La fuga dal Libano, gli studi teatrali, la fondazione di due compagnie, una in Francia e l’altra in Canada. Nuova star della scena internazionale, Mouawad è drammaturgo e romanziere, attore e regista, capocomico e sceneggiatore di film tratti dalle sue pièce.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

A Venezia con Thomas Ostermeier e Calixto Bieito, due dei sette registi (Romeo Castellucci, Rodrigo Garcìa, Jan Lauwers, Ricardo Bartís e Jan Fabre, gli altri) che Alex Rigola ha convocato a Venezia per dare corpo al suo progetto. Internazionale e peccaminoso.

l’Unità d’Italia, occasione o pretesto? Spettacoli, convegni, festival, ma anche lirica, teatro ragazzi e laboratori per attori. Tra rassegne ufficiali (Firenze e Torino) e non, ecco una carrellata delle principali iniziative sparse nella penisola per celebrare i centocinquant’anni dell’Unità d’Italia.

50 compagnie, 72 anni, 75 titoli. Il drammaturgo americano ci parla di Italia, Europa, Medio Oriente. Un orizzonte worldwide. Come le dimensioni del suo teatro.

Il debutto di Paravidino alla Comédie Française, con La malattia della famiglia M., propone grovigli sentimentali e dinamiche familiari in evoluzione: come dimostrano anche Alain Françon, che mette in scena Feydeau per raccontare la crisi dell’istituto del matrimonio, e Christoph Marthaler, che riprende Kát’a Kabanová, raggelante affresco del dissidio tra condizione femminile e convenzioni sociali.

Una stagione di gran classe quest’inverno nella capitale russa: in scena, tutti degni della massima attenzione, spettacoli di Fokin, Fomenko, Nekrosius, Krymov, Karbauskis e tanti altri.

Dmitri Krymov e il suo Laboratorio “creativo”: ritratto di un regista “anomalo” in occasione di una retrospettiva di cinque suoi spettacoli andati in scena a Tallinn l’inverno scorso.

La scena e la drammaturgia messicana mostrano oggi una grande effervescenza, spesso senza dimenticare le proprie radici precolombiane. I giovani affollano le sale che programmano testi contemporanei e i nuovi autori si fanno conoscere attraverso rassegne specializzate, tavole rotonde e traduzioni.

La generazione dei trentenni, cresciuta con internet e facebook fra periodi di libertà (pochi) e di oscurantismo, è vivacissima e orientata a un teatro politico che sfida la censura.

Questa volta parliamo di noi. Vogliamo cercare di capire se siamo una specie in via di estinzione o di trasformazione, mentre assistiamo impotenti alla diminuzione di spazi editoriali, lettori e prestigio. Con anziani maestri che non si sono rivelati tali, una generazione di mezzo scavalcata dalla storia, le nuove leve perse nei meandri del web. Il dossier vuole scattare una fotografia sullo stato dell’arte fra excursus storici, inchieste, riflessioni critiche e autocritiche. A questo proposito proponiamo un decalogo dei diritti e dei doveri del critico. Perché sentiamo forte l’urgenza di ritrovare una deontologia professionale e una libertà di giudizio che oggi appare perduta e compromessa.

Da Jannacci a Debord, passando per i routiniers senza più passione (né salvezza): ritratto di un mestiere anacronistico a cui forse piace esserlo, frustrato da faccine e pallini, ma dimentico troppo spesso della propria missione. Ovvero, scrivere di teatro, non farlo. Che forse la soluzione è la più semplice: tornare a essere se stessi.

Scuole di pensiero, militanze, date spartiacque, dibattiti culturali: il Novecento in Italia è segnato dal confronto critico in ambito teatrale (ma non solo). Con una professione che si fa grande e diviene simbolo di fermento intellettuale all’interno di una società civile desiderosa di analizzare il processo creativo e provarsi nella dialettica. Fra le intrusioni della politica e il ricordo dei protagonisti, un excursus storico in cerca di maestri ed eredità.

Assediata dalla concorrenza di Internet, poco assistita dai lettori, sempre più la critica teatrale viene emarginata dai quotidiani nazionali. Un fenomeno che interessa solo tangenzialmente le realtà locali, ma che va a incidere sul profilo e le competenze delle nuove generazioni di professionisti. Uno sguardo dal “di dentro”, attraverso l’opinione di chi ogni giorno in redazione ha a che fare (suo malgrado) con la grassa cucina della carta stampata.

Una rassegna delle possibilità formative specialistiche, per chi volesse intraprendere la carriera di critico, rivela un’assenza pressoché totale di strutture di alta specializzazione nel nostro Paese.

