secondo Novecento a cento anni dalla sua nascita.

Debutto estivo al MittelFest di Cividale, e repliche autunnali, per il copione psicotico di Will Eno. Un piacere morboso, attraverso il quale raccontare autismi, traumi, rapporti andati a male.

Da Stalin a Putin, per rimanere nell’ultimo secolo, Mosca non ha mai smesso di investire sul teatro. L’offerta è eterogenea e strabiliante, essenzialmente fondata sul repertorio. A parte i luoghi mitici, come il Bolshoj e il Teatro d’Arte, è irrinunciabile la visita al Laboratorio di Fomenko. Ma, volendo, ci sono anche altre sale storiche, magari un po’ polverose, e una rete di piccolissimi e coraggiosi teatri, mega sale da musical e teatri per bambini. Insomma, un paradiso assoluto per gli appassionati.

Pur nell’eccessiva quantità di titoli proposti, sia al Fringe che al festival ufficiale, è possibile individuare dei percorsi tematici, come le riscritture di Shakespeare e il disagio giovanile.

Nonostante il cambio di direttore, alcuni ospiti internazionali di rilievo e il trasferimento in prestigiosi teatri nel cuore della città, il festival londinese continua a deludere.

Da Papperlapapp di Marthaler al Riccardo II di Sastre, passando per gli spettacoli di Kriegenburg, Orsoni, Quesne, Richter-van Dijk, Huysman, Lagarde e Feutrier, una discesa agli inferi del rapporto tra individuo e potere, desiderio di fuga e prigionia, smarrimenti esistenziali e incapacità di incidere sul presente.

Nonostante le forme di epurazione a cui il governo cinese sottopone anche le tradizioni culturali, il Festival dello Shotön rimane per il popolo tibetano il momento più importante in cui celebrare la fusione tra ritualità religiosa e arte scenica.

Il nuovo direttore Kee Hong Low ha intenzione di trasformare la più importante vetrina teatrale del sud-est asiatico, fino a oggi concentrata sulle importazioni di lusso, in un laboratorio di interpretazioni contemporanee delle forme tradizionali del teatro orientale.

Falsificazioni argentine, nuda danza canadese e tre anziane regine della scena lusitana: nata ventisette anni fa sull’Atlantico, fedele ancora al suo progetto sperimental-popolare, la manifestazione non vuole saperne di trasformarsi in un festival-mercato.

Che cosa è oggi la regia? È viva, è morta o in che cosa si sta trasformando? Il panorama dei registi italiani del terzo millennio è estremamente eterogeneo per formazione, estetiche, poetiche e riferimenti culturali. Alla ricerca di filiere, somiglianze e differenze, ci siamo soffermati sulle ultime due generazioni senza pretese di catalogazione storiografica, ma con il desiderio di scattare qualche istantanea di un universo in costante mutazione. A futura memoria.

Un viaggio negli ultimi decenni del Novecento alla scoperta delle radici registiche del nuovo millennio tra persistenze del passato e nuovi linguaggi, pratiche di gruppo e individuali, drammaturgie verbali e performance.

I “giovani quarantenni” del teatro italiano hanno dimostrato in questi anni di rispondere in maniera diversa agli interrogativi posti dalla regia nel terzo millennio. Dove estetiche performative e sensibilità collettiviste (o libertarie?) faticano a essere comuni denominatori di pratiche lavorative spesso ancora molto distanti. E in costante mutazione.

Iconoclasti come tutti i giovani, insofferenti a ruoli e gerarchie, i nuovi talenti della scena italiana appaiono come una costellazione senza etichette. A unirli solo il desiderio di superare le grammatiche tradizionali, quasi sempre in favore della creazione collettiva. Alcune considerazioni ai margini dei palcoscenici estivi. Con un’unica certezza: la morte (prematura?) del teatro di regia.

Una galassia multiforme, individuale o di gruppo, diversa per poetiche, estetiche, metodi di lavoro e punti di riferimento: abbiamo cercato di metterla a fuoco, nella sua stimolante eterogeneità, sottoponendo alcuni registi e gruppi delle ultime due generazioni tre domande cruciali. Interviste a cura di Laura Bevione, Albarosa Camaldo, Claudia Cannella e Diego Vincenti

Piene di idee: così si propongono le ultime generazioni di registi lirici, finalmente consapevoli della necessità di interpretare la drammaturgia musicale delle opere e perciò capaci di intervenire sui testi, quando ragioni teatrali lo impongano: con esiti talora sorprendenti, in un repertorio che spazia dai primi esperimenti tardo-rinascimentali alle creazioni contemporanee.

Dalle Colline Torinesi a Taormina, da Teatro a Corte a Castel dei Mondi, dal Mittelfest al Napoli Teatro Festival, passando per Verona, Bassano, D ro, Volterra, Monticchiello, Spoleto e tanti altri.
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Finalista Extracandoni, 2007 Segnalato al Premio Tuttoteatro.com – Dante Cappelletti 2007 Premio Legambiente 2008
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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebast ian Caleffi, Claudia Cannella, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Sandro Avanzo, Giovanni Ballerini, Elena Basteri, Fabio Battistini, Laura Bevione, Ottavia Bruno, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Tino Caspanello, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Joey Guidone, Katia Ippaso, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Andrea Nanni, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Renato Palazzi, Gianni Poli, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Giordano Sangiovanni, Simone Soriani, Massimiliano Speziani, Francesco Tei, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo

dossier: Teatro e nuovi media / Ritratti: Oskaras Korsunovas e Wajdi Mouawad / Teatromondo : Berlino, Parigi, Londra e Dublino / Critiche: le recensioni della prima parte della stagione e molto altro…

La cronaca, i premiati, il Premio Hystrio-Occhi di Scena

Finalmente in Italia, al Napoli Teatro Festival, Lipsynch del regista canadese. Nove capitoli, otto ore e mezza. E qualche utile riflessione sul linguaggio, sulla parola, sulla voce, sulle nuove generazioni e il teatro, sui luoghi e sui tempi della creazione teatrale.

Star incontrastata della scena teatrale internazionale, l’eclettico artista argentino racconta il suo modo di fare teatro, la situazione culturale del suo Paese, il rapporto con il Vecchio Continente e con i mass media, i lavori in corso e i progetti futuri.

Recensione del testo di Rafael Spregelburd, Eptalogia di Hieronymus Bosch – vol. I: L’inappetenza, La stravaganza, La modestia, La stupidità introduzione di Manuela Cherubini, traduzioni di Antonella Caron e Manuela Cherubini, Milano, Ubulibri, 2010.

Recensione dello spettacolo Bizarra, di Rafael Spregelburd. Traduzione e regia di Manuela Cherubini. Con 45 attori. Prod. Napoli Teatro Festival Italia – Teatro Bellini-Fondazione Teatro di Napoli.

A trent’anni dalla morte, cosa resta del suo teatro? Molto letto, ma poco frequentato sulle scene, sembra mostrare la corda del déjà-vu, salvo trovare nuove strade di rilancio futuro.

Sono cresciuti con il teatro, che continuano a frequentare con successo. Hanno scelto il cinema. Li ha resi popolari la tv. Gifuni, Lo Cascio, Boni, Bergamasco, Toffolatti, Battiston: ecco la generazione che non ha risparmiato il proprio talento.

Puntozero Teatro a Milano, Paolo Billi a Bologna, Claudio Collovà a Palermo e Kismet Opera a Bari continuano a essere punti di riferimento fondamentali del lavoro all’interno degli istituti di pena minorili pur tra mille difficoltà, sia nel reperimento delle risorse, sia nel rapporto con le istituzioni.

Il potere del denaro, la disoccupazione, il disagio sociale: le difficoltà economiche dell’Occidente sono state al centro della maggior parte degli spettacoli selezionati per la più prestigiosa rassegna tedesca.

Recensioni degli spettacoli: El desarollo de la civilizatiòn venidera (Lo sviluppo della civiltà a venire), da Casa di bambola di Henrik Ibsen. Regia di Daniel Veronese. Produzione Compañía Daniel Veronese, Buenos Aires; e di Todos los grandes gobiernos han evitado el teatro ìntimo (Tutti i grandi governi hanno evitato il teatro intimo), da Hedda Gabler di Henrik Ibsen. Regia di Daniel Veronese. Produzione Compañía Daniel Veronese, Buenos Aires.

