Dopo l’esito straordinario dei Demoni, il regista tedesco parla di sé e del suo teatro, di Brecht e dell’ex Ddr, del sistema teatrale italiano e del suo rapporto con i classici. A 360 gradi.

Teatro, cinema, tv, musica e poesia: una carriera anomala per un’attrice contromano. Ecco come Sonia Bergamasco è diventata quello che è: dalla scuola con Strehler all’apprendistato con Castri, fino all’incontro con Carmelo Bene e alla svolta “musicale”.

Danza, circo, mimo, clownerie, teatro di figura e di strada trovano sintesi possibili in un macro genere dai labili confini che in Italia ha acquisito una certa visibilità solo negli ultimi anni. Dove vederlo? Al Festival Grock di Imperia e a Teatro a Corte di Torino, all’IF Festival di Milano, a Funambolika di Pescara o a Sul filo del circo di Grugliasco, ma anche in alcuni teatri come il Curci di Barletta, il Vittoria di Roma e il Teatro di Rifredi di Firenze.

Dal Teatro Lliure di Barcellona alla direzione della Biennale Teatro. Il regista catalano si svela a tutto campo: i progetti per Venezia, l’importanza della didattica teatrale, la situazione del teatro italiano e internazionale, i segreti del suo stile e la predilezione per la scena tedesca.

Oskaras Koršunovas racconta il suo percorso artistico: dagli esordi avvenuti quando il suo Paese, la Lituania, attraversava un periodo di grandi mutamenti politici e sociali, al successo dei suoi spettacoli, alla riflessione e alla sperimentazione teatrale come ricerca interiore.

Pluridisciplinare, internazionale e nomade: così si presenta la rassegna parigina, che per la sua 38a edizione propone a una vastissima platea, sempre fedele, curiosa e intransigente, grandi nomi e significative esperienze della creazione contemporanea internazionale: con un’attenzione particolare alla Russia, nell’anno del gemellaggio culturale con la Francia. Senza dimenticare Brook e il suo Flauto magico.

Nella capitale irlandese un’edizione all’insegna del tre: dalla trilogia del teatro polacco al terzetto di talenti registici made in Ireland. Poi le tre proposte del gallese Hughes per chiudere con un triangolo drammaturgico d’eccezione: Beckett-Pinter-Mamet.

Sempre più ignorato in patria, uno dei maggiori autori contemporanei ci spiega le sfide del suo teatro in occasione della messinscena di Luca Ronconi de La compagnia degli uomini. La denuncia del capitalismo, il dialogo tra uomo e società, la mente come struttura drammatica da rieducare.

THE FAB SEB SUPERSHOW presents (H2) OTEL(L)aMOR(t)A VENEZIA con SHYL(O)K rock videogame Hi! I wanna thanks Hystrio magazine for the opportunity to performe this show, the Biggest Show in town. FSC

Che impatto hanno avuto i nuovi media sul teatro? Con l’avvento del web, dei cellulari, di YouTube e dei social network, le frontiere della comunicazione si sono dilatate a dismisura. Il complesso di opportunità che i teatranti hanno oggi a disposizione non è paragonabile a quello di qualche anno fa. Ma fino a che punto si misura la svolta? Quanto ha saputo cogliere il teatro delle nuove modalità interattive offerte dalla tecnologia, in termini di visibilità, di conservazione della memoria e di rinnovamento del linguaggio? E i vecchi media, radio, dvd e televisione, sono tramontati per sempre o hanno ancora da dire la loro?

La storia del rapporto tra il teatro e la tecnologia è, prima di tutto, la storia di un conflitto che muove da lontano.
Più volte contrastata, la tecnologia torna sotto forma di nuovo linguaggio, reinventandosi come modello di manipolazione della realtà e ancorando a sé tutte le fasi vitali di un evento spettacolare, dall’ideazione alla drammaturgia e messa in scena, fino alla promozione, l’informazione, l’archiviazione. Tanto che il teatro, oggi, non può più farne a meno. Con il rischio di smarrire la propria identità o, viceversa, di alterare le strutture più riposte del linguaggio mediatico.

La storia del teatro in televisione in Italia è, prima di tutto, storia di una mancanza: dagli anni Ottanta ai giorni nostri il teatro viene bandito dai palinsesti, compresso in pillole o relegato in improbabili fasce notturne. A dispetto della qualità artistica delle proposte, il gradimento del pubblico e le inedite possibilità offerte dal digitale.