Da quando ancora si dettavano le recensioni ai dimafonisti al termine degli spettacoli alla critica negli Anni Zero, dominata dai modelli socio-economici del web e da una nuova comunicazione che non ama gli intermediari, al limite qualche consigliere dai gusti affini ai nostri. Riflessione su un mestiere ormai estinto, gravido di ricordi e povero di prospettive.

Non è solo l’ambito teatrale a rischiare l’estinzione. La critica vive uno stato d’abbandono in tutti i settori artistici, a conferma della disabitudine sociale alla riflessione e al confronto dialettico, alimentata (per assurdo) dai primi organi d’informazione: i giornali. Una chiacchierata informale con alcune firme illustri del panorama critico italiano legato al mondo dello spettacolo. Un coro di lamenti e di grigie prospettive, con un’eccezione…

Un coro generale di lamenti, spesso sacrosanti, su un’oggettiva decadenza dell’habitat naturale in cui la critica dovrebbe svolgere la sua professione, tra spazi ridotti a francobolli, disinteresse delle redazioni, compensi ridicoli e competenze bistrattate. Per altri aspetti verrebbe da dire «chi è causa del suo mal pianga se stesso…», perché la categoria non è comunque esente da responsabilità: settarismo, deontologia professionale latitante, perdita di credibilità, scarso spirito autocritico e non volontà di garantire un ricambio generazionale. Il web, amato e odiato, potrebbe essere un’àncora di salvezza, ma bisogna imparare a usarlo con criterio. Questo emerge da tre domande chiave rivolte a un “campione transgenerazionale” di critici.

Ma troppo vecchi per condividere certi nuovi entusiasmi. La generazione dei Novanta si è fatta grande, si è lasciata alle spalle le risatine di benvenuto, ma occupa ben poche poltrone: gli arzilli settantenni hanno spaccato tutto (o quasi), le nuove generazioni giocano con i cocci. Quale futuro?

Nata e cresciuta con Internet al proprio fianco, la giovane generazione della critica teatrale combatte una silenziosa lotta per riformare la professione (quasi) più antica del mondo. Pochi i maestri, tante le scuole di pensiero: a unirli l’amore incondizionato per le arti performative. Mentre si tenta di mettersi in luce, fra scetticismi e luoghi comuni.

Indagando sullo stato della professione, abbiamo interrogato artisti e operatori su qualità e difetti di noi stessi, in un cortocircuito emotivo che abbiamo preteso il più franco e spregiudicato possibile. Ne è uscito un quadretto di sana disperazione, fra chi ci dà per morti e chi infierisce sul cadavere, chi ci vede in via d’estinzione (come i panda) e qualche raro ottimista. Ovviamente per tutti (o quasi) rimaniamo necessari. Almeno finché c’è vita. Un ringraziamento a tutti coloro che hanno risposto, in rigoroso ordine alfabetico. Ma un ringraziamento anche a chi abbiamo rincorso senza risultato: tutta esperienza.

Viaggio nelle capitali del teatro, per osservare come la stampa si occupa di critica e cultura teatrale. Ne viene fuori un ritratto dalle molte anime, dove alla bulimia produttiva di Parigi si affianca il blasone delle firme inglesi; alla solidità tedesca i localismi spagnoli o la complessità della realtà russa. Con però una sensazione complessiva: a fianco della crisi, è il rispetto per la professione (e il lettore) a muovere ancora le scelte editoriali. Almeno Oltralpe.

Videoproiezioni, spettacoli interattivi e personaggi digitali sono al centro delle produzioni di quelle compagnie (la pratese Tpo su tutte) che hanno fatto della tecnologia la parola d’ordine per rinnovare il teatro destinato ai più piccoli.

I protagonisti della giovane scena/36 – I difficili esordi, il successo improvviso e quasi inaspettato, i nuovi progetti. Dalla bocciatura alla “Paolo Grassi” e al Premio Scenario al debutto al Théâtre de la Ville di Parigi, l’irresistibile ascesa di uno dei gruppi più interessanti del panorama italiano contemporaneo.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali.

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Stefano Bartezzaghi, Elena Basteri, Laura Bevione, Mario Bianchi, Claudia Brunetto, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Davide Carnevali, Enrico Castellani, Tommaso Chimenti, Carlotta Clerici, Lucia Cominoli, Fabrizio Fiaschini, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Katia Ippaso, Giuseppe Liotta, Sergio Lo Gatto, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Anna Pérez Pagès, Oliviero Ponte di Pino, Andrea Porcheddu, Robert Quitta, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Maggie Rose, Laura Santini, Francesco Tei, Pino Tierno, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

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A giugno si apre la settima edizione del premio Hystrio alla vocazione. On-line trovi il bando di iscrizione e tutte le modalità per partecipare.