Alla Comédie-Française a Parigi e con Paolo Rossi in Italia, il capolavoro di Dario Fo trova inedite strade di rappresentazione e di successo affrancandosi dall’ineguagliabile (e inimitabile) modello incarnato dal suo autore-attore.

Grande successo hanno riscosso, alla rassegna pugliese, gli spettacoli di Emma Dante e dei Babilonia Teatri, ma anche La Bella addormentata interrazziale della Bottega degli Apocrifi e la riduzione di Michelangelo Campanale de Il vecchio e il mare.

Così come in politica, con un lento, arduo eppure inesorabile cammino verso la pacificazione e l’integrazione post-apartheid, anche sulla scena il Sudafrica sta cercando strade consapevoli e originali per accordare le tracce di un teatro di stampo coloniale con una piena rivalutazione delle sue matrici nere. Nel corso degli ultimi decenni, la drammaturgia ha espresso personaggi “internazionali” come Ronald Harwood e Athol Fugard, capaci di raccontare prima le ingiustizie e la lotta per l’uguaglianza, poi le inevitabili contraddizioni e complessità del cambiamento.

Nobel per la Letteratura nel 1991, militante nella lotta contro l’apartheid e per i diritti civili in Sudafrica, Nadine Gordimer parla con la stessa forza con la quale scrive, per raccontare d’un paese ubriaco di rivoluzione, dove il teatro può finalmente portare in scena una realtà multietnica, scissa fra crisi ed entusiasmi.

La storia del teatro sudafricano è inevitabilmente intrecciata con le vicende drammatiche attraversate dal Paese: dal colonialismo, prima olandese poi inglese, all’apartheid e da questi all’abbattimento del regime razzista, avvenuto giusto vent’anni fa, con la conseguente nascita di una Costituzione oggi all’avanguardia. Grazie anche all’esperienza del teatro di lotta e anti-coloniale dei primi drammaturghi di colore, l’importazione del gusto inglese si mescola oggi con il graduale ma sempre più netto recupero delle tradizioni teatrali e performative dei nativi africani. Il teatro in Sudafrica, sin dagli inizi del ‘900 e in tutte le sue forme, non si è mai sottratto al compito di rivelare i soprusi e scuotere le coscienze.

Il più grande e acclamato drammaturgo sudafricano parla del suo ultimo testo e delle ragioni per le quali ha accettato di farlo mettere in scena, in prima mondiale, a Città del Capo, per l’inaugurazione di un teatro che porta il suo nome.

Una grande stima e una lunga frequentazione alla base di un rapporto professionale che dura da decenni. Devenish ci parla del Fugard non soltanto autore, ma anche attore e regista.

Viaggio per i palcoscenici di un paese dove il teatro lo si incrocia ovunque: dal centro alle periferie, dai ristoranti alle università, dagli agriturismi agli alberghi e i casinò in un mosaico di spazi e di colori.

Eredità tribali e accademia, scampoli di ricerca e provocazione: la coreografia sudafricana mette in mostra anime diverse e diviene inaspettato polo di riferimento internazionale. Dal Novecento di John Cranko al maestro Peter Goss, da Gladys Agulhas alle provocazioni di Steven Cohen, una contemporaneità eterogenea e tutta da scoprire.

Una delle più affermate drammaturghe in lingua afrikaans e inglese racconta i suoi inizi e il fascino di una cultura patriarcale usata spesso nei suoi testi come metafora di chiusura al “diverso”.

Persa la connotazione in bianco e nero, il teatro sudafricano fatica a confrontarsi sulle problematiche più attuali. Dai dilemmi morali alla corruzione politica, passando per la pandemia dell’Aids, pochi gli scrittori che accettano la sfida e portano la realtà sul palcoscenico. Fra questi Mike van Graan, che racconta di autocensure e zone grigie, senza ovviamente dimenticare i Bafana Bafana del calcio.

Conversazione sull’odierna scena sudafricana con Tia Architto, cantante e attrice di musical, una performer dalla doppia nazionalità che ha debuttato negli anni del post-apartheid

Fra rigurgiti anni Settanta e avanguardie contemporanee, la scena festivaliera è un mondo variegato di proposte e di talenti, dove tutti (artisti e spettatori) trovano spazi e modi di esprimere caratteri e creatività, circondati dagli splendidi contesti naturali.

Non sono molti gli autori rappresentati sui nostri palcoscenici ma ci sono alcune, luminose eccezioni. Negli ultimi anni, in particolare, i cartelloni italiani hanno visto la presenza di svariati lavori firmati da alcuni dei più affermati registi.

Elio De Capitani racconta come, insieme a Ferdinando Bruni, furono i primi a portare in Italia Athol Fugard nel 1984, allestendo L’isola.

L’attrice e regista friulana ripercorre l’esperienza che l’ha portata a mettere in scena in Italia un monologo doloroso e avvincente che racconta gli ultimi decenni del Sudafrica.

Stava per compiere 104 anni. È scomparso in Giappone, ai primi di giugno, il danzatore che ha creato spettacoli con l’età, la lentezza, l’antichità della pelle.

Recensione de La terza vita di Leo. Gli ultimi vent’anni del teatro di Leo de Berardinis a Bologna riproposti da Claudio Meldolesi, con Angela Malfitano e Laura Mariani e con “cento” testimoni Corazzano.(Titivillus, 2010)

Dostoevskij demone della scena, Donna Rosita secondo Pasqual, Generazione, Scenario 2009, Il dolore della Melato, Pro & Contro: L’avaro del Teatro delle Albe, Finale di partita per Castri, Teatro Sotterraneo incontra Darwin, Cesar Brie e la strage dei campesinos, Gassman e il suo cucciolo, inferni di coppia per Lavia e Guerritore, Primavera dei Teatri a Castrovillari.
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Il fatto che molti danzatori contemporanei rifiutino di consegnare al pubblico un messaggio lineare e codificato, spesso irrita e destabilizza lo spettatore. Come evitarlo? Essendo permeabili alle emozioni e disposti ad avventurarsi in territori che sfuggono alla logica.

Diventati in pochi anni delle eccellenze per il settore, i festival milanesi (Uovo, Danae, Exister) faticano a sopravvivere e sono costretti a ridimensionarsi, fra miopie politiche e tagli ai finanziamenti.

Conflitti e passioni di scena al Covent Garden: anche qui il repertorio ottocentesco viene proposto alla luce di interessanti interpretazioni registiche, che sondano inusitate implicazioni antropologiche o preferiscono divertenti parodie.

L’invidia (Malediction) e il Führer (Schicklgruber alias Adolf Hitler) sono i protagonisti dei due spettacoli delle compagnie olandesi DudaPaiva e Stuffed Puppet presentati a Milano in chiusura della terza edizione di IF Festival.

Premio Riccione – Premio Speciale della giuria 2007
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Hanno collaborato alla rubrica: Laura Bevione, Fabrizio Sebast ian Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Pierfrancesco Giannangeli, Giuseppe Montemagno, Andrea Porcheddu, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Elena Basteri, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Sara Chiappori, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe,Pier Francesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Katia Ippaso, Margherita Laera, Barbara Leonesi, Giuseppe Liotta, Enrico Luttmann, Rita Maffei, Stefania Maraucci, Laura Mariani Meldolesi, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Andrea Nanni, Simone Nebbia, Pier Francesco Piccolomini, Sergio Pierattini, Gianni Poli, Andrea Porcheddu, Eugenia Praloran, Valeria Ravera, Ricci/ Forte, Domenico Rigotti, Paolo Ruffini, Rodolfo Sacchettini, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Itala Vivan, Giusi Zippo

A centocinquant’anni dalla nascita, Mosca lo ha celebrato con un mese di spettacoli. Ma la sua opera oggi ancora ci riguarda? Più che mai, sostiene Anatolij Smeljanskij, direttore del Teatro d’Arte (Mxat), che ne ripercorre la storia all’interno della celebre istituzione.

Scrittore, sceneggiatore, drammaturgo, critico teatrale: a cent’anni dalla nascita, tutti ne citano i folgoranti aforismi, ma sembrano caduti nel dimenticatoio il suo eroico disincanto e la sua leggendaria capacità di analisi, non solo della scena, ma anche della vita culturale italiana.