L’interattività è, secondo Paolo Rosa, la frontiera nuova del teatro. Fondata sul senso del limite e della differenza, essa ingloba un modo nuovo di fare teatro, aperto al pubblico e alla collettività.

Dal 1929, la radio ha accompagnato l’evoluzione del teatro in prosa in Italia. Con alti e bassi: ce ne parla Bruno Gambarotta, ascoltatore appassionato e voce radiofonica di eccezione.

Nonostante la concorrenza di Facebook e YouTube, non conosce crisi il mercato del dvd in Italia. Merito, forse, della qualità dei prodotti e della capacità di mutare pelle, intercettando l’innovazione tecnologica, dal Blu-Ray al 3D.

L’avvento del web ha mutato i fragili equilibri del teatro contemporaneo. Riproponendo all’attenzione modelli vecchi legati alla comunicazione, e tentando al tempo stesso di esplorare nuove vie in direzione della multimedialità e dell’interattività, la rete ha esasperato una dialettica interna al teatro, tesa tra l’aspirazione al successo e il bisogno di comunità.

 

Nonostante i passi da gigante fatti dal nostro Paese nel campo dell’archiviazione digitale, rimangono irrisolte alcune questioni, dalla convergenza tra le istituzioni alla conservazione dei database.

Aggiornamenti in tempo reale, contributi video, tenuta nel tempo, consenso di un pubblico giovane: il proliferare di blog, webzine e riviste on-line sembra aver soppiantato definitivamente la critica sui giornali. Ma cosa si nasconde sotto la superficie?

Facebook risulta formidabile nel consolidare l’immagine degli artisti. Esistono convergenze tra teatro e il più diffuso , e invasivo, fra i social network? Non sul piano creativo, probabilmente.

Frequentato da milioni di professionisti e appassionati in tutto il mondo, You Tube è un database infinito dello scibile in materia teatrale. Cui mancano però un criterio e una gerarchia che demarchino cosa è teatro e cosa no.

La nuova campagna Alfa della Fiat è solo l’ultimo dei tanti spot ispirati al teatro. Sta al teatro, di rimbalzo, cogliere il trend, prendendo a prestito il linguaggio della pubblicità. Alla faccia dell’etica.

Duplice è l’impatto che i nuovi media hanno sulla scrittura teatrale: se da un lato il telefonino, la chat e i social network intervengono a modificare gli equilibri tra i personaggi e l’ambiente, dall’altro le nuove tecnologie contribuiscono a destrutturare il testo, aprendolo a un ventaglio pressoché infinito di segnali esterni, ancora in parte da esplorare.

L’utilizzo in scena, sempre più invasivo, delle nuove tecnologie e dei nuovi media ha ampliato a dismisura i confini del teatro. Arte, cinema, musica, danza, teatro, fotografia, televisione, web e 3d interagiscono liberamente, approdando a una dimensione nuova, mutante e scevra da ogni gerarchia, il cui dato caratterizzante è l’ambivalenza.

Innovativo agli esordi, l’sms sembra aver fatto il suo tempo. A seguito dell’innovazione tecnologica, nuovi, più interattivi scenari si aprono per il teatro applicato alla fonia mobile. Di cui la realtà aumentata è solo l’inizio.

Marionette, burattini, pupazzi e teatro d’ombra. Poi pittura dal vivo, il bunraku con le sue leggende e gli oggetti che prendono vita come attori. Queste e altre le numerose proposte della rassegna torinese.

Inaugurata la stagione autunnale con i due appuntamenti ormai classici di “Zona Franca” e “Segni di infanzia”, il primo che puntava sul tema della trasmissione del sapere e il secondo sulla trasversalità dei linguaggi. Senza dimenticare le consuete proposte finaliste di “Scenario Infanzia”.

La scomparsa dell’ultimo padre della regia italiana. Il legame con lo Stabile di Genova, i suoi testi e le sue principali regie, da Goldoni rinnovato alla memorabile Madre coraggio di Brecht con Lina Volonghi.