Esploso negli anni Novanta come vero e proprio genere, affonda le sue radici nei due decenni precedenti, a partire dalle esperienze di Fo e Scabia – Comune denominatore, pur nella diversità degli esiti, è la capacità di metabolizzare il vissuto e la Storia, di tradurre in pratiche inventive l’imprinting narrativo dell’infanzia e di coniugare identità personale e repertori preesistenti – I “tormentati” percorsi di Baliani, Curino e Paolini a partire dagli anni Ottanta, la scelta di teatralizzare la propria realtà di Celestini ed Enia negli anni Novanta, fino alla nascita del nuovo performer epico.

Lavoro, emigrazione, vita contadina, impegno civile, memoria, animazione sociale, teatro ragazzi e un certo tipo di cabaret o di teatro-canzone sono temi e generi a cui si lega il “teatro di narrazione” – Spesso affonda le sue radici nella tradizione regionale e nei suoi dialetti, dando voce a intere comunità o a singoli narratori – Ecco una mappa geografica, non esaustiva ma certo esauriente, per segnalare, oltre chi ha raggiunto una visibilità a livello nazionale, anche altri artisti e realtà che compongono il variegato mondo di questo genere teatrale

Per molti narr-attori l’avventura del teatro cominciò grazie a Mistero buffo, i cui meccanismi, a loro volta, derivavano dai racconti dei “fabulatori” conosciuti da Fo durantre l’infanzia e dal recupero della giullarata medievale.

La nave fantasma di Giovanni Maria Bellu e Renato Sarti

Dall’autoformazione con il Tag Teatro alla lunga esperienza con Teatro Settimo, dalla riscoperta delle radici venete con Meneghello e poi con i Bestiari all’autobiografia generazionale degli Album, il percorso che condurrà Paolini al suo ormai celebre Vajont è un costante work in progress difficilmente etichettabile, così come il suo teatro di narrazione, esplorato di volta in volta in forme diverse in I-TIGI canto per Ustica e Parlamento chimico fino al recente Il sergente-dedicato a Mario Rigoni Stern

Il lavoro sulla propria memoria psicofisica, la traduzione delle emozioni in immagini e azioni, le micropartiture fisiche, l’adesione empatica ai personaggi, la capacità di sospendere lo spazio e il tempo con lo stupore e l’incantamento sono alla base delle invenzioni affabulatorie dell’autore-attore di Kohlhaas

La scrittura narrativa della Curino nasce dalla drammaturgia di gruppo degli spettacoli di Laboratorio Teatro Settimo – L’improvvisazione d’attore e d’autore, il testo come luogo abitato da molti personaggi, il montaggio di diverse fonti letterarie, verbali e figurative sono alla base di Passione, la sua prima prova da “solista”, così come successivamente di Olivetti e di L’età dell’oro

L’antica arte siciliana, anomala forma di “teatro di narrazione”, rivive negli spettacoli di Mimmo Cuticchio come strumento di tradizione, ma anche di nuove mitologie (il calcio), di cronaca (l’uccisione di Borsellino) o innestato in altri generi (la lirica) – La trasmissione pedagogica e l’importanza di saper “rubare” il mestiere, come in un certo senso ha fatto Davide Enia raccontando la Palermo devastata dai bombardamenti in maggio ’43 e quella euforica del Mundial 1982 in Italia-Brasile 3 a 2

Dell’autore-narratore romano, Premio Hystrio alla drammaturgia 2004, pubblichiamo cinque lettere tratte dal volume Fabbrica – Da queste partiamo per ricostruire, dalla sua stessa voce, il metodo di lavoro utilizzato, dalla raccolta dei materiali per arrivare alla messinscena e, infine, alla scrittura

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L’espressione “troppi Pirandello”, così come si dice “troppi Shakespeare”, ha un senso e una giustificazione se ci si riferisce alla pletora di allestimenti di maniera delle sue opere, ricalcati senza inventiva su stereotipi, che trascurano ancora oggi di scavare nei sottotesti o, all’opposto, che alterano intenzioni e significati – Andare oltre il pirandellismo significa, oggi, indagare sui rapporti fra Pirandello e la psicanalisi, e sugli aspetti visionari e onirici del suo teatro

Morto a soli trent’anni, l’attore, regista e scrittore di Castellammare di Stabia ha coniugato nei suoi testi suggestioni folcloriche e immaginario antropologico, ricchezza della parola dialettale e piattezza della lingua dei mass media, portando in superficie gli aspetti più torbidi e oscuri della vita e della cultura o sottocultura del capoluogo campano, quelli dominati dall’irrazionale, dalla follia e dalla morte