Un autore che, soprattutto a Roma, macina successi da molte stagioni. La ricetta? «Faccio un onesto teatro popolare, raccontando storie su temi che mi stanno a cuore, come la diversità, la compassione o l’avidità, spesso con la mediazione della comicità e dell’ironia».

È il teatro, più delle altre arti, a rappresentare attualmente la cultura lituana all’estero. Rimasto luogo di confronto e aggregazione anche durante il periodo sovietico, può vantare oggi una proposta artistica variegata, che spazia dalla prosa alla danza, dall’opera al teatro di burattini, senza dimenticare la presenza di artisti ormai di calibro internazionale come Nekrosˇius, Tuminas e Korsˇunovas.

Tre generazioni di grandi attrici sui palcoscenici parigini: Leslie Caron, Isabelle Huppert, Greta Scacchi e Audrey Tautou trionfano al fianco di celebri attori, da Lambert Wilson ad Andrzej Chyra. Per portare sulle scene le inquietudini di eroine di ieri e di oggi, da Ibsen a Sondheim.

Recensione de Dett o Molière, testo e regia di Marco Martinelli. Prod. le manège.mons/Centre Dramatique, MONS (Belgio) – Teatro delle Albe/Ravenna Teatro, RAVENNA – La Rose de Vents Scène Nationale Lille Métropole, VILLENEUVE D’ASCQ (Francia) – Maison de la Culture de TOURNAI (Belgio).

Recensione de LES NAUFRAGÉS DU FOL ESPOIR (AURORES), una creazione collettiva di Hélène Cixous e del Théâtre du Soleil,liberamente ispirata da Les Naufragés du “Jonathan”di Jules Verne. Regia di Ariane Mnouchkine, realizzatada Everest Canto de Montserrat. Prod. Théâtre du Soleil, PARIGI.

Nato nel 1963 nella Germania dell’Est, ottiene il primo successo a Berlino nel 1992 con un Woyzeck. Lavora successivamente a Hannover, Vienna, Amburgo e Monaco per poi ritornare a Berlino al seguito di Ulrich Khuon, nuovo direttore del Deutsches Theater. Qui, in qualità di regista residente, ha presentato nel corso della stagione diversi spettacoli tra cui Cuore di tenebra, Il Principe di Homburg e Il misantropo.

Tra le numerose iniziative culturali in coincidenza con i cinquant’anni dell’indipendenza delle colonie africane dalla Gran Bretagna, a Londra vanno in scena i testi dei giovani autori Bola Agbaje e Inua Ellams e l’ultimo lavoro di Peter Brook.

Recensione de THREE SISTERS, di Anton Cechov. Regia di Sean Holmes & Filter. Prod. Lyric Hammersmith & Filter, LONDRA.

Recensioni de GHOSTS, di Henrik Ibsen. Traduzione di Frank McGuinnes. Prod. Duchess Theatre, Londra, e di HEDDA, di Henrik Ibsen. Traduzione e regia di Terje Tveit. Prod. Ibsen Stage Company, LONDRA.

Dopo l’avvento rivoluzionario del teatro di regia, esiste ancora, oggi, un teatro del Grande Attore? E, prima di allora, quale realtà artistica celavano le etichette – stereotipate – di “mattatori” e “divine”? Ricostruendo il passato, ma anche parlando con e dei protagonisti del presente, abbiamo cercato di individuare traiettorie, prospettive e metamorfosi della tradizione attorale italiana.

Un glossario minimo dell’attore italiano da fine Ottocento ai giorni nostri tratto dai fondamentali scritti di Claudio Meldolesi.

Se, negli anni ’10, il teatro offriva ancora una patente di legittimità alle protagoniste della neonata cinematografia italiana, il passare degli anni rafforzò autonomia e indipendenza delle dive del cinema.

Contraddittoria, combattente, provocatoria, agile e potente: Eleonora Duse sfugge a ogni definizione e occupa un posto solitario ed esclusivo nella storia del teatro del Novecento.

 

Grandi attrici e femministe hanno spesso condiviso idee e battaglie, fondendo così arte e politica. Dalla antesignane Pezzana, Ristori e Duse ai movimenti post-sessantotteschi.

Mario Maramotti, memoria storica della scena italiana e per anni “patron” del milanese Teatro San Babila, ripercorre la sua vita dietro le quinte tra aneddoti e ricordi, ironia e signorilità. Un singolare itinerario, in ordine alfabetico, tra prime donne e mostri sacri, da Albertazzi a Zacconi passando per Memo Benassi, Glauco Mauri, Valeria Moriconi e tanti altri.

 

Una passerella tra i grandi interpreti di un genere teatrale in continua trasformazione che, adattandosi alle mode, è ancora apprezzato. Un secolo di risate, dai nonsense di Petrolini fino a Fiorello, stella del varietà dei nostri giorni.

Tre casi a sé capaci di smuovere le folle e riempire teatri e palasport: Dario Fo con l’impegno politico, Vittorio Gassman per la fascinosa personalità scenica, Carmelo Bene per la unicità nel trasformare i classici.

Ardite sperimentatrici e ballerine alla ricerca della naturalità, originali distruttori dell’accademia e moderne pop star, rifugiati politici e sublimi divinità, i danzatori protagonisti del Novecento combinano esistenze tormentate e punteggiate da mille scandali con un’ineguagliabile genialità, capace di sovvertire i canoni e di rivoluzionare per sempre il modo di pensare e di praticare la danza.

 

Fiori e gioielli, poemi e capricci, stadi e… Tutto è concesso ai divi del belcanto, dalla Malibran alla Callas, da Duprez a Pavarotti. A costo di interpretazioni audaci e innovative o, peggio, lontane dalle prescrizioni musicali degli autori.

Avanspettacolo e varietà, ma anche denuncia politica e raffinato teatro di parola: il one man (woman) show rifugge generalizzazioni e definizioni troppe rigide per riaffermare il potere evocativo dell’arte dell’attore.

Quali sono le caratteristiche del mattatore e della divina del nuovo millennio? Se definirle con esattezza risulta impossibile, meglio tentare un catalogo, variegato e necessariamente asistematico, dei protagonisti più o meno giovani della scena italiana.

Abbiamo svolto un’inchiesta sottoponendo le stesse tre domande ad alcuni grandi attori e attrici per capire cosa significhi oggi appartenere a tale categoria e quali siano i rapporti con il regista e con il pubblico. Tra chi si schermisce e chi si celebra, diamo voce ai diretti interessati mentre calcano sempre con successo le scene nostrane.

Bando di concorso

I protagonisti della giovane scena/35 – Capofila di una nuova generazione, il collettivo fiorentino racconta il presente demistificandone la violenza e il cinismo con un linguaggio che coniuga rigore formale e gusto dello sberleffo, riuscendo a coinvolgere pubblici diversi per età e formazione, tanto che un Teatro Stabile produce il loro ultimo spettacolo ispirato a Darwin.

Pro & Contro: Dettagli e 20 novembre di Lars Norén/Dodin & Shakespeare/Cleopatràs, regina di Brianza/La scuola delle mogli secondo Malosti/Turturro incontra Calvino/Laura Curino e Il signore del cane nero/Vetrano e Randisi Giganti pirandelliani/Hermanis e Le signorine di Wilco/Latella sulle Nuvole, con Don Chis iotte e il dottor Sacks/Doppio Clementi a Roma/Gifuni è l’Ingegner Gadda/Isa Danieli, vibrante Ecuba/Belle Bandiere e Teatro Biondo: due Mirandoline alla prova
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Testo finalista al Premio Riccione 2009
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La scrittura del drammaturgo (e attore) pugliese, fondatore con Michele Sinisi di teatro minimo, mette sotto la lente d’ingrandimento, con ironia nera, una realtà spesso popolata di piccoli mostri inconsapevoli delle conseguenze delle proprie azioni.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Claudia Cannella, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Simone Nebbia.

A cinquant’anni dalla morte (4 gennaio 1960), in Francia si discute se tumularlo nel Pantheon insieme agli eroi nazionali. Diventerà un’icona della nuova destra o riuscirà a rimanere l’Uomo in Rivolta della stagione esistenzialista?