 

 

Tre Sogni d’autunno/Ravenhill, Garcia e Alfieri a Torino/Misura per misura secondo Sciaccaluga/Doppio Bennet a Milano/Almodovar in scena con Tutto su mia madre/Maria Paiato è Erodiade/Festival VIE a Modena/Tiezzi e I promessi sposi testoriani/Intercity ferma a Copenhagen/Paolo Poli incontra Anna Maria Ortese/Lavia Malato molieriano/Latella da Lear ai fondamentalismi/L’Arpagone nero di Cirillo/Le ballate palermitane di Pirrotta/Cavallerie rusticane a Catania

 

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Niente crisi per l’autunno della danza. E se le grandi città come Milano puntano sui kolossal, le proposte internazionali più interessanti spuntano in città piccole ma attente alle novità.

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Hanno collaborato: Laura Bevione, Fabrizio Sebastian Caleffi, Lucia Cominoli, Giorgio Finamore, Marta Vitali

 

 

Paola Abenavoli, Nicola Arrigoni, Sandro Avanzo, Andrea Balzola, Mario Bianchi, Stefania Bevilacqua, Laura Bevione, Claudia Brunetto, Gabriella Calchi Novati, Fabrizio Sebastian Caleffi, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Tommaso Chimenti, Lucia Cominoli, Dario De Luca, Angela Dematté, Renzo Francabandera, Renato Gabrielli, Georgia Galanti, Gigi Giacobbe, Pierfrancesco Giannangeli, Marcello Isidori, Margherita Laera, Saverio La Ruina, Giuseppe Liotta, Stefano Locatelli, Sergio Lo Gatto, Erica Magris, Fausto Malcovati, Stefania Maraucci, Giuseppe Montemagno, Anna Maria Monteverdi, Simone Nebbia, Pier Giorgio Nosari, Gianni Poli, Oliviero Ponte Di Pino, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Laura Santini, Francesco Tei, David Tuallion, Francesco Urbano, Nicola Viesti, Diego Vincenti, Marta Vitali, Giusi Zippo.

 

“Roma e Milano: piccoli spazi e grandi città” ha inaugurato a gennaio il ciclo di incontri curati da Hystrio allo Spazio Tadini di Milano. Tanti i temi emersi, dalla vitalità artistica dei piccoli spazi teatrali al rapporto col territorio, dalle politiche culturali delle Istituzioni alle nuove reti per la circuitazione delle produzioni indipendenti. Con una domanda di fondo: come sopravvivere tra i grandi e con pochi soldi in tasca?

La città egiziana, le sue atmosfere, l’ultimo dei suoi intellettuali, dietro a Le sorelle Brönte, allestito da Davide Livermore alla Biennale di Venezia

Il fenomeno del teatro in televisione e dvd, protagonista di un recente dibattito allo Spazio Tadini di Milano, a cura di Hystrio, si è imposto negli ultimi anni con la forza dei grandi numeri. Sono milioni i pezzi venduti da Fabbri, Einaudi e De Agostini, mentre si moltiplicano nei palinsesti di Mediaset Premium le trasmissioni dedicate. In questo contesto, desta preoccupazione il tentativo della direzione di Rai2 di modificare radicalmente la s t o r i c a t r a s m i s s i o n e “Palcoscenico”, a partire da un inopportuno trasloco

Prosa, danza, sperimentazione, in una solida trama territoriale, dove il teatro è ricerca e sguardo al futuro. Tutto questo è l’Emilia Romagna, un ecosistema fatto di molte realtà differenti, in movimento, spesso specializzate e non risparmiate dalla crisi. Uno sguardo d’insieme su una delle regioni italiane teatralmente più fertili partendo dal suo capoluogo, Bologna, e attraversando poi le sue province

Rassegne storiche e manifestazioni nuovissime si snodano lungo la via Emilia. Con la novità di Vie Scena ontemporanea Festival a Modena e uno dei tanti cambiamenti di pelle del Festival di Santarcangelo di Romagna, che si avvia verso i quarant’anni

Una scena viva, composta da gruppi in ascolto delle domande del presente. Da Fanny & Alexander ai Menoventi, da Motus al Teatrino Giullare, l’Emilia Romagna delle ultime generazioni disegna una geografia inquieta, intenta a rinnovare un possibile senso per le arti sceniche oggi