Negli ultimi anni, con l’esplosione di questo genere di spettacolo, sono sorte diverse scuole di formazione per interpreti di musical, diverse l’una dall’altra ma quasi tutte di ispirazione anglofona. Le fucine sembrano trovarsi prevalentemente nel Nord Italia. A Bologna ha sede l’istituzione più nota e importante, segue Milano, e quindi alcune esperienze a Roma e in Toscana

Susan Sontag è morta il 28 dicembre a New York all’età di 71 anni. Era da tempo malata di leucemia. Autrice di saggi e sceneggiature cinematografiche, romanzi e pièces teatrali (Alice a letto nel 1993 e Donna del mare nel 1997), è stata anche regista di film e spettacoli (Come tu mi vuoi, con Adriana Asti, nel 1980, e Aspettando Godot, a Sarajevo, nel 1993), oltre che acuta commentatrice delle problematiche contemporanee e impegnata politicamente in difesa dei diritti umani. Poche e assolute le sue “passioni teatrali”, da Peter Brook a Grotowski, l’ultima delle quali per il Teatro e delle Albe di Ravenna (Hystrio 2.2002). A Marco Martinelli, autore e regista del gruppo, abbiamo chiesto di ricordarla

Nella capitale francese portano una ventata d’umanesimo teatrale il Cechov tragico e leggero del grande maestro russo Petr Fomenko recitato dalla sua straordinaria compagnia e Pessah di Laura Forti, testo che racconta, intrecciando con scrittura felice grande storia e storia privata, la cena di una famiglia il giorno della Pasqua ebraica – E al Théâtre du Rond-Point, nuova dimora degli autori contemporanei, un’interessante Dis à ma fille que je pars en voyage della drammaturga Denise Chalem

In questa cittadina non molto lontana da Bratislava, si svolge un festival di grande interesse che a spettacoli polacchi, cechi, ungheresi, rumeni, russi affianca produzioni occidentali: un cartellone di qualità che predilige testi contemporanei o riletture audaci dei classici e alla cui stesura contribuisce una commissione internazionale di selezione

Nati dieci anni fa all’interno dell’università di Pisa in piena occupazione, il gruppo ha da subito un natura contestatrice che riversa in una rilettura parodistica dei classici del teatro. I loro primi spettacoli sono caratterizzati da un taglio farsesco, da un ritmo indiavolato, da personaggi “fissi” che, in parte, riflettono tratti autobiografici. Dopo una fase in cui viene privilegiato il rapporto con i luoghi della propria città, con Orfeo, il respiro del 2002, si avvia una nuova ricerca stilistica che,pur non rinnegando il comico, si avvicina al tragico

Prime quattro tappe di una stagione ricca, coraggiosa e di respiro internazionale promossa dal Teatro Municipale – Tigers in the tea house della grande coreografa californiana, sono seguiti Tanzgeschichten di Raimund Hoghe, la nuova versione di Les porteuses de mauvaises nouvelles di Wim Vandekeybus e Impromptus di Sasha Waltz

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Fra le altre le recensioni a l’autobiografia di Sandro Lombardi, Gli anni felici edita da Garzanti; ai nuovi saggi di Roberto Alonge (Donne Terrifiche e fragili maschi dedicato a d’Annunzio e Pirandello – Laterza – e Goldoni. Dalla commedia dell’arte al dramma borghese – Garzanti-); e inoltre Resti di scena di Paolo Ruffini – Edizioni Interculturali – e il 27 volume del Patalogo della Ubulibri.

Rivalutata l’opera e la personalità del primogenito del grande scrittore siciliano, che si firmava col nome d’arte di Stefano Landi, grazie a Sara ed Enzo Zappulla che, accanto ai testi teatrali, pongono una ricostruzione documentaria di pagine dimenticate della scena italiana

Paola Abenavoli, Carmelo Alberti, Marco Andreoli, Valentina Bertolino, Laura Bevione, Fabrizio Caleffi, Danilo Caravà, Ascanio Celestini, Anna Ceravolo, Rita Charbonnier, Carlotta Clerici, Concetta D’Angeli, Renzia D’Incà, Alessandra Faiella, Loredana Faraci, Fabrizio Fiaschini, Emanuela Garampelli, Gastone Geron, Gigi Giacobbe, Gerardo Guccini, Giuseppe Liotta, Stefania Maraucci, Michela Marelli, Massimo Marino, Antonella Melilli, Simona Morgantini, Andrea Nanni, Dimitri Papanikas, Alfio Petrini, Gianbattista Pinna, Gianni Poli, Oliviero Ponte di Pino, Eliana Quattrini, Olindo Rampin, Domenico Rigotti, Simone Soriani, Francesco Tei, Elisabetta Torselli, Simonetta Trovato, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Giusi Zippo