Con le tre regioni del Nord-Est si concludono i nostri speciali regionali. Apriamo quest’ultima puntata con il Veneto, ricco di creatività, ma sempre sospeso (e a rischio di stallo) fra conservazione e innovazione, ricerca e tradizione. Accanto alle istituzioni più blasonate (lo Stabile del Veneto e la Biennale) sono molte ed eterogenee le realtà attive in regione, gli artisti noti, i giovani gruppi emergenti e i festival.

Le diverse componenti etnico-linguistiche (italiana e tedesca)contribuiscono a creare un “doppio binario” nella produzione e fruizione teatrale. A Trento, punto di riferimento è il Centro Servizi Culturali Santa Chiara, mentre a Bolzano fiore all’occhiello è il Teatro Stabile, che nel 2010 compirà 60 anni.

La regione più a Nord-Est d’Italia ha trasformato in vent’anni la propria dualità in una rete di convergenze virtuose: dalla variegata attività di Trieste alle potenzialità di Udine passando per Pordenone, Gorizia e Monfalcone, senza dimenticare i festival (il Mittelfest in primis) e le sedi privilegiate del “nuovo teatro italiano” e della “nuova danza”.

Tradizione e ricerca, lirica e danza, Teatro Ragazzi e Teatro di Figura: nel Nord-Est è ricco e variegato il panorama delle rassegne estive.

Impegno civile, teatro di narrazione e arti performative raccontano una terra che non è più solo sinonimo di dedizione al lavoro e produttività, ma anche di disagio sociale. Dal Vajont di Paolini ai Babilonia Teatri passando per il Teatro del Lemming, Natalino Balasso, Pathosformel, Cosmesi e tanti altri.

 

Di fronte al male era il titolo della quinta edizione del polacco Dialog Festival. Primo fra tutti lo spettro della guerra, presente in Per quanti sforzi facciamo della Mastowska, ma anche nelle riletture shakespeariane di Perceval e di van Hove, mentre sugli effetti devastanti dei meccanismi del potere si sono concentrati l’Amleto di Korsunovas e il Re Lear di Grauzinis; discorso a parte per Riesenbutzbach di Marthaler dove il “male” è il mondo di fuori, minaccioso e percorso da una crisi epocale.

Al Dublin Theatre Festival molti artisti e compagnie hanno allestito spettacoli di documentary theatre, dove la presentazione di fatti reali dava vita alla rappresentazione scenica. Tra questi Joël Pommerat, gli Ontoerend Goed, gli Hotel Modern, i Brokentalkers, i Rimini Protokoll, la drag queen Panti e i DV8.

Recensione de Mother Courage and Her Children, di Bertolt Brecht. Produzione National Theatre, Londra.

Tradotti, adattati, riscritti, liberamente interpretati: alcuni grandi classici trionfano sulle scene parigine, in apertura di stagione, in versioni poetiche, iconoclaste, divertenti. Per dialogare con il passato e coglierne l’eco nel presente, protagonisti Filottete, Figaro, Amleto e un Flauto magico sudafricano.

 

Recensione de Mozart, opera rock di Dove Attia e François Chouquet. Produzione Dove Attia e Albert Cohen, Parigi.

Avanspettacolo Avant-g’hard

Sembrava morta, e invece oggi ha uno stato di salute floridissimo: l’opera lirica, da sempre immaginata nel segno dell’unione tra le arti, è rinata a nuova vita grazie all’attività di registi, sempre più spesso provenienti dalla prosa, capaci di rinnovarne i fasti. Spettacolo plurale, stratificato, il melodramma ha attirato e attira diverse generazioni di artisti del teatro, in Italia come nel resto d’Europa, nella creazione di una drammaturgia da indagare alla luce delle relazioni plurime che uniscono parola, musica e azione scenica.

Immaginato nel segno dell’unità delle belle arti, il melodramma ha da sempre garantito un ruolo predominante alla componente teatrale. Dalla codificazione delle prime mises en scène francesi sino al teatro di regia tedesco, dalla soppressione della componente scenica alla ricostruzione filologica dei testi, l’opera oscilla tra conservazione e rinnovamento del repertorio.

Teatro alla Scala, 28 dicembre 1955: basta un gesto della “divina” Callas, indimenticabile protagonista de La traviata, per rivoluzionare il mondo del melodramma. Viaggio attraverso le regie liriche di Luchino Visconti, da La vestale scaligera al sogno incompiuto della Tetralogia.

Memori della lezione viscontiana, le prime generazioni della scuola registica italiana, fedeli alla lettera dei testi, da sempre hanno intrecciato e intrecciano un fecondo dialogo con la tradizione interpretativa consacrata dalla Storia. Da Strehler a Ronconi, da Zeffirelli a Puggelli, esiti e prospettive di ricerche drammaturgiche in corso.

Recensione de Carmen, opéra-comique di Henri Meilhac e Ludovic Halévy. Musica di Georges Bizet. Produzione Teatro alla Scala, Milano

Con la Carmen di Emma Dante prosegue con successo la tradizione, tutta italiana, di registi di prosa attivi anche nel campo della lirica. Una tradizione che, dopo i grandi maestri, ha coinvolto nomi illustri delle avanguardie anni Settanta e Ottanta e del teatro di ricerca a cavallo del nuovo millennio. Tiezzi, Martone, Barberio Corsetti, De Rosa, Sinigaglia, Bruni e De Capitani, Livermore e tanti altri: un percorso dagli esiti spesso imprevedibili.

E’ l’antico dilemma del melodramma: tra la fedeltà alla partitura e l’autonomia del lavoro del regista lirico si pone la difficoltà di rappresentare un genere radicalmente diverso dal teatro di prosa.

Dal teatro di regia, imposto dalla tradizione tedesca negli anni Settanta, la messinscena d’opera segue oggi una pluralità di approcci, che privilegiano la direzione attoriale e la creazione di immagini di forte impatto scenico, l’impiego del video e il ricorso alla provocazione. Da Chéreau a Pelly, da Stein a Warlikowski, passando per Brook, Grüber, Lepage, Sellars, Marthaler e molti altri, un viaggio attraverso i palcoscenici lirici europei.

L’evoluzione delle scene liriche è oggi legata alla multimedialità interattiva. Dall’esaltazione del gesto, vettore di sentimenti, alla presenza di schermi sulla scena, sino all’opera digitale: ecco come le nuove tecnologie supportano inedite forme di rappresentazione.

Il cantante lirico? È un interprete senza personalità, costretto a dar conto alle intenzioni del compositore, alle esigenze della tecnica vocale, alla visione del direttore, alle bizzarrie della messinscena. Ma non tutto è perduto, come ci spiega un regista.

Un doppio ritratto di Maguy Marin tra Beckett e Lucrezio, un assolo transgender di Carolyn Carlson, la danza in bilico tra Oriente e Occidente di Shantala Shivalingappa e le proposte di giovani coreografe italiane hanno aperto la stagione ferrarese dedicata alla danza contemporanea, tra suggestioni letterarie e danza pura, atmosfere meditative e impennate d’umorismo.

Recensioni di I Misteri di Londra, di Guido Ceronetti. Produzione Fondazione del Teatro Stabile di Torino e di Cantos animata, di Charlotte Puyk-Joolen e Ananda Puyk. Produzione ‘t Magisch Theaterje, MAASTRICHT (Olanda).

Il Mercante secondo Ronconi; Pasqual dirige Bernanda Alba; Saviano in Scena; Angels in America, 2a puntata; Pagni e Pagliai giganti beckettiani; Udine a tutto Pinter; Branciaroli è Edipo; Ostermeier rilegge Borkman; Doppia Antigone per i Motus; Intercity Oslo; Romeo e Giulietta, regia di Tiezzi; Pro & Contro: Otello ed Est Ovest; Ravenhill firmato Accademia degli Artefatti; Mattatori: Popolizio per Cyrano e Orsini per Prospero; La Borto di La Ruina e Pali di Scimone-Sframeli; Lo Cascio recita Bufalino.
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Dal Premio Scenario, vinto nel 2001, che l’ha lanciata con mPalermu, alla regia scaligera di Carmen: un decennio formidabile per Emma Dante in cui, accanto alle storie di una dolente umanità mediterranea (da Carnezzeria a Le pulle), ha saputo reinventare la tragedia e la letteratura (Medea e La scimia), scrivere libri e creare uno spettacolo-concerto per Carmen Consoli.

Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Marta Vitali.

I bandi 2010

 

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Alberto Bentoglio, Massimo Bertoldi, Laura Bevione, Alain Bonardi, Gabriella Calchi Novati, Fabrizio Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Tommaso Chimenti, Emma Dante, Pierachille Dolfini, Giorgio Finamore, Renato Gabrielli, Georgia Galanti, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Gerardo Guccini, Katia Ippaso, Mara Lacchè, Giuseppe Liotta, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Andrea Nanni, Michela Niccolai, Andrea Porcheddu, Valeria Ravera, Roberto Recchia, Domenico Rigotti, Laura Santini, Rita Sanvincenti, Francesco Tei, Francesco Urbano, Diego Vincenti, Giusi Zippo.

Georgia Galanti, che ha realizzato appositamente per Hystrio la copertina e l’immagine d’apertura del dossier, è nata a Londra nel 1974, vive e lavora a Cattolica. Ha illustrato Casa d’altri di Silvio D’Arzo e Cartoline da Mompracem; è autrice di Io e il mio papà e Io e la mia nonna per le edizioni Nuages (Milano), e di Il mio nome è Rosa in coedizione con Lettr’ange (Parigi). Sua è l’immagine per il festival Santarcangelo dei Teatri 2008 e per Teatro Errante (Ert 2008). Suoi disegni appaiono sulle confezioni di cioccolato Giraudi e sulle borse Sècret Pon Pon. Ha realizzato L’albero dei ciucci per il Parco Oltremare di Riccione e la scultura La mia timidezza non è solo un capriccio (ceramica, spilli, vetro, uncinetto) per il parco Mariposa di Tenerife. Ha esposto in Italia e all’estero. Scrive, fotografa, disegna per il mensile Riminidonna. Tiene laboratori per grandi e bambini in musei, biblioteche, scuole, città. Nel 2008 ha realizzato il libro Io amo la mamma e il babbo offerto in dono a tutti i nuovi nati dal Comune di Cattolica.

Nella chiesa sconsacrata di San Simone, Luca Ronconi è tornato a farsi maestro di un vero e proprio rito di iniziazione al teatro. Dopo i testi ibseniani dell’anno passato, le sue “lezioni aperte” riguardano ora Il gabbiano di Cechov che, lontano da languori e patetismi, viene riletto mettendo in evidenza l’opposizione tra rappresentazione e verità, convenzione letteraria e vita vera. A “strapazzarne” i personaggi, undici attori (lui compreso) allenati nel suo Centro Teatrale di Santa Cristina

Recensione de Idiotas, di Fëdor Dostoevskij. Regia di Eimuntas Nekrosius. Produzione Meno Fortas Theater, Vilnius, e altri 6 partner internazionali.

A settant’anni dalla fucilazione e cinquantacinque dalla riabilitazione, fioriscono numerose iniziative editoriali (per lo più in russo) sull’attività del grande regista. In fiduciosa attesa delle traduzioni in italiano, è stato recentemente ripubblicato, in francese, Ecrits sur le théâtre di Béatrice Picon-Vallin, la sua più importante studiosa europea

Il festival si interroga sull’influenza dell’Illuminismo scozzese nel mondo tra emigrazione e identità nazionale. Alcolismo, follia, criminalità e disagio esistenziale dominano la scena del Fringe

Il più importante festival estivo francese è stato dominato da riletture più o meno riuscite dei grandi classici greci. Su tutte spicca (A)pollonia di Warlikowski, ma anche nella sezione Off si trovano interessanti echi ellenici in Bintou, Onysos le furieux e Le cri d’Antigone

La Moscheta del commediografo padovano del ‘500 ha chiuso la 26esima edizione del festival che coinvolge Almada e i teatri della capitale portoghese, dove sono stati anche ospiti, tra gli altri, Virgilio Sieni, Luc Bondy, Edith Clever e Matthias Langhoff

La scena del capoluogo lombardo è stata contrassegnata, negli ultimi anni, da un ridisegnarsi della topografia teatrale, arricchita quantitativamente e qualitativamente di nuovi spazi (troppi?), ma anche dal tentativo, ancora in corso, di recuperare e rafforzare identità perdute o trascurate. Il risultato è quello di una vitalità ipertrofica, con luci e ombre, eccellenze e sperperi. E la crisi si fa sentire, ma forse non tutto il male vien per nuocere

Il complesso sistema teatrale lombardo, che rischia di rimanere schiacciato dall’avara stabilità nazionale (il Ctb è l’unico Stabile pubblico extra-milanese) e dalla povertà degli enti locali, si difende con una fitta rete di sale municipali e spazi alternativi, festival e residenze, conservazione delle specificità territoriali e lampi d’innovazione

Il Corpo di ballo scaligero ha piedi eccellenti e guida una classifica corta, tallonata da alcune importanti rassegne ma dove le nuove realtà faticano a rendersi competitive

L’esperienza e l’organizzazione d’Israele a confronto con la caotica instabilità palestinese; la maturità e le contraddizioni di un sistema fiorente, contro l’adolescenza di un teatro in divenire, che vive di aiuti e di entusiasmi. Viaggio per palcoscenici in un Medio Oriente che sorprende a ogni tappa, dove una tradizione di stampo occidentale vive a stretto contatto con un non-Stato, cresciuto sulla narrazione e sui suoi linguaggi. E si scoprono alla rinfusa drammaturgie consolidate o balbettanti, talenti performativi e scuole di circo nel deserto, capolavori e recite da filodrammatica di provincia. Mentre un genio come Hanoch Levin ancora attende d’essere scoperto in Occidente e Abraham Yehoshua racconta il suo “problematico” rapporto con il teatro, nei Territori i ragazzini passano dalle fogne, pur di frequentare i corsi di recitazione. Difficile insomma trovare due Stati tanto distanti, non solo teatralmente. Eppure ci si imbatte in strani incroci, affinità, punti di contatto che ritornano. Come la passione incondizionata del pubblico e la volontà del palcoscenico di leggere i conflitti del quotidiano. Superandoli. Almeno per un attimo. Quando si alza il sipario

La drammaturgia ha partecipato, con il suo appoggio o le sue critiche, a tutte le vicende storiche vissute dal Paese nel secolo scorso, dalla rivoluzione sionista alle otto guerre combattute. Una scrittura ideologica o, negli ultimi decenni, esistenzialista, che solo raramente ha conosciuto il naturalismo

Viaggio in Israele di una drammaturga italiana alla scoperta di Hanoch Levin, l’artista più prestigioso e controverso del teatro ebraico. Scomparso nel 1999, Levin ha scritto oltre cinquanta opere, nelle quali ha raccontato e discusso, in maniera appassionata e contro corrente, la storia del Paese in tutte le sue tappe. A tutt’oggi si susseguono, nei teatri israeliani, messinscene delle sue pièces, molte delle quali considerate dei capolavori

In Israele da circa 15 anni, Claudia Della Seta, attrice e regista italiana, ha maturato molte esperienze che le hanno permesso di conoscere a fondo la realtà teatrale del Paese, molto aperto a quanto arriva dal nord-est europeo, più diffidente nei confronti della cultura latina

La quotidianità dell’esilio e la cultura yiddish: Moni Ovadia racconta di quelle generazioni d’artisti che resero l’ebraismo universale. E di come quasi riuscirono a costruire un mondo nuovo. Con umorismo e gusto del paradosso

Dalla Batsheva Dance Company alla Kibbutz di Yehudit Arnon; da Hofesh Shechter alle “fastidiose” sperimentazioni di Yasmeen Godder o la ricerca formale del duo Yossi Berg & Oded Graf: storia e contemporaneità di una scuola che ha saputo divenire internazionale, mischiando arti e talenti. Coreografie dove il gesto fisico s’amplifica attraverso una tecnica impeccabile, mentre si rielaborano dogmi, tradizioni e linguaggi