È un popolo ricco ed  stremamente composito quello degli autori emiliano romagnoli, non ha dato vita a “scuole”, ma semmai a singole individualità: dalla comicità surreale di Bergonzoni e Benni alla drammaturgia per la scena di Gozzi, dal teatro di poesia della Gualtieri a quello in lingua di Baldini e Spadoni, dalle creazioni “collettive” di Martinelli al male di vivere di Franceschi e tanti altri

Anche quando la regione era felix, la danza stentava a raggiungere la visibilità di altre esperienze teatrali. Oggi, alla grettezza della politica culturale governativa si trova a rispondere a ogni livello, dagli artisti ad alcuni amministratori, passando per gli organizzatori e gli operatori

Il sessantaseienne regista tedesco ha lavorato in molte città della Germania prima di ritornare a Berlino, dove si era formato e dove, in questa stagione, firma ben tre allestimenti in tre diversi e prestigiosi teatri. Presente in tutte le ultime edizioni del Theatertreffen, da sempre frequenta tanto i classici (Shakespeare, von Kleist, Cechov) quanto i contemporanei (Handke, Reza, Schimmelpfennig), sempre privilegiando, in spazi scenografici spesso di essenziale leggerezza, la pregnanza del testo e la fisicità dell’attore

Gli emergenti alle Sophiensaele, il teatro della post migrazione alla Ballhaus Naunynstrasse, contaminazioni di linguaggi e danza contemporanea ai Teatri HAU: le molteplici identità dei circuiti non istituzionali

La drammaturgia spagnola sta attraversando un nuovo “rinascimento”. Guillermo Heras, direttore della Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos, ce ne spiega le ragioni a partire da quanto si può osservare e scoprire nel corso del suo festival ad Alicante

Nella centralissima sala parigina ritorna alla vocazione originaria teatro musicale “leggero”, scelte bizzarre o i raffinati repechage: il balletto Edward aux mains Sting e Costello protagonisti della rock opera Welcome to the Voice l’intramontabile On the town

DV8, Forced Entertainment, Theatre O, Complicité: sono alcune note compagnie del Regno Unito che, con esiti alterni, si propongono di andare oltre il tradizionale naturalismo tentando un dialogo con le arti visive

Alla rassegna “dunaPart” si è fatto il punto sullo stato di salute del teatro di ricerca e della danza  contemporanea di area magiara. Frémak, Gergye, Horváth, Szabó, Zsóter, le compagnie Baltazár, del Teatro Bárka e HOPPart sono i nomi da tenere d’occhio. La nuova vita del Krétakör di Árpád Schilling

Il Théâtre du Soleil è attivo da oltre quarant’anni sulla scena internazionale e, nelle sue epiche creazioni, continua a declinare con passione il rapporto con la Storia contemporanea. La sua casa parigina, la Cartoucherie, ospita a ogni nuovo spettacolo migliaia di spettatori per un incontro denso, lungo il tempo dilatato di un’immersione etica ed estetica, dentro l’evento spettacolare inteso come esperienza totale e come arte civile. Erede dell’utopia novecentesca del teatro popolare e della tradizione europea degli ensemble, il Soleil ha sempre perseguito una poetica collettiva che ibrida Oriente Occidente, visione e narrazione, ricerca formale, pedagogia attorica e impegno politico. In questo dossier ne ripercorre il cammino, poco noto al pubblico italiano, con ricostruzioni degli spettacoli, approfondimenti orientati, testimonianze dei protagonisti ed estratti dagli scritti della sua regista, Ariane Mnouchkine.

Il Théâtre du Soleil rappresenta al tempo stesso un modello riuscito e una fastidiosa eccezione del teatro pubblico francese.La pratica scenica, l’etica organizzativa, lo speciale rapporto con gli spettatori che questo gruppo ha saputo elaborare, rivendicare e difendere nel corso dei suoi oltre quarant’anni di vita, contraddicono infatti, in gran parte, i modi d’uso del teatro istituzionale e sovvenzionato

di oltralpe. Eppure, queste stesse

caratteristiche appaiono oggi come

una sorta di miracolosa e originale realizzazione

del teatro pubblico e della sua

utopia popolare

Partendo dalle maschere della Commedia dell’Arte, Mnouchkine e il Théâtre Soleil riescono a realizzare nel 2005, nella capitale afghana, un laboratorio teatrale e uno spettacolo da cui nascerà una compagnia stabile battezzata non a caso Aftaab, che significa “sole”