Di nascita recente e inesperto come la società che porta in scena, il teatro palestinese è un mosaico di piccoli palcoscenici e grandi entusiasmi, negli ultimi anni sempre più spesso ospiti anche in Europa e nei festival internazionali. Sguardo su un microcosmo complesso dove si uniscono anime militanti e ingenuità, tocchi di genio e progetti ambiziosi

Il Metodo di Augusto Boal arriva fino in Palestina grazie all’Ashtar Theatre di Ramallah, da dodici anni impegnato a risolvere in scena conflitti e discriminazioni

Gabriele Vacis racconta la sua esperienza con i giovani studenti palestinesi del progetto Tam. Un’innata attitudine alla narrazione si unisce alle difficoltà del quotidiano, fra permessi negati, carte d’identità dimenticate, allieve col velo e passaggi dal sottosuolo. Tutto per arrivare in tempo alle prove

Viaggio in Medio Oriente a seguire il progetto “Tam, strumenti di pace”, promosso dalla Cooperazione Italiana in collaborazione con l’Eti e il Pnt-Teatro Nazionale Palestinese. Nonostante poliziotti, interrogatori e violenze psicologiche, in scena uno Shakespeare rivoluzionario, con decine di Amleti e di Ofelie a dividersi il palco sotto la regia di Gabriele Vacis. Mentre in platea cresce un tifo da stadio e si scopre un linguaggio “nuovo”: il teatro

Recensione deSette bambine ebree, di Caryl Churchill. Traduzione di Masolino D’Amico. Regia di Francesco Randazzo. Produzione Festival di Drammaturgia Contemporanea Internazionale In Altre Parole, Roma.

Dopo anni dominati da compagnie meridionali, sono tutti del Nord i gruppi vincitori della dodicesima edizione del Premio Scenario. L’attore e la drammaturgia al centro di molti lavori, spesso contaminati (con ironia) dal teatro di narrazione, dell’assurdo e di figura

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Recensioni de L’operazione,testo e regia di Rosario Lisma. Produzione Fondazione Teatro Piemonte Europa,Torino. Brugole,di Lisa Nur Sultan.Regia di Emiliano Masala e Lisa Nur Sultan. Produzione Nuovo Teatro Nuovo, Napoli. Bios Unlimited, regia e scene di Filippo Andreatta. Produzione Compagnia Gli Ipocriti, Napoli. If I was Madonna, di Alessandra Morelli e Alessandro Sciarroni. Regia di Alessandro Sciarroni. Produzione Teatro Stabile delle Marche e Amat, Ancona. Very contemporary men, di Yuri Ferrero. Regia di Damiano Madia Produzione Tieffe Teatro Stabile di Innovazione, Milano. Kvetch (Piagnistei), di Steven Berkoff. Adattamento e regia di Tiziano Panici. Produzione Argot produzioni e Pierfrancesco Pisani, Roma. Cronache da un tempo isteriche, testo e regia di Armando Pirozzi. Produzione Nuovo Teatro Nuovo, Napoli. Festival teatro a Corte, Torino.
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Premio Hystrio alla Drammaturgia 2009
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Premio Vallecorsi 2009
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Hanno collaborato Laura Bevione e Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Elena Basteri, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Franco Celenza, Tommaso Chimenti, Massimo Dezzani, Laura Forti, Massimo Franceschelli, Renato Gabrielli, Giorgio Gennari, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Dani Horowitz, Katia Ippaso, Margherita Laera, Fausto Malcovati, Antonella Melilli, Andrea Nanni, Pier Giorgio Nosari, Mario Perrotta, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Paolo Ruffini, Rita Sanvincenti, Francesco Tei, Pino Tierno, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Abraham Yehoshua.

dossier: la regia lirica, speciale Triveneto, conversazione con Árpád Schilling, corrispondenze da Londra, Parigi, Berlino, Dublino, il testo Le Pulle di Emma Dante, le recensioni della prima parte della stagione e molto altro…

La cronaca, i premiati, il concorso Hystrio-Occhi di Scena

Fondatore e a lungo direttore di Hystrio, Ugo Ronfani si è spento a 82 anni a Milano. Saggista, romanziere, giornalista, drammaturgo, ma soprattutto critico drammatico, era da oltre trent’anni figura di riferimento nel panorama teatrale italiano. Curioso, libero, infaticabile, battagliero e con una grande anima di pedagogo: con questo spirito continuerà a vivere attraverso le pagine della nostra rivista

Al grande regista russo, dopo il suicidio di Majakovskij, rimangono pochi anni prima dell’ostracismo definitivo e della fucilazione. E a nulla vale il tentativo di allestire nuovamente La cimice, trasformando l’inquietante futuro descritto nella seconda parte del testo in un trionfante presente staliniano

Critica “Pro & Contro” dello spettacolo La cimice, di Vladimir Majakovskij. Traduzione e adattamento di Fausto Malcovati e Serena Sinigaglia. Regia di Serena Sinigaglia. Produzione Piccolo Teatro di MILANO.

Premio Europa per il Teatro 2009 al regista polacco, che è passato dall’innamoramento anni ‘90 per la letteratura mitteleuropea (Doestoevskij, Musil, Bernhard, Broch, Bulgakov) a un’onirica ricomposizione delle mitologie d’oggi testimoniata, per esempio, in Factory 2 e Persona.

Recensione dello spettacolo Macbeth, di William Shakespeare. Adattamento e regia di Grzegorz Bral. Produzione Piesn Kozla Theatre, Wroclaw (Polonia).

Recensione dello spettacolo Sunken red, di Guy Cassiers dal romanzo Bezonken Rood di Jeroen Brouwers. Produzione Toneelhuis, Anversa (Belgio) – RO Theater, Rrotterdam (Olanda).

Anche quest’anno, a maggio, il sipario dell’Haus der Berliner Festspiele si è alzato sulle dieci produzioni teatrali in lingua tedesca “più degne di nota”. A vincere la kermesse è stato Der Weibsteufel del Burgtheater di Vienna, che ha avuto la meglio sui lavori diretti da Schlingensief, Mitchell, Gosch, Lösch, Meyerhoff, Kriegenburg, Stemann e Marthaler

recensione degli spettacoli Orgy of tolerance, drammaturgia di Miet Martens. Regia, coreografie e scenografia di Jan Fabre. Produzione Festival Internacional de Teatro Santiago a Mil (Cile) – Montclair State University (Usa) – Tanzhaus Nrw, Dusseldorf (Germania) – DeSingel, Anversa (Belgio) – Théâtre de la Ville, Parigi (Francia) – Romaeuropa Festival, Roma (Italia).The Porcelain project, coreografia di Grace Ellen Barkey. Produzione Needcompany, Bruxelles (Belgio) e altri 4 partner internazionali.

Aftermaths: a tear in the meat of vision, di e con Julia Bardsley. Produzione Spill 09 & Nrla, Londra – Les Halles de Schaerbeek/Festival Trouble and La Bellone, Bruxelles (Belgio) – New Moves International, Glasgow (Scozia).

Eduardo e la sua Grande magia, una doppia versione del Don Chisciotte e i Sonetti di Shakespeare raccontano il bisogno dell’uomo, di ieri e di oggi, di crearsi chimere e utopie per far fronte ad amori disillusi, fantasmi dell’anima e sogni di gloria

Recensione dello spettacolo Minetti, di Thomas Bernhard. Regia di André Engel. Prod.Théâtre Vidy, Losanna – Le Vengeur Masqué, ParigiI – Théâtre National de la Colline, Parigi.

Una regione ad alta densitàteatrale, punteggiatada realtà numerose ed eterogeneespesso oscurate dall’ingombranteTeatro Stabiletorinese. Un’esplorazione atutto campo del panoramateatrale piemontese, allascoperta di esperienzemisconosciute e ineditestrategie di sopravvivenza

Una regione vivace, ricca disale storiche e nuovi spazi,dove spesso si trasformanoin palcoscenici anche luoghinon teatrali, ma dove ancoraregnano antiche divisioni. Lequattro province, da Levantea Ponente, sono tutte dotatedi teatri ma, al centro geograficoe culturale della regione,è Genova a concentrare l’attivitàspettacolare con le suequattordici realtà, dalla liricaal Carlo Felice alla prosadello Stabile, passando pergli “storici” Teatro dellaTosse e Archivolto finoall’ultimo nato Teatro Cargo

Teatro e Cinema al tempo della crisi: il tema, di vistosaattualità, riguarda i complessi rapporti intercorsinell’ultimo decennio tra palcoscenico e grande schermo.Che relazione e proporzione c’è tra i Tony Awards e gliOscar? Dalle capitali teatrali mondiali all’attualità italiana,il mito del cinema incarnato nella “diretta” teatraleè un fenomeno generalizzato, che vanta risultatimemorabili e lamenta insuccessi colossali. Il cinema incerca d’autore quanto e quando ricorre al commediografo?Dai clamori del musical alle ibridazioni spericolate dellaricerca: sia gli studios che gli indipendenti, sia legrandi compagnie che i nuovi gruppi cercano vicendevolmenteil lancio spettacolare attraverso il ricorso ai proprimiti fondanti. Shakespeare è lo sceneggiatore più“moderno”? L’uscita dallo schermo dei personaggi è solouna trovata spettacolare o il segno di una desideratareciprocità? Di contro, la retroproiezione a teatro èdiventata manierismo oppure è la forma più efficace e suggestivadi scenografia? Dalla nouvelle vague ad Almodovar,tra cinema e teatro è tutta una movida

Londra, capitale mondiale del palcoscenico, è “teatro” d’ibridazioni che suscitano discussioni e perplessità. Ma è più facile che il teatro rivitalizzi il cinema del contrario, come dimostrano, per esempio, il successo di Frost/Nixon e il flop di Tutto su mia madre

Due arti in eterno conflitto, fra amore e odio, visto attraverso i momenti di rottura del secondo Novecento cinematografico europeo: Nouvelle Vague, Nuovo Cinema tedesco e Movida spagnola

Indovina chi viene in scena: il cinematografo. Sogni e bisogni dell’italico show biz tra successi e flop dell’archetipo teatrale che incontra il sogno di celluloide. E che succede quando il sipario diventa schermo e quando dal palco i personaggi e i loro autori scalano la montagna dove i giganti hanno scritto Hollywood?

Come, quando e perchè il musical cinematografico made in Usa è diventato teatro in Italia, mentre la commedia all’italiana non è (quasi) mai diventata commedia musicale: Vacanze romane ha più successo perchè richiama un film di Hollywood e Nine da Fellini approda al cinema ad alto budget perchè è partito da Broadway? I protagonisti nostrani dell’ultimo ventennio: dalla Compagnia della Rancia a Massimo Romeo Piparo, da Gianluca Guidi alle star televisive prestate inopinatamente al palcoscenico

Contaminazione e ibridazione: nel meticciato cineteatrale contemporaneo, Vincere o Non Vincere, questo è il dilemma; il Teorema dell’Ozioso Vanitoso e la Prima Legge della Termodinamica Spettacolare detta Principio del Mezzosangue

Tarantino secondo Malosti – Franceschi, autore-attore a Genova – DoppioLagarce a Milano – Babilonia Teatri: Pornobboy e Pop Star – Halle e Napoli concludonoX (Ics) dei Motus – Il Napoli Teatro Festival Italia – Primavera dei Teatria Castrovillari – Medea ed Edipo a Colono a Siracusa
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recensione degli spettacoli Il viaggio a Reims ossia L’albergo del giglio d’oro , dramma giocoso di Luigi Balocchi. Musica di Gioachino Rossini. Regia di Luca Ronconi. Produzione Rossini Opera Festival, Pesaro – Teatro alla Scala, Milano. The rake’s progress , favola di Wystan Hugh Auden e Chester Kallman. Musica di Igor Stravinskij.Regia di Robert Lepage, ripresa da Sybile Wilson. Produzione Théâtre Royal de la Monnaie, Bruxelles – Royal Opera House,Covent Garden, Londra – Teatro Real, Madrid – Opéra National de Lyon – San Francisco Opera Association. Assassinio nella cattedrale , tragedia lirica di Ildebrando Pizzetti, dall’omonimo dramma di T.S. Eliot. Regia, scene e costumi di Yannis Kokkos. Produzione Teatro alla Scala, Milano. A midsummer night’s dream , opera di Benjamin Britten e Peter Pears dalla commedia di William Shakespeare. Musica di Benjamin Britten. Regia di Robert Carsen, ripresa da Emanuelle Bastet. Produzione Festival Aix-En-Provence – Opéra National de Lyon.

Un viaggio lungo un mese, tre festival e varie manifestazioni, decine di spettacoli e di performance, le più diverse, ma molte deludenti. Non certo Métamorphoses di Flamand, dove i miti antichi si collegano a quelli di oggi, e il capitolo tedesco di X(ics). Racconti crudeli della giovinezza dei Motus

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Hanno collaborato Marco Andreoli, Laura Bevione, Fabrizio Caleffi, Roberto Canziani e Marta Vitali.

Eliana Del Sorbo – illustratriceEliana Del Sorbo, che da alcuni anni realizza i trofei del Premio Hystrio, in questo numero ha illustrato la copertina e l’immagine di apertura del dossier. La formazione in scenografia e le sue attività principali di decoratrice e restauratrice la annoverano tra le più eclettiche e interessanti professioniste del panorama milanese nell’ambito della decorazione. Nel 2001, in collaborazione con artisti e maestranze, apre un piccolo spazio espositivo a Milano (via Olona 19) chiamato. Arteca, che significa “arte-casa” o “teca dell’arte”, dove propone soluzioni decorative ad ampio raggio (trompe-l’oeil, ripristino e decorazione di mobili, pittura, scenografia, mosaico, restauro…). Info: cell. 3494083505, arteca@live.it, www.arteca.info.

Paola Abenavoli, Marco Andreoli, Sandro Avanzo, Elena Basteri, Fabio Battistini, Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Claudia Cannella, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Linda Dalisi, Manuel Ferreira, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Giorgio Gennari, Margherita Laera, Elena Lolli, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Andrea Nanni, Pier Giorgio Nosari, Franco Perrelli, Maurizio Porro, Eliana Quattrini, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Maura Sesia, Francesco Tei, Francesco Trapanese, Luca Vido, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

“Roma e Milano: piccoli spazi e grandi città” ha inaugurato a gennaio il ciclo di incontri curati da Hystrio allo Spazio Tadini di Milano. Tanti i temi emersi, dalla vitalità artistica dei piccoli spazi teatrali al rapporto col territorio, dalle politiche culturali delle Istituzioni alle nuove reti per la circuitazione delle produzioni indipendenti. Con una domanda di fondo: come sopravvivere tra i grandi e con pochi soldi in tasca?

La città egiziana, le sue atmosfere, l’ultimo dei suoi intellettuali, dietro a Le sorelle Brönte, allestito da Davide Livermore alla Biennale di Venezia

Il fenomeno del teatro in televisione e dvd, protagonista di un recente dibattito allo Spazio Tadini di Milano, a cura di Hystrio, si è imposto negli ultimi anni con la forza dei grandi numeri. Sono milioni i pezzi venduti da Fabbri, Einaudi e De Agostini, mentre si moltiplicano nei palinsesti di Mediaset Premium le trasmissioni dedicate. In questo contesto, desta preoccupazione il tentativo della direzione di Rai2 di modificare radicalmente la s t o r i c a t r a s m i s s i o n e “Palcoscenico”, a partire da un inopportuno trasloco

Prosa, danza, sperimentazione, in una solida trama territoriale, dove il teatro è ricerca e sguardo al futuro. Tutto questo è l’Emilia Romagna, un ecosistema fatto di molte realtà differenti, in movimento, spesso specializzate e non risparmiate dalla crisi. Uno sguardo d’insieme su una delle regioni italiane teatralmente più fertili partendo dal suo capoluogo, Bologna, e attraversando poi le sue province

Rassegne storiche e manifestazioni nuovissime si snodano lungo la via Emilia. Con la novità di Vie Scena ontemporanea Festival a Modena e uno dei tanti cambiamenti di pelle del Festival di Santarcangelo di Romagna, che si avvia verso i quarant’anni

Una scena viva, composta da gruppi in ascolto delle domande del presente. Da Fanny & Alexander ai Menoventi, da Motus al Teatrino Giullare, l’Emilia Romagna delle ultime generazioni disegna una geografia inquieta, intenta a rinnovare un possibile senso per le arti sceniche oggi