 

1789 e 1793 mostrano come per il Soleil la messa in scena della Storia sia indissolubilmente legata alla ricerca sul teatro. Nell’intima connessione di ricerca formale e impegno etico, il Soleil affronta la Storia attraverso i poli del collettivo e dell’individuale: se in 1789 la compagnia mette l’accento sui comportamenti collettivi, con 1793 affronta l’importanza delle scelte individuali, in una dialettica che ritornerà in tutti i suoi spettacoli

Negli anni Ottanta prende corpo una nuova fase dell’indagine del Soleil nella Storia, ora condotta in compagnia degli autori, a partire da Shakespeare e dai suoi drammi storici, Richard II (1981) e Henry IV (1984) inframezzati da La Nuits des rois (1982). Seguono L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk, Roi du Cambodge (1985) e L’Indiade, ou l’Inde de leurs rêves (1987), caratterizzati dal ricorso a una competenza drammaturgica specifica, autoriale, grazie all’apporto di Hélène Cixous che per tutto questo decennio e il successivo collabora intensamente con la compagnia. Negli anni Novanta, ad altre pièces di storia contemporanea scritte ad hoc da Cixous (La Ville Parjure e Et Soudain des nuits d’éveil) il Soleil alterna ulteriori confronti con i grandi capitoli del patrimonio drammatico, dai classici greci a Molière

Sono davvero pochi gli spettacoli del Soleil transitati in Italia dal 1970 a oggi. Dopo gli anni del forte appoggio di Paolo Grassi, che permise il debutto mondiale di 1789 a Milano, il feeling con il nostro Paese si fa molto più intermittente

 

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Rivelazione dell’ultimo Premio Senario con made in italy, il gruppo veronese racconta aberrazioni e contraddizioni del profondo Nord Est attraverso una particolare drammaturgia antinarrativa, tra pochi oggetti simbolici e spezzoni di registrazioni televisive usate con formidabile cinismo pop. Le esperienze laboratoriali in carcere come fonte d’ispirazione per Panopticon Frankenstein, il mondo del lavoro precario di Underwork, l’Irlanda “venetizzata” di Terminus e il sesso protagonista dell’ultimo spettacolo, Pornobboy

Hanno collaborato: Marco Andreoli, Laura Bevione, Stefania Maraucci, Tihana Maravic e Altre Velocità (Eliana Amadio, Elena Bruni, Silvia De March, Lorenzo Donati, Alice Fumagalli, Paola Gnesi, Valentina Guaiumi, www.altrevelocità.it).

Eliana Amadio, Marco Andreoli, Elena Basteri, Lara Bell’Astri, Laura Bevione, Silvia Bottiroli, Elena Bruni, Fabrizio Sebastian Caleffi, Ivan Groznij Canu, Roberto Canziani, Laura Caretti, Davide Carnevali, Stefano Casi, Enrico Castellani, Sara Chiappori, Lucia Cominoli, Marco Consolini, Eliana Del Sorbo, Silvia De March, Renzia D’Incà, Lorenzo Donati, Agnese Doria, Fabio Massimo Franceschelli, Alice Fumagalli, Renato Gabrielli, Roberta Gandolfi, Gigi Giacobbe, Paola Gnesi, Valentina Guaiumi, Margherita Laera, Giuseppe Liotta, Erica Magris, Lucrezia Maniscotti, Stefania Maraucci, Tihana Maravic, Antonella Melilli, Giuseppe Montemagno, Nico Nanni, Pier Giorgio Nosari, Lucia Oliva, Béatrice Picon-Vallin, Giorgina Pilozzi, Gianni Poli, Valeria Raimondi, Valeria Ravera, Domenico Rigotti, Francesco Tei, Pino Tierno, Francesco Trapanese, Francesco Urbano, Dóra Várnai, Nicola Viesti, Diego Vincenti.

dossier: il teatro israelo-palestinese, le recensioni dai festival estivi, speciale Lombardia, conversazioni con Árpád Schilling ed Eimuntas Nekrosius, donne e censura nell’Islam, il Premio Scenario 2009, il testo vincitore del Premio Vallecorsi e molto altro…