È un popolo ricco ed  stremamente composito quello degli autori emiliano romagnoli, non ha dato vita a “scuole”, ma semmai a singole individualità: dalla comicità surreale di Bergonzoni e Benni alla drammaturgia per la scena di Gozzi, dal teatro di poesia della Gualtieri a quello in lingua di Baldini e Spadoni, dalle creazioni “collettive” di Martinelli al male di vivere di Franceschi e tanti altri

Anche quando la regione era felix, la danza stentava a raggiungere la visibilità di altre esperienze teatrali. Oggi, alla grettezza della politica culturale governativa si trova a rispondere a ogni livello, dagli artisti ad alcuni amministratori, passando per gli organizzatori e gli operatori

Il sessantaseienne regista tedesco ha lavorato in molte città della Germania prima di ritornare a Berlino, dove si era formato e dove, in questa stagione, firma ben tre allestimenti in tre diversi e prestigiosi teatri. Presente in tutte le ultime edizioni del Theatertreffen, da sempre frequenta tanto i classici (Shakespeare, von Kleist, Cechov) quanto i contemporanei (Handke, Reza, Schimmelpfennig), sempre privilegiando, in spazi scenografici spesso di essenziale leggerezza, la pregnanza del testo e la fisicità dell’attore

Gli emergenti alle Sophiensaele, il teatro della post migrazione alla Ballhaus Naunynstrasse, contaminazioni di linguaggi e danza contemporanea ai Teatri HAU: le molteplici identità dei circuiti non istituzionali

La drammaturgia spagnola sta attraversando un nuovo “rinascimento”. Guillermo Heras, direttore della Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos, ce ne spiega le ragioni a partire da quanto si può osservare e scoprire nel corso del suo festival ad Alicante

Nella centralissima sala parigina ritorna alla vocazione originaria teatro musicale “leggero”, scelte bizzarre o i raffinati repechage: il balletto Edward aux mains Sting e Costello protagonisti della rock opera Welcome to the Voice l’intramontabile On the town

DV8, Forced Entertainment, Theatre O, Complicité: sono alcune note compagnie del Regno Unito che, con esiti alterni, si propongono di andare oltre il tradizionale naturalismo tentando un dialogo con le arti visive

Alla rassegna “dunaPart” si è fatto il punto sullo stato di salute del teatro di ricerca e della danza  contemporanea di area magiara. Frémak, Gergye, Horváth, Szabó, Zsóter, le compagnie Baltazár, del Teatro Bárka e HOPPart sono i nomi da tenere d’occhio. La nuova vita del Krétakör di Árpád Schilling

Il Théâtre du Soleil è attivo da oltre quarant’anni sulla scena internazionale e, nelle sue epiche creazioni, continua a declinare con passione il rapporto con la Storia contemporanea. La sua casa parigina, la Cartoucherie, ospita a ogni nuovo spettacolo migliaia di spettatori per un incontro denso, lungo il tempo dilatato di un’immersione etica ed estetica, dentro l’evento spettacolare inteso come esperienza totale e come arte civile. Erede dell’utopia novecentesca del teatro popolare e della tradizione europea degli ensemble, il Soleil ha sempre perseguito una poetica collettiva che ibrida Oriente Occidente, visione e narrazione, ricerca formale, pedagogia attorica e impegno politico. In questo dossier ne ripercorre il cammino, poco noto al pubblico italiano, con ricostruzioni degli spettacoli, approfondimenti orientati, testimonianze dei protagonisti ed estratti dagli scritti della sua regista, Ariane Mnouchkine.

Il Théâtre du Soleil rappresenta al tempo stesso un modello riuscito e una fastidiosa eccezione del teatro pubblico francese.La pratica scenica, l’etica organizzativa, lo speciale rapporto con gli spettatori che questo gruppo ha saputo elaborare, rivendicare e difendere nel corso dei suoi oltre quarant’anni di vita, contraddicono infatti, in gran parte, i modi d’uso del teatro istituzionale e sovvenzionato

di oltralpe. Eppure, queste stesse

caratteristiche appaiono oggi come

una sorta di miracolosa e originale realizzazione

del teatro pubblico e della sua

utopia popolare

Partendo dalle maschere della Commedia dell’Arte, Mnouchkine e il Théâtre Soleil riescono a realizzare nel 2005, nella capitale afghana, un laboratorio teatrale e uno spettacolo da cui nascerà una compagnia stabile battezzata non a caso Aftaab, che significa “sole”

 

1789 e 1793 mostrano come per il Soleil la messa in scena della Storia sia indissolubilmente legata alla ricerca sul teatro. Nell’intima connessione di ricerca formale e impegno etico, il Soleil affronta la Storia attraverso i poli del collettivo e dell’individuale: se in 1789 la compagnia mette l’accento sui comportamenti collettivi, con 1793 affronta l’importanza delle scelte individuali, in una dialettica che ritornerà in tutti i suoi spettacoli

Negli anni Ottanta prende corpo una nuova fase dell’indagine del Soleil nella Storia, ora condotta in compagnia degli autori, a partire da Shakespeare e dai suoi drammi storici, Richard II (1981) e Henry IV (1984) inframezzati da La Nuits des rois (1982). Seguono L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk, Roi du Cambodge (1985) e L’Indiade, ou l’Inde de leurs rêves (1987), caratterizzati dal ricorso a una competenza drammaturgica specifica, autoriale, grazie all’apporto di Hélène Cixous che per tutto questo decennio e il successivo collabora intensamente con la compagnia. Negli anni Novanta, ad altre pièces di storia contemporanea scritte ad hoc da Cixous (La Ville Parjure e Et Soudain des nuits d’éveil) il Soleil alterna ulteriori confronti con i grandi capitoli del patrimonio drammatico, dai classici greci a Molière

Sono davvero pochi gli spettacoli del Soleil transitati in Italia dal 1970 a oggi. Dopo gli anni del forte appoggio di Paolo Grassi, che permise il debutto mondiale di 1789 a Milano, il feeling con il nostro Paese si fa molto più intermittente

 

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Rivelazione dell’ultimo Premio Senario con made in italy, il gruppo veronese racconta aberrazioni e contraddizioni del profondo Nord Est attraverso una particolare drammaturgia antinarrativa, tra pochi oggetti simbolici e spezzoni di registrazioni televisive usate con formidabile cinismo pop. Le esperienze laboratoriali in carcere come fonte d’ispirazione per Panopticon Frankenstein, il mondo del lavoro precario di Underwork, l’Irlanda “venetizzata” di Terminus e il sesso protagonista dell’ultimo spettacolo, Pornobboy

Hanno collaborato: Marco Andreoli, Laura Bevione, Stefania Maraucci, Tihana Maravic e Altre Velocità (Eliana Amadio, Elena Bruni, Silvia De March, Lorenzo Donati, Alice Fumagalli, Paola Gnesi, Valentina Guaiumi, www.altrevelocità.it).

Eliana Amadio, Marco Andreoli, Elena Basteri, Lara Bell’Astri, Laura Bevione, Silvia Bottiroli, Elena Bruni, Fabrizio Sebastian Caleffi, Ivan Groznij Canu, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Stefano Casi, Enrico Castellani, Sara Chiappori, Lucia Cominoli, Marco Consolini, Eliana Del Sorbo, Silvia De March, Renzia D’Incà, Lorenzo Donati, Agnese Doria, Fabio Massimo Franceschelli, Alice Fumagalli, Renato Gabrielli, Roberta Gandolfi, Gigi Giacobbe, Paola Gnesi, Valentina Guaiumi, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Erica Magris, Lucrezia Maniscotti, Stefania Maraucci, Tihana Maravic, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Nico Nanni, Pier Giorgio Nosari, Lucia Oliva, Béatrice Picon-Vallin, Giorgina Pilozzi, Gianni Poli, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Trapanese, Francesco Urbano, Dóra Várnai, Nicola Viesti, Diego Vincenti.

dossier: il teatro israelo-palestinese, le recensioni dai festival estivi, speciale Lombardia, conversazioni con Árpád Schilling ed Eimuntas Nekrosius, donne e censura nell’Islam, il Premio Scenario 2009, il testo vincitore del Premio Vallecorsi e molto altro…